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3 abril 2012 2 03 /04 /abril /2012 09:15

eltipo1_med.jpg

 

Comedia intrascendente aunque bien interpretada por Maribel Verdú y Antonio Melero. Basada en una novela de la sueca Katarina Mazetti, adaptada a la escena por Alain Ganas, un actor que se enamoró del personaje de Pablo y ha logrado armar un excelente juguete escénico, encuadrado en el esquema de la "atracción de los opuestos". La dirección y la versión  castellana ha sido realizada por José María Pou, en continua alza en sus capacidades de hombre de teatro plurifacetal.

Maribel Verdú borda el papel de Laura, una joven viuda llena de inquietudes culturales, algo pedante, bibliotecaria de profesión y que se confiesa admiradora de Schopenhauer y Lacan. Aprovechando la pausa de la comida en su trabajo, Laura va al cercano cementerio de la ciudad a visitar la tumba de su joven marido muerto, atropellado cuando iba en bicicleta. Allí, en la bucólica paz del camposanto, se desahoga de sus frustraciones y su soledad (por cierto las continuas referencias a sus necesidades sexuales y la "rebelión ovárica" que mantiene en ascuas a la joven es lo único excesivo y  reiterativo que padece la obra).

En el cementerio comparte banco con un hombre joven, Pablo, un granjero sencillo y solitario, obsesionado con su trabajo y que acude al cementerio a mantener largas "conversaciones" con su madre, recientemente fallecida. Al igual que la chica, Pablo, aprovecha al principio su monólogo para contar al púiblico de forma directa y llena de humor sus problemas y sus necesidades. Cuando ambos jovenes superan el rechazo inicial y comienzan a relacionarse desaparecen los monólogos y asistimos a un diálogo permanente con acotaciones a la acción en cada uno de ellos. 

Pero desde el primer momento es evidente que esas dos personas sólo comparten una necesidad básica: la de compañía y son dispares y ajenas en todo lo demás que caracteriza sus respectivas vidas.

No obstante, el chispazo se produce (una sinfonía ovárica en el caso de Laura: parece una concesión cómico-revisteril a la galería: lo cierto es que el público, sobre todo determinado tipo de público lo celebraba con llamativas explosiones de risotadas y comentarios: tuve un espécimen de ese tipo a mi lado durante toda la función) y comienza una relación, sexualmente volcánica como era de esperar, pero donde de inmediato se percibe la disparidad de mundos y la falta de sintonía y comunicación que debería dar al traste con la historia, a pesar de los esfuerzos de ambos por dar un cierto sentido a la descabellada relación.

Pablo necesita una mujer fuerte que le ayude a llevar la granja y cumpla las funciones complementarias que él precisa, cocina, limpieza, orden e incluso ayuda en la administración del negocio. Laura quiere un garañón que la deje satisfecha en la cama, pero también un hombre instruido, con interes por el teatro, la ópera, los libros, el psicoanálisis y el arte. Y el tipo de la tumba de al lado se parece tanto a ese ideal de Laura como ella  misma se asemeja al ideal de mujer campesina que busca el granjero. Solo funciona la química -y la fisica-- sexual. Por tanto el desastre es tan previsible como las lluvias en otoño (aunque en estos tiempos ni eso está seguro).

Diálogo ágil, divertido, apropiado a las dos encontradas personalidades que se nos describen, encanto a raudales en los dos intérpretes y un publico entregado a una ficción sin profundidad alguna, que pasa y resuelve, es un decir, el dilema dejando todas las contradicciones planteadas y fiando solo en el "amor" un eventual final feliz. Pero no importa, la dirección de Jose Maria Pou se vuelca en hacernos simpatizar con la pareja --logrado con el granjero y algo mas dificil de conseguir con la bibliotecaria, un poco ridicula en sus pretensiones culturales dado el hombre que tiene al lado-- y dotando a la representación de una escenario minimalista simple y agradable --combada colina de cesped y un diorama de cielo azul con nubes-- donde solo hay un banco que se convierte en dos y luego en uno por exigencias del  momento. A esa sencillez magnífica añade Pou una musica acertada, en  la que  destaca el "Somewhere" de  Tom Waits que acolcha los momentos finales de la obra, abiertos e irrealmente esperanzados.

En fin, se trata de que ustedes se lo pasen bien, parecen decirnos los dos magnificos intérpretes, aunque no acaben de creerse lo que les contamos y menos que podamos aspirar a cumplir nuestros sueños de pareja. Al menos, riámonos juntos y lleguemos al final cediendo el paso a un "¿por qué no?" irreal pero deseable.

  

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2 abril 2012 1 02 /04 /abril /2012 07:26

la-guerra-de-los-botones-cartel-1.jpg

 De 1962 data la fecha de la primera "Guerra de los botones" del gran Ives Robert, adaptación  de la novela de Louis Pergaud (publicada con gran éxito en 1912). Recuerdo aquella versión en blanco y negro (vista en los setenta en España, ¿por qué? Que se lo pregunten a los del gremio de censores franquistas. Yo no me lo explico) y el entusiasmo con el que otros niños de mi barrio procedimos a crear unas batallas semejantes, aunque nosotros nos quedábamos con los cinturones del enemigo. En esta ocasión es el director de la popular "Los chicos del coro", Christophe Barratier, quien se atreve con el clásico infantil (¿es una muestra más de la falta de ideas del nuevo cine europeo- del norteamericano ya ni les hablo-- que se ven obligados a recurrir a venerables textos que ya cumplieron de sobras su función?) y lo hace recurriendo al guiño histórico patriotero y sentimental: estamos en la Francia de 1944, en plena ocupación nazi.

Los niños y adolescentes de dos pequeños pueblos vecinos, Veirans y Longeverne, mantienen la tradicional rivalidad que es común entre vecinos. Hay batallas más o menos violentas, venganzas, provocaciones y en torno a ellos, como si no les afectara, la opresiva vida de la Francia ocupada de Vichy y el pomposo y vergonzante mariscal Petain (la secuencia de los niños cantándole en clase al anciano mariscal con la renuencia del joven maestro, cómo no, relacionado con la resistencia, es bastante significativa del sesgo reivindicativo de la película). El tono bucólico, tierno y épico de la primera versión queda en esta desvirtuado por la innecesaria ubicación en el lamentable tiempo bélico de la segunda guerra mundial. Cuesta creer en secuencias como la de los niños haciendo su "guerra" ante la ominosa presencia de los uniformes alemanes, que no solían estar acompañados de sonrisas tolerantes.

Se puede pues integrar "La guerra de los botones" en la continua busqueda del cine francés de hoy de una reescritura de su historia cercana, segun la cual la mayoría de los franceses estaban activamente en contra de la presencia nazi en el país. Quiza la mejor de todas sea la que recrea el internamiento por los nazis de los judíos de París en el velódromo "La redada", de la que les hablamos hace unos días.

Pero volviendo a la película de Barratier (en la que participan algunos de los actores más populares de esta oleada que se inició con "Los chicos del coro") no sorprende el éxito multitudinario que la cinta ha tenido en Francia. Hay una innegable buena sintonía entre los directores franceses y su público (algo de envidia me da, pensando en España). Por lo demás reconozco que el equilibrio entre la comedia infantil, el drama subsiguiente y los tonos trágicos de la guerra que les rodea, el miedo, la represión, el descubrimiento del primer amor, el romance entre el maestro y la joven tendera, está tan bien conseguido que uno no acaba de aplicar el nivel de la realidad histórica a la película y acepta el tono amable en la tensión argumental que se nos propone.

La tentación de establecer una metáfora comparativa entre el mundo de los niños y el de los adultos, era inevitable y Barratier cae en ella de una forma no muy sutil. El paralelismo casi imposible está establecido y uno tiene que ver como los papeles de la resistencia y los colaboracionistas quedan reflejados en las actitudes de los niños. No era necesario, creo yo. Jean Texier, Ilona Bachellier, los niños priotagonistas (entre los cuales no parece existir esa quimica sensual que hace pensar en un futuro amor intenso), Guillaume Canet entre los adultos, junto a Kad Merad (excelente, nos hace olvidar su vena cómica en "Bienvenidos al norte", su aspecto dramático es colosal) y Laetitia Casta, forman un elenco bien avenido que dan credibilidad a la película. Magnifica banda sonora, a veces muy grandielocuente, pero en general muy efectiva, que acentúa los momentos cómicos y los dramáticos. Y vuelta a proponer el tema judío y a entonar una canción de gesta que,  lo sabemos, en la realidad histórica no fue tal. Tópicos pues para acentuar el dramatismo de una historia que no lo necesitaba.

La película sigue pues la trayectoria amable de la obra anterior de su director y la tensión dramática de los dos mundos, el infantil y el adulto, se diluye en un tratamiento bastante blando y sin compromiso histórico. Es una pelicula amable que gustará a todos los integrantes de la familia y una propuesta más de la tendencia del vecino país en idealizar la Resistencia y el patriotismo galo, en un ejercicio de banalización que cuesta mucho de justificar.

 

 

 

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1 abril 2012 7 01 /04 /abril /2012 09:51

TEATROESPANOL.jpgLas personas de mi generación (y aledaños), es decir los que tenían sus mejores años jóvenes en la decada de los setenta, con una televisión española que despertaba de la infancia y se desdoblaba en dos, tuvimos el privilegio de conocer y vivir las emisiones de un programa maravilloso que pone los dientes largos a cualquier persona con inquietudes culturales: Estudio 1.(y no fue el único de aquéllos tiempos que emitía un teatro apenas visible fuera de la pequeña pantalla). Teatro clásico al alcance de todos los españoles (como el No&Do) sólo claro si cumplían el requisito esencial de ... que tuvieran aparato de televisión (entonces, un electrodoméstico no tan evidente).

Pues bien, para muchos españolitos (entre los que se incluye este servidor) "Estudio 1" les permitió acceder a textos teatrales archifamosos, seguramente leidos en formato libro, pero nunca vistos y degustados sobre unas tablas. En 2009, alguna empresa externa a TVE logró volver a editar  en DVD una antigua colección de la casa  (editada el siglo pasado en formato video) que permitía acceder a las viejas funciones teatrales emitidas en los sesenta, la mayoría en blanco y negro, de grandes clásicos interpretados por un elenco de actores y actrices que reunía lo mejorcito de cada casa.

Así, se nos ofrecía el "Julio César" de Shakespeare, "Un marido ideal" de Oscar Wilde, "Los caciques" de Carlos Arniches, "Cianuro, ¿solo o con leche?" de Juan José Alonso Millán, "Las brujas de Salem" de Arthur Miller, "Un enemigo del pueblo" de Ibsen y el "Calígula" de Albert Camus.

Recuerdo, obviamente, a otros muchos clásicos que deberían ser recuperados y editados por RTVE, pero en fin, me doy con un canto en los dientes por volver a disponer de  los que he citado.

Se trata de un documento cultural, social e histórcio de gran valor, no sólo por la recuperación de aquéllas venerables versiones televisivas (realizadas con gran dignidad y muy pocos medios) y volver a ver a algunos actores de una fuerza y sabiduría escénicas magníficas, sino por todos los "bonus" que se ofrecen en forma de biografías de los actores principales y entrevistas a otros actores, escritores y directores de la época. Un documento inestimable de nuestros años sesenta y setenta.

He gozado como un beduino en las playas y vergeles de Tahití, degustando a un Ismael Merlo como Julio César, el gracejo de Jesús Puente representando a Wilde, al gran, enorme, Jose Maria Rodero poniéndose en la sutil máscara de Calígula, la potencia del fastuoso José Bódalo como enemigo del pueblo ibseniano, la venerable Aurora Redondo en la comedia de Millán, la dúctil María Luisa Ponte en la obra de Arniches y la genial Irene Gutiérrez Caba en el drama asfixiante de Miller.

Una gozada inmensa para cualquier amigo del teatro.

A quien competa: ¿para cuándo otro pack con piezas de "Estudio 1" o de "Teatro en la 2" o de "Primera fila"? ¿Saben el tesoro que tiene guardado en sus archivos?

 

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31 marzo 2012 6 31 /03 /marzo /2012 07:11

blancanieves-mirror-mirror-cartel-7.jpg

"Amor es cuando alguien te pasa una patata" dice el enano Glotón, mientras los demás enanos del cuento lamentan que la princesa Blancanieves, jefa de la banda enanos salteadores provistos de pértigas que los convierten en gigantes saltimbanquis,  se haya enterado que la malvada Julia Roberts, quiero decir la reina, se case con el principe Encantador al que ha transformado en un perrito faldero --literalmente-- para  dominarle y reponer sus arcas dilapidadas en fiestas y saraos.  El amor, la aventura, el drama solo apuntado, el humor a paletadas, se cocinan en esta película con resultado no muy apetitoso. ¿Surrealista verisón del cuento de los Hermanos Grimm? Pues sí, además de algo divertida y bastante irreverente. Tarsem Singh, tras haber pasado por los excesos de "Inmortals", se ocupa de hacer una versión un poco gamberra del clásico infantil. Resultado, una película no muy infantil que seguramente divertirá más a los padres que a sus retoños

Tenemos peleas jocosas y nada sangrientas, unos ambientes recargados y surrealistas, acentuando voluntariamente su carácter de decorads, un vestuario bastante hortera, personajes clásicos transformados en cómicos de la legua, un desenfreno saludable aunque travieso y nada sutil y la presencia autoparódica y llena de humor cáustico de una Julia Roberts que no pierde la compostura y la belleza (ya un poco madura, pero rutilante) rodeada de actores y actrices con envidiable soltura (empezando con Lily Collins como la joven y combativa Blancanieves, muy lejos del pasivo papel timorato del cuento.

Grotesca, gótica, tenebrosa en ocasiones, siempre lindando el disparate humorístico, parece una versión adolescente de un Tim Burton en sus inicios, con un príncipe guapo y manipulable, el edecán (Nathan Lane) con un registro cómico magnífico (el mejor de la función) y los siete enanos, un conjunto magnífico que roza la provocación

Lo cierto es que en lugar de una versión moderna del clásico cuento nos encontramos con una visión original  aunque zafia en ocasiones, de lo que se puede hacer con un cuento con ánimo de juego irrreverente pero sin pasarse de rosca. Y ese es el principal defecto de la película: no llega a ser y conformar algo distinto, algo especial. Se pierde en un ritmo irregular que promete gamberrismo paródico y sólo lo consigue en ocasiones. No hay despliegues de efectos espciales y los pocos que se usan no superan la mediocridad, cosa que no importaría si a cambio el argumento y la realización fueran un poco más ingeniosos.En fin, película divertida para pasar una tarde de domingo con ambiente familiar, palomitas y ninguna pretensión

Y un consejo de salud psíquica: eviten si pueden el final tipo Bollywood con música pseudomovidita incluida y danzas sonrojantes.Ese gran actor llamado Sean Bean, haciendo de rey en un par de secuencias, parecía no creerse la escena que montan Blancanieves, el príncipe, los enanos y el sufrido pueblo del cuento. En fin, una guinda inesperada que amarga el modesto pastel que nos han presentado.

 

 

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30 marzo 2012 5 30 /03 /marzo /2012 07:03

amorsiruela.jpgSe trata de un joven filósofo alemán, Richard David Precht (nacido en Sollingen en 1964), periodista y escritor que juega con la divulgación y las ideas con una irresistible lógica, un sentido del humor nada adocenado y una aportación de datos que en ningún momento llega a agobiar al lector.

Su andadura intelectual ha quedado reflejada en dos libros de divulgación filosófica que han coqueteado con envidiables niveles en las listas de best sellers de su país y del resto de Europa. "¿Quién soy y cuántos" (el problema de la identidad, clave en la psicología y en la mística y ahora también en la neurología) y "El arte de no ser egoísta" (ética y filosofía cogidas de la mano) que no tardará en ver la luz en castellano apadrinado también por Ediciones Siruela.

El libro, "Amor. Un sentimiento desordenado",  pulcramente editado por Siruela, ha sido traducido por el catedrático de filosofía de la Universidad de Extremadura, Isidoro Reguera, una de las mentes más claras de la filosofía de nuestro país y un auténtico lujo para este libro  (le debo páginas esenciales sobre Sloterdijk, Popper, Wittgenstein o Nietzche). Así que doble motivo para leerlo.

Por supuesto que lo primero que nos atrae del libro es su vocación analítica disgregadora. Nada de tópicos, nos dice, dejemos de alimentar caducos romanticismos o ideas falsas, "el amor responde a una contradicción interna" es un sentimiento desordenado al que hay que contemplar con "un gran angular" para evitar que se nos escape la percepción de los diversos -y contradictorios -elementos que lo conforman. Y para ello denuncia los novelones del siglo XVIII, las películas de Hollywood, las serie de la tele, las costumbres populares y las ideas machacadas y no digeridas por todos los medios de comunicación, incluidas las nuevas facilidades y cambios  que promueve internet).

El autor enfrenta esos tópicos históricos y actuales a la mirada desapasionada de la biología, la sociología, la psicología y la filosofía. No se trata, nos dice, de un sentimiento caótico, ilógico, sin sentido, un impulso ciego en el que mandan las hormonas sobre la razón. En las dos primeras partes del libro "Mujer y hombre" y "El amor" se realiza ese analisis comparativo pero sin aceptar el habitual rechazo contra lo incontrolable, sino aportando ideas y conclusiones parciales sobre cuestiones como las diferencias que existe en los sexos a la hora de afrontar y delimitar ese sentimiento, ola estructura amorosa y el papel del sexo en ella. Pero en todo momento respetando la inefabilidad del sentimiento, su fuerza, su potencial, su enorme carga enérgética...simplemente exigiendo que se eviten metodologías limitativas, que dejemos de tratar de encauzar estrechamente un sentimiento que, por definición, supera todos los límites y definiciones, categorías y domesticaciones.

En la tercera parte, "El amor hoy", el autor nos habla de la escurridiza lógica propia que tiene el proceso amoroso, lo que supone para sus protagonistas en coste real de cambios y exigencias y la necesidad de comprender lo que supone el amor para sus protagonistas, antes de que la sociedad lo siga convirtiendo en cualquier cosa  con precio y publicidad, es decir que llegue un momento en que el amor "muera de exito" y se transforme en cualquier cosa bien envuelta para vender... y comprar. O lo que es igual, que más que ser un instrumento para dos autorealizaciones, sea una forma más de que uno logre algo a costa de otro, que pierde algo a cambio de nada. Es decir, lo de siempre. 

"El amor es un arte del fracaso", concluye Precht. Hay un tiempo en el que se realiza (a su manera) pero es un tiempo limitado, después se transforma en otra cosa, camaradería, afecto, convivencia, o sus contrarios. El amor como fenómeno complejo con elementos fisicos, biológicos, psicológicos y sexuales, se disgrega en sus componentes y se transforma. Pero el autor incide en las diferencias entre enamoramiento y amor, ya que la  necesidad de un objeto del deseo del primero y el "estado interno sin objeto" del segundo, los hacen irreconciliables. En suma, no se trata de un sentimiento místico sino de algo que abarca el todo de la persona amada para la persona amante. En ese contexto, la infidelidad es imposible, pero también lo es el altruismo total, "a nadie le gusta amar sin ser amado". Tal vez por estas contradicciones, el amor no  suele durar más de tres años, dice Precht.

Pero ese estado interno que nos acomete alguna vez en el transcurso de la vida debe ser aceptado con un sentido realista y evitar que se contamine con los tópicos románticos o confundirlo con el enamoramiento o la simple atracción sexual. Lo cierto, segun Precht, es que el amor verdadero consiste en "dar todo y no esperar recibir nada" (aqui se acerca al tópico místico y se descuelga con que sólo el amor de Dios es así y nadie cree mucho en ello, idea con la que explica la decadencia de las religiones).

En resumen, Precht nos ofrece una batería de pensamientos, ideas y datos expuestos con gran claridad sobre un sentimiento que no es nada claro y nos reenvía no a una definición, que sería una traición a su texto, sino a un estado del ser, un estado interno con el que hay que vivir el  amor cuando nos llega. Asumiendo ya de entrada que no hay forma de explicarlo y que cada uno lo viva como pueda, pero siempre sin traicionar su esencia.

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29 marzo 2012 4 29 /03 /marzo /2012 09:23

Mas_alla_de_la_frontera-709053936-large.jpg

 

Dirigida por Richard Holm, se trata de una película bélica de nacionalidad sueca, en la que nos narra la peripecia de un grupo de soldados que se        enfrentan en la zona fronteriza de Suecia con Noruega contra las tropas nazis que están preparando, a despecho del acuerdo de paz y neutralidad sueca con la Alemania nazi, una invasión del país nórdico.

Los soldados suecos pertenecen a una unidad especial del Ejército encargada de vigilar la frontera para avisar de una posible invasión, unidad que se mantiene al margen del Ejercito regular sueco. Durante el enfrentamienrto, el  hermano de un teniente encargado de esa unidad es tomado prisionero por los alemanes que lo torturan en busca de infoemación. El teniente, ayudado por un soldado con experiencia en el combate y un francotirador aislado de la guerrilla, tratarán de llevar a cabo una misión de rescate que acabará con todos pero logrará salvar al soldado prisionero.

La película rodada en los lugares donde se desarrolló la acción (que provocó que las autoridades suecas hicieran saber a Hitler que conocían sus planes, lo cual obligó a mantener el tratado, cosa posible por el recrudecimiento de la guerra en otros frentes para las tropas alemanas) muestra claramente la heroicidad del débil frente a la maquinaria bélica alemana, pero también la capacidad de los suecos para luchar en un territorio hostil que era su propia tierra en el duro invierno.

Llama la atención las secuencias en las que observamos el estupor y la angustia de soldados que creían estar al margen de la guerra nazi y se enfrentan a la muerte y la tortura con sorpresa, miedo e indignación. No hay héroes incólumes en esta película, sino hombres que reaccionan con miedo y dolor y a veces se quedan inermes por el horror ante los ataques y y las muertes que provocan sus supuestos "amigos" alemanes. 

Interpretada por Mathias Alstadaster, Christer Brostrom y Anton Damperud en los principales papeles, da una visión honesta y realista de la diferencia de preparación entre los soldados alemanes y suecos y una panorámica desapasionada de los métodos nazis en un territorio internacionalmente neutral.

Resulta ser un filme que se ve con interés, mantiene un ritmo irregular pero logra su finalidad: dos horas de acción en la que se dejan cabos sueltos pero se sigue la peripecia personal de esos hombres, en los que los intereses personales, el amor, la familia, logra exacerbar su heroísmo hasta el fin. No es una gran película pero es un producto digno que nos acerca un episodio de la historia que es poco conocido y que ilumina el curso político que en aquellos años terribles tomó la historia en unos determinados países.

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28 marzo 2012 3 28 /03 /marzo /2012 07:04

ELS-20DOLENTS-202.jpgNo me había fijado demasiado en este actor. Me consta haberlo visto en alguna ocasión, correcto, buen conocedor de su oficio, una presencia de secundario de lujo. Estaba equivocado. Manel Barceló es un primer espada, un actor que rebosa talento, un camaleón que puede ser lo que se proponga aparentar. Lo he visto en la pequeña --y rebosante--Sala Muntaner. Él sólo en escena. Escenario vacío. Solo el juego de focos, alguna sombra chinesca, sin vestuario, sólo voz, gesticulación, movimiento, miradas, sonrisas, gritos, onomatopeyas (unos ecos de la mímica y los ruidos bucales del gran caricato, el histrión desaparecido, Pepe Rubianes, nada de su mala leche, aun hablando de villanos).

Dirige, con pericia, Ramón Simó y se representa el monólogo del actor y dramaturgo británico Steven Berkoff "Shakespeare villains", titulada en Barcelona "Els dolents".  En la sala a oscuras tras unos cortinajes del fondo del escenario sale un hombre delgado, de estatura media y rostro inteligente de expresión firme aunque facilmente cambiante. Lleva en una mano, sin quemarse, una llama que le ilumina el rostro muy teatralmente. Es el Proteo actor que le ha robado el fuego de la inspiración al dios Shakespeare. Porque de eso se trata. De asumir a una serie de personajes crueles, malvados por inteligencia o por cobardía, algún sanguinario perturbado mental, sujetos imperecederos nacidos de la portentosa imaginación del Cisne de Avon.

Una hora y media portentosa, sin descanso, en la que Manel Barceló se vuelve Ricardo III con su cojera y su cuerpo contrahecho, Macbeth, Hamlet, Shylock de "El mercader de Venecia", Yago de "Otelo", Coriolano o el Oberon de "El sueño de una noche de verano". Pero también imita a Laurence Olivier o a John Gielgud, se cachondea de Al Pacino o de Kenneth Branagh, ironiza sobre Flotats y los actores famosos de la tele que se enfrentan a papeles teatrales en el cara a cara de la sala y el público, sin posibilidad de repetir si sale mal como en el cine o en las series

Los "villanos" de Shakespeare van sucediéndose y entre ellos, como técnica de hilación, Barceló hace comentarios, críticas, imitaciones, chistes con mayor o menos adecuación y gracia mediocre, es quizá la parte menos conseguida de la, en general, magnífica función. Comparar a Ricardo III con Franco, Hitler o Bin Laden, me parece rizar el rizo, sobre todo cuando antes ha definido al rey inglés como un malvado inteligente.

Cuando nos habla de Hamlet, nos presenta la escena en la que el príncipe le reprocha a su madre ásperamente que sustituyera a su padre por su tío, tras la muerte -asesinato- del primero. El actor hace de Hamlet, de su madre Gertrudis y del asesinado Polonio, padre de Ofelia. La broma de las nalgas resulta distendida pero innecesaria, aunque el público se lo pasó en grande

La versión en catalán es obra de Marius Serra que busca el equilibrio, casi siempre lo consigue, entre el mensaje sumamente elevado del Bardo y esa cierta vulgaridad que a veces sorprende per o que uno acepta porque no es mas que otra cara de la moneda teatral, y que en este caso sirve para nutrir de referencias a la actualidad a unas obras que nunca han dejado de ser  actuales, a pesar de los 500 años transcurridos desde que nacieron para la escena.

Y esa es la impresión básica que deja esta obra en el espectador, al menos en mí: he visto actual a un hombre que ha nacido para la escena. Porque, además de ofrecernos ese calidoscopio de malvados shakesperianos, Manel Barceló nos da un cursillo rápido pero profundo sobre lo que significa actuar, sobre el oficio de actor, su grandeza...y sus miserias. Y es evidente que sabe de lo que habla. Fascinante.,..

 

 

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27 marzo 2012 2 27 /03 /marzo /2012 07:18

intocable-cartel1.jpg

 

Lo primero que llama la atención de esta magnifica película es la consistencia --algo manipulada en pro del mensaje buenista-- de la realización y también el  guión que firman Eric Toledano y Olivier Nakache. El inevitable antagonismo de los dos protagonistas a los que todo les separa, uno millonario, bon vivant, culto y cultivado, el otro un joven negro sin oficio, al borde de la delincuencia, dotado de una enorme vitalidad, sentido del humor y ese tesoro oculto que ennoblece a las personas, la humanidad. Mensaje claro, pues. Película de amigos, compañeros, enfocada al aspecto dramático más radical: el millonario es un tetrapléjico. Cenicienta en el palacio del ogro, que no es malo sino impedido. Oliver Twist o el Pequeño Lord, película de aprendizaje a dos, con dramas más duros que la situación, con humor y con imaginación. El enfrentamiento suave y la unión de almas, un largo recorrido sembrado de anécdotas, algunas desternillantes, otras solo patéticas. Pero no hay desmesura, se vigila el grado de humor para no crear humillación o rechazo.

Una anécdota que bebe en algo que Dickens sabía muy bien, las diferencias irreconciliables se superan cuando se pone en marcha el corazón, sin caer en sentimentalismos burdos, en mensajes de ONG bienintencionada pero limitativa. El trayecto va impulsado por el descubrimiento del otro como cercano, de la amistad y de esa cierta dureza que nace del sentimiento y que con ello pierde su filo más dañino. Y desde la primera secuencia se nos advierte que evitemos juzgar por las apariencias. La violencia es sólo aparente, no hay maldad, sólo ganas de reir, de sacar punta a la vida, de eliminar en lo posible las barreras que un desgraciado accidente deportivo puso en la vida del dilettante millonario reduciendo su existencia a cenizas y del destino de un chico negro con graves problemas de simple subsistencia.

Hay, en consecuencia ciertas reiteraciones que rozan con la irreverencia, el descaro y el insulto, pero pronto se da un giro de timón, nos muestran los rostros de los protagonistas, no hay malicia, egoísmo, rencor, ajuste de cuentas, hay una mirada que comprende y una sonrisa que nos dice "no hagáis caso, esto está controlado, no irá a más". Las secuencias de la ópera o de la fiesta están calcadas, incluso se permiten el bromazo de la obra de arte ejecutada por el joven negro. Una sombra de critica social que podría ser profunda y sangrante, pero todo queda en nada o en algo amable. El sentido de la autenticidad, de las actitudes libres de todo artificio y el desinterés por la vaciedad de las formas y las convenciones. Pero el chico negro acaba amando la música clásica y conociendo algo de arte y el millonario encuentra sabor a la vida y, en ultima instancia, el amor que le redime.

Francois Cluzet logra una interpretación singularmente auténtica, llena de fuerza, sujeta a la simple expresión de sus ojos y los gestos de su sonrisa o su pesar minimizados en una mirada o una sonrisa o incluso una carcajada liberadora. Incluso secuencias tan excesivas como el juego del chico cuando afeita la barba de su amigo, quedan en nada y Cluzet consigue mantener a salvo su enorme dignidad con un gesto de tolerancia hacia el amigo joven y pasota. Omar Sy se llama el joven negro que estalla como una granada en cada uno de sus gestos y llena la pantalla de comprensión y afecto con la mirada hipnótica de sus grandes ojos de animal libre y sin prejuicios.

 Parece que la película ha arrasado en Francia y en otras partes lleva una buena  carrera. Me alegro. Primero porque la pelicula se lo merece y segundo porque he visto en los titulos de crédito que un 5% de lo recaudado irá a parar a una institución parisina que se ocupa de los tetrapléjicos.

La historia está basada en personajes reales, por lo visto y para que no quede duda se nos muestran al final unos segundos con la imagen de los auténticos, las personas reales cuya historia acabamos de ver. Ciento nueve minutos de juerga inesperada con personajes difíciles de imaginar juntos y en circunstancias que, generalmente, suelen terminar bastante mal y no con la sonrisa o la carcajada con la que nuestra pareja sanciona su aventura vital cinematográfica.

 El cine francés sigue produciendo al menos una vez al año películas que van directas al corazón, "Amelie", "El Havre", "Bienvenidos al norte" o "Intocable" logran dar la medida de la calidad del cine europeo cuando un guión inteligente, un buen director y magnificos intérpretes se unen.

 

 

 

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26 marzo 2012 1 26 /03 /marzo /2012 09:53

ulldemolins-San-Bartolome60312-150.jpgSe trata de uno de los parajes mas interesantes y visitados del magnífico macizo del Montsant, en la provincia de Tarragona, al menos la primera parte que lleva hasta la ermita de Fraguerau. Una vez allí (donde la mayoría de los excursionistas suelen darse la vuelta y volver a la ermita de San Antonio, punto de partida) el sendero  se hace muy solitario y continúa para hacer un circular que nos lleva tras intensísimas subidas de nivel hasta la Punta dels Pins Carrasers, no sin antes pasar por dos puntos delicados aunque no difíciles, tramos muy aéreos y subidas inclementes. Y para poner la guinda, la bajada del Grau del Llop con una inclinación salvaje que te obliga a ir agarrándote a ramas y troncos y te lleva de nuevo al punto de partida. No aconsejo esta excursión con lluvia, nieve o vientos fuertes del norte. Mejor pues en primavera u otoño. En verano hace un calor infernal.

Una vez en Ulldemolins, a la entrada del pueblo hay un desvío a la izquierda señalizado "A las ermitas". Seguimos la pista asfaltada. Tenemos enfrente el enorme muro pétreo del Montsant (llamado así por el gran número de ermitas, capillas, iglesias y santuarios que hay en los rincones más inesperados, donde tambien proliferan cuevas de ermitaños y ascetas) con la meseta superior que se alza desde cien metros de altura a casi trescientos en algunos puntos. La pista va ascendiendo y nos lleva a la ermita de Santa Magdalena, a la izquierda, pero debemos seguir hasta San Antonio, principio de la caminata.

La ermita de San Antonio de Padua y Santa Bárbara (no tiene mucho interés artístico) está rodeada de una zona de acampada y un área recreativa con mesas de madera o de piedra y fogones donde asar carne. Seguimos la pista que va hacia el rio Montsant dejando atrás un cartel que nos avisa que el sendero que vamos a hacer tiene cierto riesgo en su parte final, sobre todo con mal tiempo. Hace un dia excelente y el tiempo que apuntan, 3h 40 m (siempre es más porque no se cuentan las paradas) supone poca dificultad. Está muy bien balizado con las marcas rojas y blancas del GR 65-5 -- que lleva al pueblo de Margalef-- y las seguimos hasta llegar al mirador de las Cadolles Fondes, una estrecha garganta de roca viva en cuyo fondo espejea el bellísimo verde esmeralda de las aguas del Montsant que aqui forman pozas. Dejamos a la izquierda un sendero abrupto que va hacia el Pic de los Pins Carrassers, junto a una balsa de agua, que es por donde bajaremos a la vuelta. Inmediatamente después entramos en el Congost propiamente dicho y frente a nosotros comienzan a verse las extrañas y caprichosas formas rocosas que parecen esculturas, a veces antropofórmicas o semejantes a animales, que regala la Naturaleza a los que pasean por ese hermoso lugar. Estamos caminando por el Vall del Silenci, donde apenas el gorjeo de algunos pájaros o el ronco grito de las rapaces logran romper el velo de un silencio casi total. Paz y serenidad en el ambiente. Caminamos con renovadas energías bajo el sol y también bajo el palio de los árboles que festonean el camino.

Cruzamos la riera que desciende desde la fuente de la Gleva, hay un desvio a la derecha que lleva al Rincón de la Pastera (un voladizo de piedra o bauma enorme donde vemos que se han amurallado los huecos, seguramente para el ganado y los pastores de antaño) lo dejamos y seguimos hacia un gran rondal rocoso donde hay una cueva con restos de fuego, mientras descendemos hacia el fondo del valle.

Mas o menos a una hora y pico de la salida encontramos a la derecha un bello puente colgante de madera con cables de acero, bamboleante y exótico (puente colgante de San Bartolómé) que nos llevará a la ermita de Sant Bartomeu de Fraguerau, mientras el GR sigue enfrente a la izquierda (luego lo seguiremos para completar el circular, es donde comienza el tramo mas duro). La ermita es de una belleza bucólica y agreste. Está enclavada en un lugar idílico, en un rincón protegido por los arboles, dominando el congost con una presencia discreta y semioculta. Fue fundada en el siglo XII por Guerau Miquel, un mítico ermitaño de aquella época, milagrero hombre santo que habitó en esta sierra y da nombre al Congost. El último anacoreta que vivió allí fue Francesc Palau i Quer, que se instaló en el paraje allá por el año 1851.

Volvemos a cruzar el puente y seguimos el sendero en dirección a Margalef. Unos kilómetros mas adelante --casi una hora de caminata-- veremos una desviación a la izquierda, señalizada con una fita, que asciende de forma abrupta y muy empinada (en unos minutos más de 40 m de desnivel). Es un sendero estrecho y trabajoso que remonta la cresta de los Ventadors. Hay que superar por la izquierda las primeras rocas buscando la cresta y es preciso utilizar las manos para asegurar una subida bastante aérea. Personas con miedo invencible a las alturas, abstenerse. Estamos en la carena de la sierra de Solans y frente a nostros se abre el profundo valle rodeado de cortados de piedra verticales de gran altura.

Aún nos queda otra prueba : pasar por un relieve estrecho junto a la roca que se abre al precipicio por la derecha y que es aconsejable pasar haciendo uso del cable que está firmemente sujeto a la pared de roca. Es corto y más amenazador que peligroso. Luego nos quedará una fuerte subida y caminaremos por la cordada superior hasta llegar a la punta de los Pins Carrasers y el coll de la Trona que permite la visión de los dos valles, el de la ermita y este segundo que se abre más de mil metros abajo

En el coll encontraremos entre dos rocas una bajada brutal, un sendero estrecho y resbaladizo que baja casi verticalmente haciendo lazadas, llamado el Grau del Llop. Lo bajamos auxiliándonos con matas, ramas y árboles y en unos veinte minutos llegamos a terreno más distendido hasta que topamos con la balsa de extinción de incendios que ya comentamos al principio y un poco más allá el origen de la excursión, la ermita de San Antonio. Poco menos de seis horas con un par de pequeñas paradas incluidas. 

 

 

 

 

NO SE PIERDA

Antes o después de la excursión es preciso acercarse a la ermita de la Magdalena (que dejamos a la derecha en la pista a San Antonio). Es un edificio de estilo renacentista y ha merecido el sobrenombre de Catedral del Montsant por su factura arquitectónica y sus dimensiones de base y alzada. En su vecindad está el famoso Pi Carabassé. Es un paseo de una horita mas o menos y te lleva a rincones muy bellos siempre que el Montsant lleve suficiente agua.

 

 DOCUMENTACIÓN

 

Los mapas de Desnivel de "Serra de Montsant", 1:20000 son muy útiles, aunque el camino está bastante bien balizado, sólo en la carena de la sierra es un poco perdedor hasta que se encuentra la bajada del Grau dels Llops.  Geo estel ha editado un librillo sobre el Parc Natural de la Serra del Montsant que es bastante claro aunque parco en datos. Hay mas material sobre el Montsant en librerías especializadas o, por supuesto en Librería Serret de Valderrobres.

 

COMER, DORMIR, COMPRAR

 

En Cornudella, La Fonda del Recó. Buen vino en Gratallops o en el Celler de Pasanau en la Morera. No olviden la agrobotica de Ulldemolins. Magnifico aceite ecológico. En Cabacés, Hostal la Neus. La fonda Toldra en Ulldemolins. En la Morera, el Hotel Balcó del Priorat o La Vileta en Cornudella. Así pues, aceite, vino y frutos secos.

 

ACCESOS

 

Las rutas de acercamiento son fáciles, desde el Bajo Aragón, la carretera que nos lleva a Gandesa, Mora de Ebre, Falset y antes de llegar a Reus nos desviamos hacia la izquierda, Borges del Camp, Cornudella, Albarca y Ulldemolins, base de la excursión. Desde Cataluña, lo mas rapido es la AP7 hasta Montblanc, Vimbodi por la N240, la comarcal hacia Vilanova de Prades y luego hasta Ulldemolins. Aunque también se puede ir hasta Reus y coger la carretera de Cornudella.

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25 marzo 2012 7 25 /03 /marzo /2012 07:58

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Hace muchos años, en mi adolescencia, finalizaban los años 60, leí por primera vez "La historia de San Michele" de Axel Munthe. Para mi tuvo el valor inestimable de una lectura iniciática. Enraizó en mi el amor a la medicina y en concreto a la psiquiatría y la psicología. Conozco a muchos médicos, psiquiatras y psicólogos que han confesado alguna vez que sus vocaciones tiene mucho que ver con este libro.

En estos días "Libros de La Vanguardia" ha reeditado el clásico que difundió Editorial Juventud. No se trata de una obra maestra, desde luego, pero es un libro interesantísimo que nos habla de una época ya pasada, finales del XIX principios del XX,. Pero lo hace de la mano del doctor Munthe, un médico sueco con una apasionante vida dedicada al ejercicio de su profesión en los dos extremos del espectro social: tanto trataba las neurosis de la nobleza europea --fue medico personal de la reina de Suecia-- como, al mismo tiempo, curaba y cuidaba de los sectores más pobres y desfavorecidos de los lugares de Europa donde vivió, desplazándose para ayudar en las tragedias y desgracias naturales que provocaban numerosas vístimas, desde el terremoto de Mesina, a la peste de Nápoles o las trincheras de la primera guerra mundial.

Pero no es sólo la vida de un gran médico, es la historia de un visionario, amante del arte, de los animales y de los miserables que sucumbían en toda Europa a millones por los desastres de las guerras y las epidemias. Llevó a cabo uno de sus sueños --poseer y edificar la mansión de San Michelle-- y el libro es también la historia del sacrificio y el empeño de un hombre magnífico para lograr realizar aquello que mas amaba. Compró un rincón de la isla de Capri, las ruinas del antiguo palacio del perverso emperador romano Tiberio y la capilla de San Michelle , adjunta al lugar. Construyó él mismo con la ayuda de gentes del lugar, un edificio que tomó el nombre del santo de la ermita y se hizo famoso, casi legendario, en su época (ahora es propiedad del gobierno sueco, que ha dedicado ese lugar a un museo sobre la vida del doctor Munthe).

Se trata de un lugar maravilloso enclavado en lo alto de una altisima colina (más de setecientos escalones tiene la senda que llevaba al lugar: hoy en día hay una estrecha carretera asfaltada) con unas vistas increíbles sobre el Mediterráneo, Nápoles, Capri y el Vesubio. La historia de San Michele fue un libro muy leído por la generación de nuestros padres y abuelos y hoy vuelve a ser fácil de encontrar en las dos ediciones apuntadas aquí.

Fue publicado por primera vez en Estocolmo en 1929, y en España seis años después y es una obra que se resiste a la clasificación: ¿novela?,  ¿autobiografía? ¿libro de medicina o de historia? ¿Memorias de un médico famoso? Tiene todos esos elementos pero además está dotado de algo muy importante, un encanto especial, mágico, estimulante. No conozco a ningun joven de mi tiempo que le leyera sin sentirse hondamente conmovido y fascinado por la lectura. Y creo que los jovenes de hoy también encontrarán ese efecto en el libro de Axel Munthe (1857-1949). En sus páginas, el doctor Munthe logra mezclar fantasía y realidad de una forma creativa, honesta y humilde al tiempo, sin olvidar avisar al lector de esa mezcla y pedirle con gentileza que se quede con los sentimientos y emociones que subyacen: la de un hombre entregado a su profesión, al amor a sus semejantes, a los animales y la naturaleza, al estudio del arte y al ejercicio de una capacidad notable para conocer a las personas y ayudarles certeramente.

san-michel.gif A los 52 años Munthe se quedó ciego y cayó en una profunda depresión de la que sanó con la ayuda de la literatura y de su "Historia de San Michelle". En 1934 lograría recuperar   la vista tras una operación. Fue amigo de hombres de la talla del profesor Charcot (el maestro de Freud), los hermanos James, el escritor y el filósofo (autor de uno de los libros mas importantes de la psicología moderna), de Pasteur o del  escritor Guy de Maupassant, que fue también su paciente o la bailarina Eleonora Duse. Vivió y practicó su arte en Paris, Heidelberg, Londres, Messina, laponia, Roma, Nápoles y Capri. Y, a pesar de toda esa riqueza de personajes y acontecimientos, ese amor profundo a los animales y a los humanos que sufren, en 1936, en el prefacio a  la ujltima edición de su obra estando vivo, escribió: "Será muy solitario el estar muerto, pero no puede ser mas solitario que el estar vivo". Trece años mas tarde murió en Estocolmo, en la corte real, donde acudió llamado por el Rey sueco para que estuviera protegido ante los terribles acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial. Tenía 92 años. Y dejó un monumento literario a su valor y honestidad, al empuje irresistible por cultivar los propios sueños. No se lo pierdan.

 

 

     

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