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Con un comienzo absolutamente fascinante, muchos minutos de cámara estática, un gran plano secuencia de 23 gozosos minutos, enfocando a la pareja mientras hacen el amor y charlan entre ellos --con una delicadeza y una falta de manipulación sensual verdaderamente notables-- esta película que dirige Carlos Marqués- Marcet -- una muy recomendable opera prima-- nos reconcilia con el viejo cine hispano que ya da muestras de que hay que tenerlo en cuenta y no debe envidiar a cinematografías nacionales más experimentadas y financiadas. La historia de Sergio y Alex nos muestra la dificultad que entrañan las relaciones afectivas a distancia, en las que los problemas habituales en las parejas se magnifican hasta extremos insoportables y siempre en el mejor de los casos posibles, es decir, con amor evidente entre ellos, buena relación y voluntad de mantener la relación. La separación, obligada por un trabajo de médico que obtiene la chica en estados Unidos (aquí no tiene trabajo) es una situación que debe darse muy a menudo en los tiempos que corren. Por lo que la intimidad de la relación debe basarse en los adelantos tecnológicos, los móviles, internet, Skype, Whatsapp, etc. con lo que, como era de esperar, los problemas no tardan en surgir. El trabajo actoral es sorprendentemente sincero, auténtico y desgarrador, con secuencias de una dolorosa intimidad frustrada. Tanto David Verdaguer , incapaz de evitar el dolor de la soledad y los celos, como Natalia Tena, logran componer dos personajes fascinantes por su proximidad y sus dudas y sufrimientos, aunque a veces hay como una vuelta de tuerca excesiva en momentos de cierta violencia o en otros de patetismo evitable que suele afectar a la parte más débil de la pareja. El reto ha sido resuelto con convicción y humanidad, aunque quizá falte un poco de profundidad emocional, no emotiva, en el análisis de los procesos divergentes que van teniendo los dos personajes. Es una película de dos personajes y sus avatares, lo demás no se nos cuenta o se nos cuenta de forma poco ilustrativa o satisfactoria, con lo que hay elementos o vivencias que quedan algo descolgadas de la trama. La historia se convierte en un estudio en torno a la fragilidad del amor y como es de recibo en ese tema, no hay soluciones ni componendas, ni clichés ni programas: siempre queda algún herido en estas historias y quizá en ese elemento podamos diferir del final que nos propone el director, tan rotundo y desangelado.

Un ataque al corazón mientras practicaba jogging con unos amigos hace que el protagonista de esta cinta se plantee un cambio radical de vida. Comedia francesa semi coral, en la que un grupo de amigos van desarrollando frente al espectador todas sus manías, sus neuras, sus pequeñas virtudes y sus grandes defectos, empezando por el maduro protagonista inserto en superar el complejo de Peter Pan que aun no le permite madurar. Esto comienza a ser un subgénero dentro del cine de comedia del vecino país, por otra parte bastante jugoso y divertido en general. Hace poco vimos "Pequeñas mentiras sin importancia" o "El Skylab" o "Bienvenidos al norte", donde a través de un personaje básico se nos narran vidas de varias personas, parejas en diferentes procesos de consolidación o destroce. A base de un gran sentido de la naturalidad, del humor y de la critica, los espectadores acaban viéndose reflejados en unos u otros, o en las situaciones chuscas, y eso termina siendo el mayor de los atractivos. La felicidad es el objetivo imposible y lejano y hacia ella se dirigen todos los esfuerzos de los personajes, la mayor parte erróneos o inadecuados. En la película a tenor de la amistad se plantean sinceridades absolutas que causan problemas enormes. Dirige Eric Lavaine, con bastante tino, evitando pese a lo escabroso o serio de algunos temas tratados, la fidelidad, por ejemplo, quela trama se salga del corsé elástico de la comedia y el tono amable y optimista. Quizá se podía haber trabajado un poco más el desarrollo de la trama y el desangelado final. Pero aún así, es divertida y uno pasa un buen rato.

Me fascinan estas viejas películas que conservan y respetan el principio básico del cine, entretener respetando la inteligencia del espectador y haciendo gala de una elegancia en las imágenes, no sólo en la técnica, que las convierte en clásicos de una manera distinta --y obsoleta-- de hacer cine. Con "Dive Bomber" , estrenada en España como "Bombarderos en picado", vemos a Errol Fynn rodando de nuevo --por última vez-- bajo las órdenes del gran director de orígen húngaro Michael Curtiz. Fue una de tantas películas bélicas que se hiceron sobre los años 40 --esta es del 41-- para promover el sentido patriótico de los norteamericanos, demasiado ocupados en sí mismos como nación, y fue estrenada meses antes del bombardeo de Pearl Harbor. Aunque "Bombarderos" es más un drama con base histórica sobre los primeros años de la aviación de combate que una peli de guerra como luego proliferaron en ese país para alimentar el orgullo y la beligerancia de los EE.UU. Erros Flyn es un médico de la Armada que investiga los mareos, a veces mortales, que los pilotos de los cazas tienen en una maniobra de picado durante sus vuelos. El popular actor de peliculas de acción se viste de nuevo de uniforme pero para una labor muy distinta a la habitual. Nada de repartir mamporros o acribillar a los malos. Le da la réplica ese actorazo inmenso que fue Fred McMurray (es difícil olvidar sus papeles de jefe sinvergonzón de la McLaine en "El apartamento" o de agente de seguros seducido e, "Perdición", ambas del gran Willy Wilder. Magistrales tomas aéreas en technicolor, excelente fotografía y la banda sonora de uno de los más grandes compositores de la historia, Max Steiner. Ralph Bellamy completa la nómina excelente de actores. La gracia, sutileza e ironía de los diálogos son un valor más para no perderse esta antigua peli. El ingenioso guión se basa en una historia escrita por un veterano de la aviación naval norteamericana, el teniente coronel Frank Wilber Wead, cuya vida se llevó al cine ("Escrito bajo el sol"). Visite el mas cercano videoclub y alquílela. Vale la pena.

Después de su trilogía sobre el proceso y desarrollo del amor entre dos personas a través del tiempo, respetando el cambio físico de sus actores principales, Julie Delp y Ethan Hawke de una forma natural (es decir, esperando el numero de años necesarios para rodar la siguiente película: Antes de amanecer, Antes del atardecer y Antes del anochecer), Richard Linklater nos ofrece otro ejercicio en el que la experiencia del paso del tiempo se articula como eje esencial. Y así, Boyhood se configura como una oferta en la que se conjugan las distintas edades de la vida de un personaje determinado, en este caso un niño que se hace adolescente y después joven adulto, con la particularidad técnica de que se trata de la misma persona (no otro actor) a la que se ha ido filmando a lo largo de doce años. Y así comenzó a rodarse en el verano del 2002 y acabó en octubre de 2013, con un tempo de rodaje más o menos de 3 días en cada sector que suman en total 39 días en todos esos años.. Es decir aportar una revolucionaria idea --ya utilizada en la trilogía-- pero en una sola película que ha esperado su producción a los periodos de rodaje durante esos doce años. Experiencia de importancia estética y psicológica, pese a la mediación --o manipulación-- que el guión exige. El espectador asiste al paso gradual del tiempo reflejado en los rostros de sus personajes.

Seguimos pues al desarrollo de un niño, Mason, desde los cinco años de edad hasta que cumple los 18. Para evitar una soporífera reedición de "El show de Truman" de Peter Weir, la agilidad narrativa exige una serie de saltos temporales, elipsis necesarias para no alargan indefinidamente el metraje, que tengan coherencia con el pasado y permita un futuro determinado por el guión básico. El hecho de que el envejecimiento también afecte a personajes como el padre, la madre, su hermana o algún amigo, enriquece la lógica vital de la película.

Hay que aplaudir el talento de Richard Linklater, que con paciencia y contención ha sabido presentarnos un modelo de análisis de las relaciones humanas cotidianas a través del tiempo. película intimista a pesar de lo aparatoso de la estructura y que presenta una cierta falta de ritmo y con momentáneas lagunas de interés, muy disculpables dado lo novedoso de la propuesta. Son 165 minutos de una enorme sencillez expositiva que colocan a Linklater en un lugar de mérito en la cinematografía actual. Resulta asombroso, casi tanto como la película como obra de arte, el que todos los actores se hayan prestado a seguir con el compromiso de dar vida a sus personajes en un lapso tan grande de tiempo, mostrando de forma sencilla los efectos demoledores del tiempo en las personas y en las relaciones. Los hijos crecen; los padres, envejecen y el país donde viven va cambiando a pesar de tratarse de zonas de la América profunda donde el tiempo y la historia han castigado a los seres que viven allí. Ethan Hawke y Patricia Arquette, muestran en su vulnerabilidad, en sus errores, en su rabia y en su dolor una estampa inolvidable del gran dilema de la humanidad, el envejecimiento. Con todos los jinetes del apocalipsis que suelen acompañarlo, el alcohol, las drogas, el dinero y su escasez, la soledad, la violencia y la amargura de los sueños jamas realizados. Y todo ello sin melodrama, sin exageraciones, sin trascendencias. Y esto podría ser el secreto del vínculo emotivo que crea la irregular pero brillante propuesta de Linklater, la sencillez y universalidad de lo que nos cuenta y cómo nos lo cuenta, para lograr en definitiva que el espectador se identifique con este rasgo, esa secuencia o aquella reacción. Es un documento de psicología avanzada, sin perder su estatus de película que entretiene y estimula. Y parte de esa magia la causa la inspirada banda sonora. Excelente.

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Es como la segunda parte de "Twister" de Jan de Bont. No encontramos a Bill Paxton y a la magnifica Helen Hunt por ninguna parte, pero los actores poco conocidos que les dan la réplica en esta película (Richard Armitage y Sarah Waines --que los adictos a las series ya conocen--, no lo hacen mal y en realidad, toda la película de alguna manera corrige y mejora la de 1996. "En el ojo de la tormenta" cpon sus buscadores de tornados montados en una camioneta espeical con anclajes y sus ordenadores de última generación para perseguir tornados, consiguen hacerse divertidas, tensas y emocionantes la hora y media que dura. Steven Quale apunta muy buenas maneras con esta su ¿tercera? película. Con un presupuesto irrisorio en comparación con "Twister" ha logrado un resultado bastante mejor. El diseño de producción artístico y el de postproducción mantienen la bander en alto toda la película, con secuencias evidentemente sacadas de documentales que encajaban sin problemas en la ficción. Bien, realmente bien.

Quizá me sobran las secuencias de pretendido humor de los dos cazatornados paletos, ignorantes y suertudos que se meten en plenos tornados totalmente borrachos y sin preparación alguna, al modo de Jackass, con sus cámaras apuntando a Youtube continuamente. Oor lo demás, las historia románticas juveniles y la de los dos protagonistas se desenvuelven sin ñoñerías, de una forma coherente y adecuada. Bien.