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Resulta una enorme osadía que Joe Johnston, relacionado con películas como "En busca del arca perdida" y "Rocketeer" (una deliciosa versión de un superhéroe sin efectos especiales y mucho humor irónico), se haya atrevido a sacar a la palestra del cine mundial a un "Capitán América" símbolo poco simpático de una época y una manera de entender la política que ya están obsoletas. Es este un comic nacido en 1941, creado por Joe Simon y Jack Kirby, que ha vivido una muy larga vida entre las viñetas de los comics de Marvel, la televisión y el cine. Su primer número mostraba en la portada al C.A. asestando un puñetazo al mismísimo Hitler (y esto meses antes de que Estados Unidos entrara en la guerra mundial).

C.A. fue un presumible encargo publicitario para crear un superhéroe que animara la moral de victoria de los soldadosnorteamericanos y sus familias, de todo un país ante la evidencia de una larga guerra en Europa. Para ello los guionistas y dibujantes se atuvieron a los principios tópicos de las sagas de esos "semidioses" que son los superhéroes de los comics: orígenes humildes o misteriosos, cambios propiciados por la suerte o la "ciencia", poderes especiales que superan lo de las personas normales, simplicidad en el perfil de los personajes, ideologías planas y generalmente maniqueas (buenos muy buenos y malos muy malos, el resto, indiferentes), argumentos de esquema y estructura con pocas complicaciones y complejidades, lineales en la fórmula planteamiento-nudo-complicación-desenlace feliz.

La película que nos ocupa puede llegar  a ser divertida si uno se olvida de una cierta coherencia con la realidad, si no olvida que se trata de un comic y si se mantiene frío ante los churros ideológicos que se filtran por todas partes. Muy lograda la secuencia del "cambio" de imagen del protagonista, encarnado por un Chris Evans alfeñique que se convierte gracias a unas drogas genéticas en un cachas total (aunque el discurso inteligente del individuo siga rozando el encefalograma plano). La ambientación es excelente y la narración, con algún momento de insipidez, logra un ritmo y una fuerza notables en muchas escenas.

Lejos del cine en estado puro de, por ejemplo, Indiana Jones, el "Capitán América" no es un producto desdeñable, aunque supongo que levantará oleadas de indignado rechazo en los espectadores que tomen C.A. como una muestra del imperialismo provinciano, ramplon  y prepotente de los Estados Unidos de los cuarenta traspasado a la más preocupante actualidad. De hecho ya hay países en los que se ha cambiado el título de la película (aunque no veo como se puede evitar el mensaje publicitario del personaje, teniendo en cuenta que Capitán América ES un producto publicitario vestido de comic). Es un producto en la linea de cine-palomitas, un costosísimo producto por cierto, al que no cabe pedirle más efecto que las risotadas que provocan algunas escenas y un cierto tufillo paródico que la inteligencia del director ha permitido filtrar y que, en definitiva, aumenta el valor intrínseco de la película a unos niveles aceptables.

O rabos de lagartija, en este caso. El dragón no pasa de lagartija timorata y huidiza. Como timorato y huidizo parece ser el personaje de cuya hagiografía se ha ocupado el casi siempre interesante Roland Joffé (ver "La misión" sobre las estancias jesuitas en America Latina, con unos soberbios De Niro y Jeremy Irons en los papeles principales), es decir el inefable Josemaría Escrivá de Balaguer, el santificado fundador del Opus Dei.

Tengo entendido -aunque no me lo explico- que los apasionados, que no apasionantes, discípulos y seguidores de Monseñor Escrivá, han lanzado las campanas al vuelo para honrar este desnortado producto fílmico (¿de encargo? Quizá) en el que Joffé nos hace seguir las vidas paralelas, que no ejemplares, de Manolo -un amigo de enfancia de Escrivá- y de Josemaría, desde la amistad y el rechazo iniciales a, en un arco de varios años con la guerra incivil entre medio, la convicción, el arrepentimienro y la glorificación con luces y musica sacra del nuevo santo, cuya muerte en pleno horario de arduo trabajo se nos ofrece como guinda a todo el pastel de dudosa calidad y escasa eficacia que se nos propone.

Ni la vida folletinesca de Manolo, su trabajo de espía en el bando republicanno, su canallesca falta de ética y los asesinatos a sangre fría todos ellos, el lider sindical, la mujer que presuntamente amaba y el compañero francotirador que va a despachar a Monseñor Escrivá, mucho antes de serlo, en plena frontera con Francia (una secuencia con la lógica ambiental de Alicia en el país de las maravillas), ni la pretendida vida ejemplar de Josemaría, que en ningun momento es convincente, atrae o explica su supuesta ejemplaridad, me ha convencido de esto: Roland Joffé no ha logrado informarnos si su película es un canto en loor de Escrivá o una crítica larvada y con muy mala uva (la "tontería" sonriente, falsamente espontánea y alegre y la hipocresía al servicio de la obedencia al simbolo de los discipulos y seguidores del joven Escrivá parece copiar lo que suele ser la tónica generalizada del ambiente que suele respirarse en el Opus y que fue sello de la institución durante los años de gloria de monseñor y se mantiene mas o menos hasta nuestros días).

Pero yo me debo limitar a la critica de la película y esa no debe pasar por alto la magnifica ambientación de lugares, escenas bélicas o callejeras de la época que ocupa la acción, antes y durante la guerra bestial que destrozó a nuestro país. Y eso es todo. Que nadie busque una dialéctica de ideas, una muestra del enfrentamiento entre dos maneras de entender el mundo y la vida. Cuatro gritos de "Viva la república", algunas canciones de ambos bandos y dos o tres guiños políticos sin enjundia, no hacen una buena película de fondo politico-histórico.

Para mi "Encontrarás dragones" es una película fallida, pese a la esforzada labor de Charlie Cox el mismísmo JME, insulso y poco creíble, Wes Bentley (el luciferino amigo fascista), Olga Kerylenko (de chica Bond a guerrillera republicana), Ana Torrent y el gran Derek Jacobi. La historia de "relleno" a menudo se monta sobre la que debería ser principal, la vida y obras de un santo que, a tenor de los que nos cuenta Joffé, más bien parece haber conseguido la santidad por recomendación que por meritos propios. Y disculpen la broma los que creen en su Obra, pero esta película debería ser borrada de los anales de la institución.

Hanna (Saoirse Ronan) una chica de 14 años, de una inquietante belleza albina, de ojos desasosegadamente azules, caza en las frias  tierras polares de Finlandia. Le vemos acertar a un venado en pleno corazón con una flecha. De pronto es agredida por un hombre y ella se defiende con pericia y bravura. Es una joven muy entrenada, eficaz en su automatismo asesino, una soldado casi perfecta a la que su padre (Eric Bana, el hombre que la acecha continuamente) entrena con suma dureza en cualquier momento, en cualquier lugar, evitando cuidadosamente que la niña ceda a la ternura o a los sentimientos.

Somos testigos de la exigente educación física y militar de la niña y asistimos a los momentos en los que el padre le proporciona datos enciclopédicos (literalmente) del mundo que le rodea y el porqué de esa forma de existencia y del peligro que la amenaza: hay alguien muy malvado, una mujer (Cate Blanchet), una suerte de madrastra bella y sin principios que busca la muerte de ambos, el padre y la niña. ¿Por qué? Poco a poco con precisión de buen narrador, sabemos quién es la niña, su historia personal imbricada en uno de los proyectos genómicos más antihumanos, la creación genética de personas superiores fisicamente (un sueño nazi mantenido en nuestra época con la ayuda de agencias especiales norteamericanas, quizá la CIA y desmantelada por los fracasos cosechados. La niña es uno de los especímenes residuales que es salvado de ser aniquilada por Eric Bana y su mujer, a los que persigue una de las jefes del proyecto, Blanchett, para exterminarlos y evitar que se divulgue el horror financiado por un Gobierno presuntamente democrático y sostenido por otro (Alemania) que parece no haber desechado todos los cantos de sirena nazis.

A partir de estos supuestos, el director de esta fascinante película (servida por una fotografía espectacular) Joe Wright,(no muy lejos de su maestría académica en "Expiación")  desarrolla un filme que navega en las aguas turbulentas de la acción, desde Finlandia a Marruecos, pasando por España y terminando en Berlin, donde otra flecha en otro corazón cierra el viaje iniciático de la niña salvaje, tabula rasa en la que solo está inscrita la formación paramilitar del padre y las definiciones enciclopédicas de una realidad ajena. Ese viaje, un periplo lleno de magia y violencia, de ingenuidad y de dolor, lleva a Hanna a terminar más o menos donde empezó, pero madurada y limpia de culpa tras haber sembrado de muertes el proceso.

El viaje iniciático de Hanna a través de la muerte del padre y la malvada madrastra, culmina de una forma claramente metafórica liquidando un pasado atroz y abriendo la vida desde cero a la atribulada pero firme protagonista. Es el final del cuento infantil que Hanna no dejaba de leer y releer, con toda la carga de violencia y horror que suelen contener los llamados cuentos infantiles en sus versiones no edulcoradas, tal como los escribieron los hermanos Grimm. Perrault, Stevenson, Samaniego o Andersen. La pobre huerfanita educada en el bosque, rodeada de peligros y amenazas, logra sus objetivos, (conocer su identidad, sus orígenes, prever su futuro) tras superar todas las pruebas, con entereza y valor, aunque también con ingenuidad y un secreto horror que vela la mirada y encoge el corazón.

Pobre Blanche Du Bois, con su miserable y patética vida, prendida de los sueños de una grandeza imaginaria, paloma herida en un vuelo improbable, entre la exigencia de su sensualidad desbordada y la decadencia no aceptada de su cuerpo anclado en la juventud como una quimera imposible. Nuevamente el personaje complejo y castigado de Blanche pisa los escenarios, donde se debate con la trágica convicción de un payaso que se agita en la escena, entre el ruido y la furia y el miedo.

En el teatro Tívoli, dentro del programa del Grec 2011, el director Mario Gas presenta su particular visión de "Un tranvía llamado deseo" el clásico de Tennessee Williams, el caballero del sur que cantaba a las desarraigadas  marionetas de la clase media baja o la alta caida en desgracia,  con un verbo descarnado y poético. Nuevamente la brutalidad salvaje y agresiva de Stanley Kowalski, el "polaco" de la clase baja que sólo se redime por su amor sin barreras, exigente y primario, por su esposa Stella,  mientras sus gritos viscerales de animal herido atruenan el patio de butacas, mostrando su descarnado drama frente al intocable armazón de sueños de Blanche.

La historia es simple, Blanche llega al hogar humilde de los Kowalski, con su pernicioso baúl de sueños de grandeza, clase y una ética señorial y algo pacata, todo ello tan falso y pretencioso como sus pieles falsas y su quincallería de piedras preciosas sin valor y dorados sin oro. A pesar de sus exigencias y su pretenciosidad, es bien recibida por su hermana Stella, que se plega por pura bondad ante las infantiles demandas, el evidente alcoholismo  y la oscura y turbia presencia de un pasado vergonzante de la hermana mayor.

Pero el marido de Stella, Stanley, no se deja intimidar por las apariencias de Blanche y deja que se instale una brutal exigencia de verdad en la casa. El choque será inevitable y dañino. No para Stanley, pero si para Blanche y Stella. El "polaco", un bull dozer moral que todo lo arrasa en su demanda de veracidad y claridad, acabará con todas las esperanzas de redención que Blanche alentaba por su relación con Mitch, un amigo sometido a la brutalidad visceral de Stanley.

Pero su dolorosa victoria en la destrucción total de Blanche, obligada a golpes a aceptar la realidad, es una victoria pírrica. En la última escena, Blanche se marcha al olvido de la mano de un médico perspicaz que le da a la pobre mujer lo que más anhela, respeto y apariencia. Y allí se queda el drama instaurado definitivamente en la casa de los Kowalski: antes de ser mandada a un asilo para enfermos mentales, Stanley ha violado a Blanche y esta se lo ha contado a su hermana. Aunque la vecina de Stella le recomienda que viva con eso si quiere seguir viviendo con el brutal y destructivo Stanley, algo sugiere en el final de la obra que Stella no va a perdonar, que su bondad excesiva y de otro mundo no va a claudicar ante esa humillación final que el desclasado Stanley inflige a las dos Du Bois, en el fondo tan parecidas. Lo que en Blanche es puro oropel de grandezas pasadas y fingimientos actuales, en Stella es olvido neurótico del pasado y enmascaramiento bondadoso del presente en aquello que debería ser. Lo que en una se desborda, el fingimiento y la impostura del sueño, en la otra es fingimiento e impostura de la bondad, donde todo está bien. ¿Quién es más nociva consigo misma?

Mario Gas ha recuperado la auténtica proporción dramática de la obra. Aquí ya no se sobrepone el glamour de un Brando con camiseta imperio desgarrada y una Blanche delicada como una florecita y una Stella algo estúpida en su bovina aceptación, aquí vuelve el protagonismo a Blanche, a la que da vida Vicky Peña, un tanto declamativa, quizá voluntariamente (quizá para dar mayor impresión de teatralidad del personaje), a la que da réplica ese actorazo, Roberto Álamo, al que admiramos en aquella joya teatral que fue "Urtain" y que encarna un Stanley convincentemente brutal pero algo acartonado, Ariadna Gil nos muestra una Stella magnífica, contenida, con una lucidez desencantada pero obsesiva (qué gran Blanche dará dentro de unos años) y Alex Casanovas a un Mitch que no logra ser creíble y que sobreactúa en su pasividad. Aplausos generosos de la concurrencia, como siempre en Barcelona, hambrienta de teatro y nada renuente a que sea en castellano (tomen nota, señores de la Generalitat).

Desde el Matarraña la puntiaguda figura del Tossal de Horta, que atrajo el interés pictórico de Picasso (de todos es sabida la frase que el pintor dedicó a esta tierra, "Tot el que sé ho he aprés a Horta"), llama la atención por la abrupta verticalidad de sus laderas empinadas, sembradas de pinos, con una cima de roca conglomerada adornada por cipreses y abetos y las ruinas de una ermita (datada en el siglo XIII) en lo más alto, junto a una cruz que resalta contra el azul del cielo. En la ladera, engastada como una joya entre los árboles, se levanta el convento de Santa María de los Ángeles o de San Salvador, santo que estuvo en la zona en el siglo XVI y al que se atribuyen numerosos milagros. En la subida hacia la cima de la montaña, el sendero pasa junto a una cueva donde se venera una imagen del santo, que está relacionada con ciertas leyendas religiosas.

La subida a esta montaña emblemática, situada enfrente y a la derecha del pueblo blanco de Horta de San Juan, que se arracima sobre una colina, se puede iniciar en el mismo pueblo, de donde parte el sendero que a través de campos de labor lleva en una media hora hasta el Convento. A un lado de la construcción, cuya hermosa escalinata de acceso a la puerta principal tiene una estética espectacular, comienza el sendero de subida a partir de un poste de señalización. El camino, en este punto y durante unos minutos bastante liso y descansado, va subiendo poco a poco rodeando la montaña a fin de atacarla por el lado norte. Pasamos junto a paredes de conglomerados y agujas apreciadas, y bautizadas, por los escaladores. Una vez superada la citada cueva, donde hay una fuente que fue, según la tradición, abierta por el mismísimo San Salvador dando tres golpes con el cordón del hábito, el camino se hace más abrupto y empinado y va ganando altura de una forma bastante directa, en continuas lazadas, con tramos que han sido arreglados y otros que discurren entre rocas.

La subida va deparando vistas hermosísimas sobre la Terra Alta y en una media hora se llega a las ruinas de la ermita de San Antonio, dejando atrás el lado oeste y cambiando de vertiente, abriéndose una amplia vista sobre el valle de Canaletes, con los Ports al fondo y como pétreos vigilantes las rojizas Rocas de Benet que ofrecen su inconfundible y ciclópea presencia al sureste del caminante. A los pies, la cinta azul de la nueva carretera que une el Matarraña con Cataluña.

Cerca de allí, tras unos minutos de sendero planeante encontramos, aprovechando una grieta en las paredes de conglomerado, un antiguo refugio de la guerra civil. A partir de ese punto el sendero vuelve a enfilarse abruptamente hacia la derecha y encontramos un replano sembrado de grandes cipreses (uno de los lugares más hermosos de la excursión, donde vale la pena sentarse y gozar de las vistas y la paz). Aquí se bifurcan el sendero, un ramal desciende (es el que luego seguiremos para bajar de la montaña) y el otro vuelve a enfilarse montaña arriba.

Llegamos a la cima superando un último altozano sembrado de pinos, hasta la roca pelada donde se levantan las ruinas de Santa Bárbara. A partir de allí tendremos unas generosas panorámicas sobre los Ports, el Matarraña y el arracimado pueblo de Horta. Desde la ermita se puede acceder a un promontorio rocoso donde se levanta la cruz, acceso que tiene un paso delicado para llegar a él y que según los de Horta es uno de los retos que los jóvenes quintos asumían en el día de su celebración (es una cornisa estrecha de roca, abierta a los dos lados, que hay que pasar a horcajadas o a pie los que tengan buen equilibrio.

La bajada se hace desde el punto que mencionamos, el replano de los cipreses, y es un sendero muy directo e inclinadol, con terreno descompuesto y resbaladizo. Mucho cuidado en la bajada, que se hace entre rocas y tierra pulverizada. Despacito y buena letra, se aconseja.

Llegamos de forma directa al convento por la parte de atrás, pasando junto a la ermita de San Onofre y un poco mas abajo, ya tocando las lindes conventuales, a la de San Pablo. (Lugar de apariciones divinas según la tradición). El camino nos deja justamente al pie de la escalinata y la fuente que allí mana. Solo queda volver por el camino mencionado hasta el pueblo. Pero antes de dejar el camino, deben ver el punto exacto escogido por Picasso para hacer una de sus pinturas, la del convento, ingeniosamente preparado para que el visitante pueda ver la perspectiva exacta.

Habremos dedicado entre tres y cuatro horas según el tiempo destinado a reposar o a hacer fotos. Una excursión breve, empinada y de una belleza paisajística de primer orden.