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He aquí una versión posmoderna de "Secretos de un matrimonio". Hay mucho de Bergman en "Last night" que dirige con acierto casi pleno Massy Tadjedin. Los sueños, los deseos, la infidelidad mental aunque no física, la represión , el miedo, las emociones desbocadas, la seducción, el arrepentimiento...todos los cajones secretos y también los evidentes de esa cómoda de la habitación común que es el matrimonio.

Keira Knightley, muy lejos de los "Piratas del Caribe" presta su rostro sensual e inteligente a la esposa, Sam Worthington al joven marido y Eva Mendes y Guillaume Canet (muy lejos también de "El caso farewell") a las dos piezas que van a elevar la tensión en el rutinario proceso de un matrimonio que dura demasiado para lo poco que reciben sus protagonistas.

La propuesta sería tópica si no estuviera sembrada de observaciones y detalles de una sutileza a veces dolorosa que enriquecen la historia y la hacen huir de los estereotipos del género. La dinámica entre los dos esposos y sus respectivos némesis emocionales, el anteriormente amado escritor francés, aparecido del pasado de ella que, concesión al tópico, nunca ha dejado de amarla, y la chica nueva de la oficina de él, Eva Mendes, con su enorme carga sexy y el capricho de seducción que ejercita para vencer la resistencia --un tanto bovina-- del esposo traidor.

La sospecha y los celos alimentan la pasión prohibida de ella, aunque sin ceder el triunfo carnal, mientras que el hastío y la aventura prohibida alimentan la caída de él. Esa es la diferencia, una vez más tópica, en la historia de Tadjedin: ella viaja por el ámbito del deseo reprimido, del "plus" femenino de control de lo físico por el poder de lo romántico, mientras él se deja vencer en el último minuto (más o menos los presupuestos de "Eyes wide shut" la película póstuma de Kubrick).

Para regodeo del espectador destacamos el plano final de la película, cuando el marido infiel vuelve un dia antes de lo esperado al redil, lleno de conflictivos sentimientos, de arrepentimiento y culpa y se encuentra a su esposa en pleno lloro tristísimo, interpretando que es por su ausencia, hasta que ve en el suelo los zapatos de fiesta de ella y comprueba que ahí hay algo que él desconoce y se aparta de ella con una mirada llena de sospechas (aunque su culpa le impide decir nada) mientras la mujer nos muestra en sus ojos que ha quedado herida de verdad en sus sentimientos hacia el antiguo amigo, quizá por no haber consumado su encuentro...

El mago de Hollywood, Steven Spielberg, como productor, vuelve a la carga y esta vez con un sello de calidad en el papel de director, J.J. Abrams, un fuera de serie, artífice de "Perdidos" y uno de los iconos de la nueva generación cinematográfica norteamericana. Entre ambos cocinan una película, "Súper 8", en la que, con gran visión de la jugada, nos hacen volver a vivir los 80 en clave de extraterrestres, dramas familiares, hogares desestructurados por la desaparición  o el accidente, niños o adolescentes algo traumatizados pero llenos de energía, imaginación y voluntad emprendedora en sus ritos de paso a la madurez. A ello sumen el gran espectáculo y tienen una película de géneros que mantiene alto el listón. Siguiendo la clave del cine de ambos profesionales, Spielberg y Abrams, se nos propone una historia en la que la aventura, el riesgo, el misterio, el amor que nace o los amores sólidos de siempre, los padres, los amigos, decoran la narración --de un ritmo perfectamente medido y unas sorpresas presentadas como un mecanismo de relojería hacia el climax final-- que nos atornilla a la butaca hasta que las luces de la sala ponen punto final a la experiencia (por favor, no se levanten cuando todo parece llegar al the end y aparecen los titulos de crédito: sigan en su butaca y observen).

Como era de esperar en Abrams la historia sorpende desde los primeros fotogramas. Ese grupo de chicos que quieren rodar un filme de zombies en super 8 nos introduce en sus vidas --aqui vemos el sello de Spielberg-- que transcurre en los ochenta, esa época para la nostalgia y el temblor, con su música pop excelente, sus hippies colocados, el militarismo, el misterio de los alien o los ET... y un accidente provocado de un tren  millitar nocturno de mercancías (otro guiño al cine de serie B de los setenta) que desata la presencia del inevitable monstruo, con un guiño a las clásicas películas de terror de los años 30, tan amadas por el gran Spielberg.

Pero en esta ocasión, bajo la pluma de Abrams, el monstruo tampoco es lo que parece, un sanguinario horror ciego, sino que tiene su historia, su reivindicación, sus razones. Hay secuencias memorables y algunas reiterativas e innecesarias, pero en general tanto los chavales del grupo de cineastas amateurs, como los adultos involucrados, el padre hippy de la chica, el policía padre del protagonista, el coronel que manda de forma sospechosa a los militares omnipresentes o el científico que provoca el descarrilamiento del tren, van siguiendo un recorrido que interesa al espectador y le conmueve y. sobre todo, le intriga.

Esa emoción, la intriga, el misterio de lo que va ocurriendo, la incógnita que encierran los cubos de plastico o de metal que vibran en la noche, unido al desarrollo de ese primer amor de adolescentes tan bien narrado como verosímil y nostálgico y de la shakesperiana oposición de los padres, por motivos ocultos hasta el final, agarran al espectador y no le sueltan hasta que los titulos de crédito le vuelven al generoso y entrañable optimismo de esa adolescencia creativa que prefigura seguramente la que tuvieron los artífices de esta película: Spielberg y Abrams.

Nostálgicos del cine de los setenta y ochenta, no se la pierdan; trascendentalistas y amantes del cine-mensaje, vayan a otro cine.

Que nadie se llame a engaño. "El lenguaje de los sueños" no es una película sobre el psicoanálisis, sino un drama romántico con factura clásica, al estilo de aquella memorable "El velo pintado" que parecía repetir las emociones y el estilo de las viejas, que no obsoletas, películas en blanco y negro inglesas y americanas como "El sueño eterno", "Casablanca", "La tienda de la esquina", "Ninotchka" y tantas otras que nos hacían soñar en el amor, la sensibilidad poética y la pasión como forma de vida.

La película, de 2003, fue dirigida por Guy Jenkin, con solvencia pero una cierta frialdad estética. Nos narra una historia que transcurre en los años 30 y en un lugar paradisíaco: una colonia británica en Borneo, Sarawak. Allí llega un joven oficial británico con la misión de educar a los nativos en el lenguaje y la cultura dominante, la inglesa. Para ello debe aprender el lenguaje local y el gobierno colonial tiene una costumbre, oficialmente ignorada, adjudicar una mujer joven como concubina al funcionario inglés, un "diccionario de cama" que le enseñe el idioma local y a su vez aprenda el inglés, con lo que tal cometido es bien visto por los jefes tribales que lo consideran una forma de promoción social de sus jóvenes.

El joven John Truscott (Hugh Dancy) se escandaliza en principio por la costumbre y admite la enseñanza pero no el uso del cuerpo de la joven asignada, una bellísima Jessica Alba. Naturalmente interviene el amor y como era de esperar los dos jóvenes no sólo intercambian las enseñanzas del lenguaje y se establece una tórrida relación que se vuelve peligrosa cuando el joven oficial decide casarse con la indígena. La doble moral imperante en la colonia estalla de forma violenta y se condena a los jóvenes, con tal eficacia que el oficial regresa a Inglaterra y una vez allí se casa con la hija del gobernador colonial a la que conoció en Sarawak (el gobernador compuesto por un impresionante  Bob Hoskins, tan creíble  como siempre). Al volver a la colonia, la vida sigue su curso, hasta que John descubre que su amada se ha casado con un jefe indígena y que tienen un hijo. Como rezan los cánones del melodrama el chico es rubito y tiene los ojos azules por lo que la cosa se complica muchísimo. Y no les cuento más porque creo que vale la pena que rescaten esta película en un buen dvd, y programen un visionado con la mujer de sus sueños, para verla en casa con o sin palomitas.

La película cumple todos los requisitos para este género tan criticado pero tan popular (y por ende, tan rentable, cuando está bien hecho). Lugar paradisíaco, nativos gentiles y divertidos (aunque pueden llegar  a ser peligrosos), clase dominante hipócrita y educada, refinamiento de clase, malo malísimo que causa arcadas al respetable, amor por encima de todo, dificultades gravísimas, climax para retorcer el ánimo del casi lloroso espectador y resolución absolutamente feliz y absolutamente improbable.

Diviértanse.

Dirigida por Santiago A. Zannov, hace un par de años, llega a mis manos una película española  que parece un cruce actualísimo entre el Saura más desgarrado y socialmente crítico (el de "Deprisa, deprisa", por ejemplo) y un desmesurado Eloy de la Iglesia, con el asesoramiento de Joaquin Sabina. Se trata de "El truco del manco", obra primeriza, llena de entusiasmo y también de defectos como cabía esperar. Nos narra la vida arrastrada y heroica de un disminuido físico que trata de escaparse de la ciénaga donde le ha tocado vivir y al que la gente y el ambiente de trapicheo, mercadillo de éticas sin ley, robo, drogras y violencia van cortando las alas hasta el desastre final.

La historia, narrada con un ritmo febril con ciertos momentos deshilvanados y unos diálogos del más arrastrado cheli, abundante en "tronco", "buten", mascullaciones y acoso y derribo del castellano, es un documento antropológico-social de primera mano sobre eso que alguien con mucha retranca ha llamado "los nuevos españoles", es decir, marroquíes, lumpen autóctono, gitanos, subsaharianos, latinos. hacinados en un barrio periférico de gran ciudad, territorio apache donde rige otra ley, la de la supervivencia y el mercadeo de todo, los paraísos artificiales que regala la droga y la miseria adinerada de los que roban y matan por un quítame allá un móvil o una motillo trucada.

La historia del pobre cantante de hip-hop que supera cada día las limitaciones angustiosas de su enfermedad con una moral de luchador y fajador sin autocompasión, con la exigencia heroica de no rendirse jamás, alcanza tonos de arquetipo y eso no acaba de ser bueno para el conjunto de lo que se nos narra. Pero bueno, nuestro hombre, interpretado por José Manuel Montilla, un paralítico real, nos arrastra y nos convence, como también el realismo candente del ambiente familiar, los amigos (un inexpresivo Ovono Candela como el amigo drogata y técnico de sonido que le ayuda y acompaña como un escudero de un improbable don Quijote) y hasta la humanidad del "Gordo" un gitano que continuamente hace de fe de amar y respetar al inválido, a pesar de todos los errores y horrores que acompañan su patética existencia.

Esta muestra de cine español socialmente comprometido, con todos sus defectos y la triste autenticidad de sus personajes, hacen de "El truco del manco" una película apreciable aunque no fácil de ver.

El verdadero origen del Planeta de los simios es la novela que escribió Pierre Boulle en 1936, convertida en impactantes imágenes en 1968 por Franklin J. Schaffner, con el inexpresivo pero efectivo Charlton Heston como protagonista absoluto. Ya entonces el planeta donde se subvierte la entronización supuesta del ser humano como rey de la creación y monarca del mundo y se le convierte en un animal maloliente, ladrón y dañino en un planeta donde la cumbre de la creación son monos inteligentes, orangutanes dotados para la política, chimpancés dedicados a las artes y las ciencias y gorilas como brazo armado del Estado, constituyó un reto para la vanidad del espectador como ser humano y un estímulo para la reflexión sobre nuestro comportamiento con los animales.

La idea, prescindiendo de su contundente final donde se nos descubre que el planeta de los simios es, en realidad, nuestro planeta tras ser devastado por una guerra nuclear, era inquietante y subversiva, aunque apuntaba que los simios se habían convertido en copias nuestras, con defectos, vicios y comportamientos muy semejantes, excepto en el tema de la subordinación a la ciencia y el papel de esta en la destrucción. Un consejo de ancianos simios sabios velaba por evitar que la ciencia llegara demasiado lejos (simplificando el papel enorme de la ciencia en el desarrollo, el progreso, la salud, las comodidades de la vida, etcétera y reduciéndola a su poder apocalíptico unicamente) con lo que se nos mostraba una sociedad medio idílica, agrícola, de vida sencilla y ajustada a la naturaleza.

Algo que conviene recordar es que tampoco Boulle fue estrictamente original en su creación literaria, ya que siglos antes un escritor inglés llamado Jonathan Swift imaginó un mundo dominado por los caballos y en los que los humanos eran bestias despreciables a los que llamaban, ojo al dato, "yahoos".

La precuela que firma Rupert Wyatt, cambia con habilidad e inteligencia la óptica con la que observamos esta historia. El protagonista absoluto no es un humano (como lo era en la película de Schaffner y relativamente en las cuatro secuelas estrenadas que no lograron superar el original y en el 2001 la versión bastante sólida de Tim Burton) sino César, un primate de ojos verdes e inquietante humanidad en los rasgos y los gestos, al que una medicación (que James Franco, el "protagonista" humano, un científico, ha usado con su propio padre, enfermo de alzheimer, observen el detalle) permite un crecimiento neuronal que lo hace incluso superior a los humanos en desarrollo mental.

El guión de Rick Jaffter y Amanda Silva, es una hábil vuelta de tuerca al tema original, lleno de guiños al espectador enterado y conocedor de las versiones anteriores. Recuerden que el grito del César al ser empujado por un vigilante, "Hombre, quita tus cochinas manos de mí" con lo que descubre a todos que está dotado del habla, es una copia exacta de Charlton Heston que grita casi lo mismo ante un gorila soldado (cambia "hombre" por "mono")  provocando el terror y el estupor en la sociedad simia que le rodea (en su planeta los humanos han perdido el uso del habla).

La película está muy bien realizada, formalmente es magnífica, con unos efectos especiales muy cuidados y un ritmo trepidante, los personajes están bien perfilados y definidos (maravilloso recital del gran John Lithgow haciendo de padre enfermo de Alzheimer del cientifico Franco) y César es totalmente convincente --tras su máscara está Andy Serkis, que dio vida y expresión a Gollum en El señor de los anillos--. Pero su fuerza como obra de arte filmica estriba en la carga profunda que deja caer junto al espectador, los matices alegóricos, la complejidad de las emociones que despìerta, la relatividad del sistema de valores sociales y éticos en los que vivimos, cuestionados por ese Espartaco peludo. Un Espartaco o un Moisés simio que lleva a su pueblo, tras pasar el rio "Jordán" que separa la civilizada San Francisco del bosque primigenio, a un lugar que será un desafío a la humanidad, que tendrá el patio trasero de su pretendido hogar planetario ocupado por seres diferentes y despreciados con posibilidad potencial de ser superiores. Y que, además, se debe enfrentar a un reto apocalíptico, un virus mortal que amenaza su supervivencia. El conflicto está servido y es un conflicto a muerte y contrareloj, ya que la soberbia humana no concibe que se pueda parlamentar y negociar con un simio y las circunstanias están a favor de los primates.

Pero tampoco se ve claro cómo mantener una civilización que se está desgastando y hundiendo en sus errores, al margen del virus que la diezmará.. Esa es la carga de profundidad de la película, muy pertinente en un año, este, en el que se están rompiendo cauces y esquemas obsoletos, desde los levantamientos en los paises arabes hasta nuestro 15-M o la crisis patológica que sufrimos sin remedios... Reflexionemos...