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14 abril 2012 6 14 /04 /abril /2012 07:16

cumbres-borrascosas-cartel.jpg

Nueve versiones, nueve (hasta una en Bollywood tipo desorejado musical hindú), se han hecho del romántico drama de la Brontë, "Wuthering Heights". La presente no tiene nada que ver con la versión clásica de William Wyler, interpretada por Merle Oberon, Laurence Olivier y David Niven, que se llevó en 1939 un único Oscar a la mejor fotografía y a la que el tiempo ha respetado bastante bien. Incluso desmerece ante la que dirigió Peter Kosmisky con Juliette Binoche y Ralph Fiennes. Y no me refiero a calidad fílmica. Son tres versiones bastante fieles a la obra de Emily  Brontë, aunque al tiempo, tres visiones radicalmente distintas.

En la nueva adaptación, dirigida por la británica Andrea Arnold (responsable de cintas tan apreciables como "Fish tank" y "Red Road", donde muestra su visión dura y sin compromisos de la vida), enfoca  la conocida historia de "Cumbres borrascosas" paseando su desolada cámara por los páramos de Yorkshire, azotados por un viento gélido, la lluvia, la nieve y la soledad (el lugar donde la Brontë localizó su romántico drama). Naturaleza inclemente, barro rodeando las casas rurales y las granjas, una cierta miseria que contrasta vivamente con la suntuosidad de los vecinos ricos, violencia en los sentimientos y en los actos y la naturaleza humana que, contagiada por la exterior, se vuelve extrema, cruel, intensamente apasionada, desafiante, mezquina, esclava del odio, del amor y de la desesperación.

Volvemos a vivir la historia de Heathcliff, un niño rescatado de la muerte por inanición y miseria en las calles de Londres por un modesto granjero que, en un gesto de compasión y fe religiosa, se lo lleva a su granja en Yorkshire, llamada "Cumbres borrascosas". Allí el niño negro --licencia que se permite la Arnold dandole un incentivo dramático a una historia ya de por sí poco complaciente-- comnezará su desolado periplo personal, desde el espinoso y contradictorio amor entre el chico y la hija del amo, Cathy , hasta el odio sempiterno del hijo del granjero, Hindley, un mozalbete brutal de malas  inclinaciones que detesta al chico negro al que considera un usurpador y al que convertirá en su víctima propiciatoria tras la muerte del padre.

Arnold se centra en el amor visceral y obsesivo entre Cathy y Heathcliff, rodeados por  un agresivo rechazo racista y de clase de la gente que les rodea. El ambiente físico del entorno está en consocnancia con la tenebrosa historia, cielos oscuros y amenazantes, grandes lluvias, barro, ventoleras y nevadas, frío desapacible y miseria, todo en un ambiente tétrico y oscuro.

Ya desde la secuencia inicial de la película, el joven negro lanzándose contra una pared deslucida donde están escritos los nombres de los dos enamorados y dibujos alusivos, golpeándola con la cabeza, hiriéndose y al fin perdiendo el sentido, mientras fuera los desnudos árboles y sus ramas esqueléticas golpean los cristales del ventanuco de la habitación. Heathcliff quiere matarse tras la muerte de su amada. Pero entonces la cámara vuelve atrás en el tiempo y nos trae las imágenes de la llegada a la granja del niño, de la mano de su bondadoso protector. Allí es muy mal recibido por los dos hijos del granjero ante la sorpresa dolorida del padre.

Una genial fotografía --Robbi Ryan-- oscura, fría, desangelada, llena de aristas y contrastes, va acompañando el aire ominoso y opresivo de la narración, con la música natural de la lluvia cayendo o el aire azotando el páramo y los árboles o el tétrico chapoteo de los pies sobre el barrizal.

En la película hay dos partes muy diferenciadas. La primera, la infancia de los dos niños, a pesar del ambiente citado y el tratamiento fílmico de los personajes, mantiene un ritmo intimista y un esteticismo del detalle mínimo. En la segunda, ya adultos ambos, pasan a la reiteración y a una cierta consideración fatalista de la historia, que se vuelve previsible en las acciones de los personajes, cuyos sentimientos íntimos ya no se reflejan en gestos y miradas, sino que todo se vuelve un poco mecánico, como si hubiera intención de ajustarse sin más a la historia, sumida al signo de la venganza, de la violencia y el exceso emocional. El Heathcliff maduro no nos convence, no atrae nuestra compasión (ni desde luego nuestra simpatía: no se trata de un personaje simpático en ningun momento de la película, ni de la novela) y su sufrimiento no nos parece profundo y auténtico (aqui gana la dureza inconmovible de Olivier en la versión de Wyler).

El único aspecto que se mantiene durante todo el metraje, por su soberbia y acongojante cualidad física, es el de la naturaleza desnuda y fría como personaje esencial de la historia, pleno de fuerza y tan apasionadamente dramático como los personajes que viven sus duras, embrutecidas, vidas bajo su dominio. Los páramos invadidos por la lluvia y el viento alcanzan un protagonismo estético y dramático que sorprende por su fuerza.

Interesante versión del clásico literario que no gustará a los que aman la novela y la versión de Wyler, pero que atraerá a gente joven que conozca poco la obra de la Brontë y crea que Sir Laurence Olivier es el nombre de un Whisky de malta.

En cuanto a los actores, Salomon Glave (que hace de Heathcliff joven) es bastanta superior a James Howson que toma el relevo como adulto. Algo parecido ocurre con Shannon Beer (Cathy joven) respecto a su versión adulta, Kaya Scodelario. Lee Shaw consigue bastante fuerza con su interpretación del brutal Hindley, mostrándonos su lado patético con tanta convicción que provoca compasión y los demás tratan de ajustarse a sus papeles. Ya les digo convence más la Naturaleza como personaje principal omnipresente que los actores.:

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13 abril 2012 5 13 /04 /abril /2012 08:46

luciernagas-en-el-jardin-cartel1.jpg

De vez en cuando vale la pena recuperar películas un poco menos recientes de las que nos obliga a comentar la actualidad de los estrenos, impulsados por la calidad o la oportunidad. Hablamos de "Luciérnagas  en el jardín" de Dennis Lee (leo en alguna parte que existen ciertas reminiscencias biográficas del director en esta pelicula). Se trata de una muestra bastante inteligente del llamado género familiar norteamericano. Esas películas dramáticas y a menudo entrañables y de una sugestiva sentimentalidad suelen evocar, desde el recuerdo o el presente directo, las relaciones entre los miembros de una o más familias relacionadas y los avatares, dramas y a veces elementos humorísticos o de comedia psicológica, a menudo trágicos o crueles, que jalonan la biografía de casi todas las familias.

En esta cinta --de 2008-- se nos cuenta la historia de los Taylor, una familia marcada por la exigente dureza del padre y la bondad escapista de la madre, con dos hijos, hermanos, sobrinos, cuya dinámica de relaciones se ve alterada por un trágico accidente que acaba con la vida de la madre. Un  poema de Robert Frost sirve de base argumental a la película ,que muestra secuencias dramáticas sobre la relación del padre -- magnífico e inquietante, como siempre, Willem Dafoe-- con su esposa --una contenida Julie Roberts (quizá aqui falle la quimica entre estos dos actores)-- y con su despreciado hijo adolescente, donde se roza la tragedia por la violencia casi enfermiza del padre y el odio de su hijo. Tales rememoraciones del pasado van siendo relacionadas con las del presente, en el que la muerte de la madre provoca una catarsis donde emergen sentimientos y pasiones soterradas y se acaba regresando a un orden donde es posible el afecto y el perdón.

Ryan Reinolds como el hijo adulto, la soberbia Emily Watson, Carrie-Anne Moss como la pareja de Ryan y un grupo de niños y adolescentes magnificamente dirigidos, para cubrir el arco de tiempo de 20 o 25 años de la trama, dan encanto y verosimilitud a lo narrado, aunque en puridad hay ciertos personajes que, aun estando correctos en su papel, no parecen formar parte del mejor casting posible para esta película.

Modélica en su ritmo y tratamiento tanto visual como de fondo musical, "Luciérnagas en el jardín" es un ejercicio sobre la memoria, las trampas de la nostalgia familiar y de los dramas infantiles y un alegato muy sutil sobre las traiciones que nuestros recuerdos imprimen a los hechos acontecidos hace muchos años. Y, en fin, la necesidad de hacer borrón y cuenta nueva y abrir la ventana de las estancias familiares para que todo se renueve. Me ha encantado la dignidad con la que se evitan evocaciones sentimentales de trazo grueso y no se da lugar a la tentación de provocar lágrimas fáciles o emociones superficiales..

 

 

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12 abril 2012 4 12 /04 /abril /2012 09:57

happy-feet-2-cartel2.jpg Deliciosa, divertida, emocionante y entrañable nueva entrega de Happy Feet (2), con personajes tan dulces, cachondos y de tiernas miradas,como en la primera y un mensaje ecológico muy a tenor con los tiempos que vivimos. Es decir, si ha visto la primera, la segunda le va dar un poco mas de lo mismo y si solo va a ver la segunda, puede pasar de ver la primera. Es lo mismo, casi exactamente.

Mumble, el maestro del Tap tiene un hijo llamado Erik, de grandes u dulces ojos azules y expresión entre traviesa y angelical. Para consternación de su padre, a Erik no le gusta bailar. Así que el pequeño pinguino busca horizontes menos danzones y se encuentra con Sven, un pinguino que sabe volar y tiene pinta y proceder de héroe. Mumble siente que pierde su lugar de ejemplo admirable para su hijo. Y al mismo tiempo una fuerza misteriosa está derritiendo y destrozando su mundo de hielo: el hombre y el calentamiento global que provoca. Esa será la excusa que hará que Mumble recupere el amor y la admiración de su retoño.Hay que organizar la lucha y Mumble recurre a todas las naciones de palmípedos y otros géneros, como los elefantes marinos, entre ellos dos ejemplares de krill que son lo más desternillante de la pelicula, que se pierde un poco entre los asuntos humanos y las enternecedoras miradas de los  pequeños y audaces pinguinos. El mensaje salta en todo momento, lo importante es el grupo pero este sera más fuerte si el individuo-- un ejemplar único, aunque sean todos aparentemente idénticos-- también lo es y tiene presente el principio ineludible de que la lucha tiene sentido cuando uno apoya a los demás. Todo el resto del filme es algo ya visto y cuando se nos ameniza el metraje un poco largo con los numeritos musicales pues...más largo nos parece. Pero esto, como siempre, es una opinión personal. Hay muchos para quienes estos musicales animalizados les parecen de lo más guay. En fin...

 

 

 

 

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11 abril 2012 3 11 /04 /abril /2012 08:55

pereira.jpg

 

El escritor italiano Antonio Tabucchi murió hace unos días en un hospital de su amada Lisboa, a los 68 años de edad a causa de la metástasis de un cáncer de pulmón. La muerte, tan presente en sus libros y especialmente en su pequeña obra maestra "Sostiene Pereira", le ha alcanzado antes de que  la Academia sueca le concediera un Nobel, al que ya hace años que era candidato. Mala suerte para él, para los amantes de su obra y para la Literatura con mayúsculas. Y luto también para los que creemos en la libertad de expresión, los europeístas y los defensores de los derechos humanos, de la insobornable dignidad de la persona, aspectos bien presentes en sus libros.

Todos esos elementos apuntados están en todas y cada una de sus obras, pero especialmente en "Sostiene Pereira", una novela publicada en Italia en 1994, que se convirtió en un éxito europeo y acabó arrasando en España, en circulos informados, tras la publicación por Anagrama en 1998 y la proyección en los cines, con éxito minoritario pero profundo y persistente, de la película que dirigió Roberto Faenza, protagonizada por un Marcelo Mastroianni crepuscular, en la que había de ser su última interpretación (por cierto, genial) antes de morir

En Portugal se decía de él que era el "más portugués de los escritores extranjeros en general e italianos en particular". Estaba nacionalizado portugués desde 2004 y era considerado uno de los máximos especialistas en el icono literario moderno portugués por excelencia: Fernando Pessoa. Su personaje, el viejo periodista de las páginas culturales del "Lisboa", Pereira, encarna a un persona que respira portuguesismo por los cuatro costados y se convierte en un arquetipo de nobleza, modestia, valentía cívica, cortesía e inteligencia.

Todas esas virtudes se reflejan no solo en la obra citada, sino en "La cabeza perdida de Damasceno Monteiro", "Dama de Porto Pin", "Tristano muere" "Se está haciendo cada vez más tarde", "Réquiem", "Nocturno hindú" (también llevada al cine) "Los ultimos dias de Fernando Pessoa" y su último libro, "Viajes y otros viajes", que acaba de publicar Anagrama.

Pero fue con "Sostiene Pereira" (traducida a 40 lenguas) donde este novelista --que en su vida real mantenía la postura moral crítica, honesta y valiente que descubre Pereira en si mismo al final de la novela: fue el azote del imperio Berlusconi y del detererioro ético de Italia que éste propició-- llega  a alcanzar cotas de excelencia, con una historia humanísima ambientada en el Portugal salazarista de 1938, una reflexión sobre la libertad, las dictaduras politicas, la dignidad humana, el compromiso, a través de un personaje carismático, Pereira, viejo periodista obsesionado con la muerte. Todo ello envuelto en un estilo limpio, claro, rodeado del latiguillo oficioso del "sostiene" como si se tratara de un atestado policial o judicial, pero gestionado con una economía de medios y una estructura narrativa magistral, redonda, en la que la prosa límpida, sencilla y sugestiva del escritor logra el milagro de convertir a su oscuro y bindadoso protagonista en un arquetipo literario. La presunta oficialidad burocrática del texto, siempre en tercera persona, (el narrador nos cuenta lo que presuntamente le comunica Pereira) va eludiendo aspectos subjetivos con el latiguillo "pero de eso no nos deijo nada Pereira" o "considera Pereira que eso es un asunto privado".

Pereira, el viejo periodista del "Lisboa", "que estaba gordo, sufría del corazón y tenía la presión alta" contrata a un joven recién licenciado en filosofía, Monteiro Rossi, como ayudante, atraido por un articulo de éste sobre la muerte. Pero tanto este joven, como su novia Marta, son activistas de izquierdas, algo muy peligroso en el Portugal de Salazar, con el fascismo triunfante en Italia y España y los nazis alemanes asediando el resto de Europa. Pereira, por razones sentimentales,  se siente impulsado a ayudarles y darles cobijo. Y se enfrenta a una visita de la policia politica que acaba matando al joven de una paliza en el domicilio de Pereira. A partir de ese momento se produce un cambio esencial en el viejo periodista, que decide publicar un artículo en su periódico denunciando el crimen. Y para ello monta una ingeniosa estratagema que burla a la censura previa. Pereira se decanta por el compromiso por la lucha por la libertad con su artículo, pero también sabe que corre peligro de muerte en Portugal tras ese gesto y decide exiliarse en Francia. La última secuencia de la excelente pelicula de Roberto Faenza muestra al entrañable Mastroianni caminando por la Rua de la Libertad, con una bolsa colgada del brazo, en mangas de camisa y la chaqueta sobre el hombro, un look que no habia tenido en los últimos cuarenta años de su vida. Es un hombre nuevo. Se trata de una secuencia final que parece un guiño al cinéfilo: son visibles los ecos del "Novecento" de Bertolucci.

Tanto la pelicula como la novela, que recomendamos con fervor, muestra una presunta forma literaria de declaración jurada ante un juez o la policía, con un peculiar estilo que continuamente deja emerger destellos literarios de elaborada y brillante sencillez. La falta de compromiso del periodista al inicio, parapetado tras su amor a la cultura tradicional y conservadora, va siendo puesta a prueba por la intolerancia y la violencia que le rodean en su propia ciudad, como un reflejo palido de lo que acontece en el resto de Europa. Es justo la preocupación por el compromiso del intelectual, la función de la literatura en la política, su papel ético y moral, el concepto que vibra en el fondo de esta novela.

 Los personajes secundarios, el joven Monteiro Rossi, Marta, la novia, el doctor Cardoso, el padre Antonio, Manuel el camarero, la señora Delgado, la judia alemana que conoce en el tren, van preparando el terreno para el cambio profundo que hará estallar el brutal asesinato del joven Rossi.

Para concluir, una referencia a la nota que el propio Tabuccchi  publicó en uno de sus libros de relatos (género en el que era un consumado maestro) y luego reprodujo como addenda a su novela a partir del 2005, donde reconocía que el personaje de Pereira está basado en un personaje real, un periodista portugués, cuyo apellido auténtico cambió por el de un personaje siempre virtual que motiva la obra teatral de Elliot "What about Pereira?". Ese periodista, muchos años exiliado en París donde le conoció Tabucchi, se vio obligado a  escapar de Portugal debido a la publicación de un escandaloso articulo contra la politica de Salazar, justo en la época que describe en su novela.  De esa historia nació en la imaginación del escritor el entrañable Pereira. Imprescindible.  


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10 abril 2012 2 10 /04 /abril /2012 09:45

ira-de-titanes-cartel1.jpg

 

Nuevo saqueo del cine palomitero sobre el acervo de la mitología griega. Más divertida que "Furia de titanes"  y menos simple que "Inmortales", "Ira de titanes" de Jonathan Liebesman, recupera la figura de Perseo, el semidios, para ofrecernos una nueva entrega de las tribulaciones de los dioses, ensarzados en luchas fratricidas por el poder y haciendo un flaco favor a los mortales.

En esta ocasión, Hades (dios del inframundo de los muertos, un Ralph Fiennes que parece pasarlo bien con su papel divino) y Ares (Edgard Ramírez, duro y cruel como compete a un dios de la guerra que se precie) se alían para liberar al padre común, el poderoso Cronos, el padre de todos los dioses que tiene como manía preferida devorar a sus retoños e imponer el caos allá por donde pasa. Y, curiosamente tiene un asombroso parecido en su presencia flamígera con la Criatura que impide el paso a los de la Comunidad del Anillo en el mundo de los enanos y se lleva a Gandalf al abismo. 

 Perseo (Sam Worthington, frio y ausente como si pasara por allí, a pesar de ser el centro de la acción) es reclutado por su padre, Zeus (Liam Neeson, que da apostura y magnificiencia a su rol sin descomponer mucho el gesto) para que le ayude a evitar que el sangriento Cronos (el tiempo) sea liberado y destruya a la humanidad y, de paso, al resto de los dioses, sobre todo a él

La diversión y los efectos especiales están garantizados. Siguiendo la tónica de los videojuegos, una progresión continua de dificultades, obstaculos y luchas para llegar al final resolutivo, el 3D y un sonido apabullante, los efectos visuales a tope (con secuencias muy logradas como la lucha inicial de Perseo contra una Quimera y la lucha final contra Cronos) la peli transita por los caminos habituales en este tipo de cine, sin aportaciones interesantes al retrato de los personajes, planos y encorsetados, y el ritmo endiablado de secuencias de acción.

Ni trampa ni cartón. Diversión para espíritus sin complicaciones y un lejano regusto a la sólida mitología griega, que aquí se vuelve recurso de tarde de cine, sin complicaciones psicologicas o diálogos brillantes

La dinámica del poder entre padre e hijo, cosa que hubiera encantado a Freud, está omnipresente en la cinta, aunque sin profundizar en ello, los opuestos juventud-vejez, conocimiento-ignorancia, vigor-cansancio, se quedan en simple anécdota y todo funciona como una máquina comercial bien engrasada, que, por cierto, es lo que es...

 

 

 

 

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9 abril 2012 1 09 /04 /abril /2012 07:27

f39c0a5c6758d0727dd995668d7202a2_img101-img00384-1.jpg Antonio Tabucchi murió hace unos días, en Lisboa, a los 68 años de edad. Creo que su personaje más entrañable (al menos  para mí) el periodista lisboeta Francisco Pereira, tenía más o menos su edad cuando vivió su radical transformación personal, ética, política y humana, en 1938 en esa Lisboa que junto con Pessoa, Tabucchi, supo trasladar a la literatura de una forma cariñosa y fascinante. Me refiero a su novela "Sostiene Pereira" publicada en 1994 y que editó Anagrama en 1996. Justamente cuando se estrenó en España la película del mismo título dirigida por Roberto Faenza y protagonizada por un otoñal Marcello Mastroianni en lo que sería su última aparición en la pantalla (un broche de oro y diamantes para una carrera especialmente significativa: creo que nunca se ha honrado suficientemente la figura de este actor que lograba unas cotas espectaculares de espontaneidad, gracia y energía en todas sus interpretaciones).

Leí y vi esa obra de Tabucchi en aquellos años finales de siglo y ambas me deslumbraron, novela y película, por su sencillez, su insobornable dignidad y su alcance humano y político. En aquellos años era jefe de sección de Internacional en el periodico "La Vanguardia" , había cubierto ciertos eventos en Portugal como enviado especial y me estaba enfrentando al final de una etapa en mi vida profesional y personal.

Las cuitas del honesto Pereira me parecieron extrañamente familiares. Me vi reflejado en algunos aspectos de la vida de ese periodista digno y triste. Y además reconocí facilmente "MI" Lisboa en la ciudad que retrataba la pelicula (hoy absolutamente inencontrable) pues estuve muchas veces allí tras la Revolución de los Claveles para cubrir las reformas políticas de la jovencísima democracia.

La muerte de Tabucchi me ha impactado como si fuera la de un amigo cercano, tantas eran las reverberaciones que este libro suyo provocaba --y provoca, creo-- en mis vivencias y mis recuerdos. 

Volveré al libro y a su figura más "in extenso". Descanse en paz. 

 

   

 

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8 abril 2012 7 08 /04 /abril /2012 07:44
anta1.jpg
 
"Ceci n'est pas une pipe" es el título que puso el pintor Magritte a su famoso cuadro donde aparecía una pipa. Pues bien, en ese sentido metafórico e irónico, "Esto no es una crítica literaria". Tratar de analizar cuatro generosos volúmenes, "Recuento" (1973), "Los verdes de mayo hasta el mar" (1976), "La cólera de Aquiles" (1979) y "Teoría del conocimiento" (1981), que ahora edita Anagrama en un sólo tomo con el título original de la tetralogía "Antagonía" de Luis Goytisolo (Barcelona 1935), es una empresa francamente imposible de sintetizar en el breve espacio del que dispongo.
Añádase a ello que el recuerdo de mis lecturas previas de esas novelas (en las fechas en las que aparecieron) ha quedado casi anulado por el tiempo transcurrido y la visión integradora (en L.G., es un decir) que causa la lectura del indicado tomo de Anagrama.
Partiendo pues de la premisa de que nos hallamos ante una obra magna, cargada de significado literario e histórico, testigo de cargo de un lapso sociopolítico y cultural que cubre desde la posguerra española hasta los primeros años de la transisicón, con una localización geográfica muy concreta, Barcelona, Cataluña, Paris en algún momento... la gran novela de Luis Goytisolo no sólo es un documento de una época que muchos hemos vivido, sino un ambicioso tratado de preceptiva literaria que ahonda y bucea en la relación entre el autor y la creación literaria, el escritor y su lector, la realidad y la ficción. Es un monumento literario, al mismo tiempo, al solipsismo de la autoficción, el voyeurismo naturalista y un cierto autismo metaliterario  que no se congelan en el acto creativo sino que se expanden hacia el exterior y se alimentan de personajes, hechos y situaciones engarzadas en el transcurrir de nuestra tierra ,en ese lapso de tiempo de más de cuarenta años que hemos citado.
"Antagonía",  nació en mayo de 1960 como proyecto literario totalizador en un lugar que, como dijo Cervantes de donde engendró "El Quijote", la incomodidad y el desaliento tienen su natural asiento, es decir, la cárcel.  Concretamente la prisión madrileña de Carabanchel donde L.G. fue encerrado por razones politicas (pertenecer al PSUC, partido que habia abandonado poco antes de ser detenido)  en régimen de aislamiento durante cinco semanas. En ese tiempo escribió las lineas maestras de lo que habia de ser el conjunto de la tetralogía, incluidos los titulos de los cuatro volúmenes que la conforman. Afortunadamente le dejaron, quiza un descuido, la estilográfica y usó como hojas, el rollo de  papel higiénico que, junto a un catre o jergón, formaron sus únicas pertenencias en la celda.
Tardó 17 años y medio en dar cima y punto final a su obra (el 16 de junio de 1980). Como él mismo dice, "Antagonía" , "no es una saga, ni tiene que ver con la diversidad de perspectivas de "El cuarteto de Alejandría" de Durrell, la recuperación de un mundo a lo Marcel Proust ("En busca del tiempo perdido") o el encorsetamiento de un día en el Dublin de Joyce ("Ulises")".  Totalmente de acuerdo. Se trata, eso si, de una gran novela, en la que se da via libre a la creatividad de un autor que no admite reglas, que hace una suerte de implosión entre coordenadas tan sutiles como el tiempo, el cambio, la escritura, la lectura, la identidad, narrándonos a través de la existencia de sus personajes y de su persona, cediendo la palabras ora a uno, ora a otro, en un esfuerzo por mostrar de qué forma la vida se hace palabra y la palabra  narración y la narración crea una estructura "blanda" que intenta a su vez amoldarse a la vida, sus hechos y sus acciones, su desconcierto, su dolor y sufrimiento, su pasión y su alegría, para, en definitiva, condensarse en la convención obligada de la novela y del libro.
Lectura ambiciosa que sorprende, atrae, irrita y conmueve. Y a veces, cansa, agota, enfurece y desconcierta. Pero lectura interesante, aleccionadora y en cierta manera, formativa. No se trata de una "bindungsroman" o novela de aprendizaje, ni siquiera la primera, "Recuento" con el nacimiento como escritor de Raúl Ferrer, trasunto de L.G, como casi todos, incluido el anciano que dicta sus memorias al final y el mismo Ferrer, autor de "Teoría del conocmineto" la novela que presuntamente ha madurado en las tres anteriores, sino una obra que intenta mostrar el panorama de las edades del hombre como escritor, desde su infancia hasta su muerte, encarnado como tópico en diferentes personajes.
Recomiendo su paciente lectura, sin agobios, dándole su tiempo, plegándose a las exigencias del autor, a veces excesivas pero siempre interesantes, pues llega un momento en que el lector se siente parte de la novela. También debe hacerlo en la seguridad de que está leyendo una novela-paradigma, el de las relaciones confusas, parasitarias, entre el escritor y el arte de escribir. Y también, algo que produce cierta sorpresa: la importancia de las obras que nacieron contra una situación socio-politica (el franquismo), en plena lucha, para reflejar la vida con calidad literaria y la menor calidad de lo que esos mismos autores escribieron después. Es decir en Luis Goitysolo, como en muchos otros, (se me ocurre el gran Buero Vallejo o Vázquez Montalbán, autor de la frase)  "contra Franco escribíamos mejor".
No creo acertado comparar "Antagonía" con el monumento litetario de la "Recherche" de Proust o "El hombre sin atributos" de Musil, si no es por la cuenta de su extensión y eso me parece frívolo. El alcance y significado de estas obras están muy por encima de las de Goytisolo, aun aceptando el valor incomparable en el panorama de la literatura española de su época (incluidas las obras de su más mediático hermano, Juan Goytisolo). Así que dejémonos de comparaciones y simplemente recomendemos su lectura, por ella misma, si parecerse a ninguna otra,  --ni ganas-- por su osadía literaria, su sentido del humor, su certero reflejo de un tiempo y un país y su pedante honestidad.  
   
  FICHA: ANTAGONIA.-Luis Goytisolo.- Ed. Anagrama. 1120 páginas. 14x22 cm cartoné. 24.90 euros  .
   
    
   
 
     
 
 
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7 abril 2012 6 07 /04 /abril /2012 07:32

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Duelo de dos intérpretes maravillosos, dos monstruos de la pantalla, discretos pero implacables robaescenas de primera categoría. Las cámaras les idolatran. Basta que aparezca el careto de Tommy o la rotundad viril de Jackson para que el encuadre se haga seguro servidor de ellos en la pantalla, y eso, cualquiera sea el actor que comparta escena. Bien lo saben las estrellas que han trabajado con ellos. Ninguno de los dos va de divo, nada de grandes estrellas, son dos actores de esas "segundas filas"  norteamericanas que nos roban el corazón, casi siempre más que los presuntos reyes de star system. Samuel L. Jackson y Tommy Lee Jones, bajo la dirección del primero llevan a la pantalla en formato de teatro filmado "The Sunset Limited", de Cormac McCarthy, autor de "No es país para viejos" y "La carretera" por citar dos de sus novelas llevadas al cine con gran éxito.

La historia se desarrolla en un pequeño y humilde apartamento en un edificio de viviendas situado en un barrio marginal de Nueva York. Ante la mesa, frante a una ventana que da a una pared exterior (por donde llegan los ruidos de golpes ocasionales y algunos altercados de los vecinos y las sirenas de la policía), hay sentados dos hombres. Uno blanco y otro negro. Este es un ex convicto que tiene profundas convicciones religiosas. Frente a él, un hombre blanco mayor, profesor universitario, que intentó arrojarse al paso del tren Sunset Limited, acto que fue impedido por el negro que, casualmente se encontraba trabajando junto al suicida. Jackson confronta en un diálogo incesante su sentido religioso de la vida, su racionalidad y su equilibrio emocional , duramente ganado en un  existencia marginal bastante dura, frente a la absoluta desesperación íntima y emotiva, cargada de una enorme lógica nihilista y negativa que muestra Tommy Lee.

Estamos ante un debate filosófico de enorme calado a pesar de la diferencia de cultura y educación de los dos hombres. Los quiebros, argucias, estocadas dialécticas y defensas numantinas de las dos  personas, cada una tratando de convencer a la otra de estar en el lado correcto de la argumentación, conforman una de las obras más intensas y desasosegantes que he visto en mucho tiempo. ¿Qué significado tiene la vida? ¿Cuál es el papel de Dios en esta condenada sinrazón que suele ser la vida? ¿Qué importancia hay que dar a la muerte en este juego? ¿Es una opción admisible y correcta la decisión propia de acabar con la vida? ¿Cuál es la función del mal y el porqué de su inevitabilidad? Son los grandes temas que Cormac Mc Carthy suele plantear en sus obras (recuerden la apocalíptica "La carretera" o la cruel "No es país para viejos") y que en ésta los trae a colación para ayudarle a plantear algo distinto: ¿qué significa el silencio de Dios ante la maldad, la destrucción y la muerte? Y ese se convierte en el leith motiv de la obra: la existencia de un Dios callado que no se pronuncia ante el sufrimiento del hombre.

"White" y "Black", nombres que el novelista da a sus personajes, elevándolos a estereotipos humanos más que a personajes determinados por sus nombres --dándonos a entender que lo se nos muestra es una discusión de un alcance superior, que se puede proyectar a cualquier ser humano--, discuten sobre la acción de "Black", no solo de salvar la vida de "White", sino de llevárselo a su humilde casa y encerrarse con él bajo llave para tratar de convencerlo de que la vida es un don precioso y de que hay un Dios que nos protege.

Como Tommy Lee dice en su momento de su acre defensa del derecho al suicidio, tras la amargura y desesperación que le provoca su vida, "las cosas en las que creía ya no existen. Es estúpido fingir lo contrario. La civilización occidental se esfumó finalmente por las chimeneas de Dachau".  Para él no existe una razón que pueda dar sentido a su existencia. Jackson le habla de su estancia en la cárcel y de que estuvo a punto de morir asesinado y entonces encontró a Jesús que dio un sentido superior a todo lo que habia sufrido y hecho sufrir a otros, a sus propios errores. Pero en un momento clave de la discusión, Tommy pregunta "¿Escuchaste a Jesus en ese momento?", "Si", responde muy seguro el negro. "¿Como me escuchas a mi?", insiste el blanco. "No", confiesa Jackson. "Lo senti dentro de mí". "Pues pídele que te hable, ahora" .Y Jackson contesta que la presencia de "White" allí, tras salvarle la vida, es la prueba de la existencia y los designios de Dios y por eso debe salvarle de su pulsión suicida.

Cuando Tommy Lee se marcha del apartamento al final de  la película, Jackson le pide a Dios que le habla, que le muestre su existencia de cualquier manera, en ese momentpo de duda y dolor. Debe recurrir a su fe una vez más ante el silencio de Dios y ante la convicción de que el desesperado hombre blanco aprovechará la primera ocasión para llevar a cabo su suicidio. Y, acepta amargamente el negro, eso es algo que también debe quererlo Dios. Y él no es quién para preguntarse si hace bien o mal. Nuevamente la fe le salva de la desesperación. Pero la gran pregunta queda sin respuesta, o mejor, con una sola respuesta: el silencio. Solo le queda la fe.

 

 

 

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6 abril 2012 5 06 /04 /abril /2012 07:07

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Una película sobresaliente que nos habla de un entorno (el mundo rural gallego) unos personajes y una historia oscura, llena de recovecos, de angustia y represión, de cargas de profundidad morales, un auténtico thriller tan raro en nuestra filmografía que parece surgido de una de esas sagas nórdicas europeas que ahora están en el candelero.

Dirige con pasmosa habilidad (dado que es un debut, nadie lo diría) Luis Avilés Baquero, de origen colombiano, que parece haber mamado toda su vida el especial ambiente turbio y amenazante de un pueblo costero gallego, lleno de rencores e historias sin aclarar (a veces tiene uno la sensación de estar viendo un "Solo ante el peligro" a la galaica manera) y con el centro de interés en un puticlub, sórdido y peculiar.

Desde el comienzo, el accidente de automovil con la pareja que huye, en el que morirá la joven (cuya identidad no conoceremos hasta muy entrada la pelicula, asi como las circunstancias de su huida) y las relaciones entre los personajes de la trama, el hermano, la hija y la ex esposa del protagonista, el actual marido de ésta, dueño del puticlub del pueblo, parecen envenenar sin remedio las reacciones ante el retorno del protagonista a su pueblo. Este hombre, mecánico exiliado en Bélgica, (Xavier Estévez, magnifica actuación, contenida y natural) regresa para asistir al funeral de su padre. Hay mucho odio y encono contra él por causas que aun no sabemos, y al marchar del pueblo, atropella a una de las señoritas del Club, aunque se demuestra que ya estaba muerta cuando el coche pasa sobre el cuerpo.Las complejidades de la trama van aclarándose conforme avanza la pelicula, cuyo ambiente turbio, opresivo y amenazador es uno de los logros de la película. La cámara filma con luminosa eficacia el lluvioso, triste, mortecino ambiente del pueblo, en el que los reflejos de los neones del puticlub tiene ecos visuales de cine negro americano.

Las referencias a la enfermedad de Huntington, que aclaran la muerte de la joven prostituta y los sórdidos detalles de su relación con el hermano del protagonista (Xose Manuel Olveira, extraordinario) muestran una habilidad narrativa, no por escabrosa menos eficaz, que dan a la película detalles de excelencia. Emilio Gutiérrez Caba en el papel del dueño del puticlub sigue mostrando la maestría que la edad y el oficio dan a todas sus elocuentes apariciones en pantalla. Película pues digna de ser tenida en cuenta, en la que uno solo ha sabido ver ciertos defectos de forma, reiteraciones sobre el tema del pasado, los reproches y los juicios y una cierta falta de lógica de comportamiento del protagonista, defectos menores que no deslucen una obra magnífica que deja el ánimo conturbado.

 

 

 

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5 abril 2012 4 05 /04 /abril /2012 07:58

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La trama de esta serie norteamericana de Sky Movies es sugestiva y más para los que gustamos de todo lo que concierne a los mal llamados cuentos infantiles clásicos. En este caso se trata del famoso "Peter Pan". Se han hecho una decena de versiones del famoso personaje de James M. Barrie en cine y teatro (incluso un musical), descontextualizando la historia como en el "Hook" de Spielberg o en "El país de Nunca Jamás" con el incombustible Johnny Deep, haciendo de Barrie o con un Peter muy realista en "Peter Pan, la gran aventura" de P.S. Hogan donde se pierde la edulcorina en favor del lado oscuro de Peter, sin traicionar al cuento originsal.

Precisamente en esa linea se encuentra "Neverland", una serie de cuatro episodios (he localizado y visto los dos primeros) y me ha gustado tanto pese a las limitaciones que dicta  la serie en televisión, que no vacilo en recomendarles que la  busquen y la vean,

Es una precuela del clásico. Nos cuentan cómo se originó y por qué la historia de Peter Pan y su estancia maravillosa en el país de Nunca Jamás, donde con los Niños Perdidos vivirá aventuras sin cuento. En la serie nos muestran al Peter anterior al momento en que se le conoce habutualmente (cuando busca su sombra en la habitación de Wendy y conoce a sus hermanos, el de la chistera, el del osito).... Peter es un niño abandonado, un huérfano que se gana la vida en el Londres victoriano robando y liderando una banda de niños abandonados, bajko la interesada "protección" de James Hook, un noble arruinado de inmoral y perversa conducta (aunque presuma de proteger a Peter.

 Todos buscan un  misterioro artefacto que les conducirá al pais de Nunca Jamás donde los piratas, dirigidos por una peligrosa capitana y una tribu de indios están a la greña para conseguiir el misterioso artefacto que esta en poder de un extraño mago que busca que  nadie rompa el magico equilibrio de ese muindo maravilloso  donde nadie acumula años y mantiene el aspecto y la vitalidad que tenian  cuando entraron en él.

Aqui nos enteramos de cómo perdió Hook, el  capitan Garfio, su mano y el origen de la rivalidad a muerte de este con su antaño protegido Peter Pan.

Esta version incide en el aspecto realista de lo que suicede, en las luchas brota la sangre y hay muertes, hay dolor y sufrimiento, es una versión oscura que, no obstante, mantiene la fuerza y el compromiso etico y estetico de su original (aunque decididamente muy lejos de la versión de Disney de los 50).

Escrita y dirigida por Nick Willing, un director y  productor que ha versionado cuentos tan escogidos como el de Alicia, Jason y los Argonautas o el Mago de Oz, en series para la tele, dotadas todas de una producción cuidada y a menudo interpretadas por actores reconocidos. En esta ocasión, Rhys Ifans será Garfio, Bob Hoskins repite en su rol de Smee (como en el "Hook" de Spielberg, Charles Rower es Peter y Keira Knightley hace una encantadora versión de "Campanilla" (papel de Julia Roberts en la ciytada y fallida "Hook"),

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