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Melvin Le Roy, director de obras tan notables como "Niebla en el pasado" "Quo Vadis" "Hampa dorada" o "El puente de Waterloo" fue uno de los directores escogidos durante la Segunda Guerra Mundial para filmar películas patrióticas que levantaran la moral del público. "Treinta segundos sobre Tokio", narra un hecho histórico, el primer bombardeo aéreo americano sobre territorio japonés en abril de 1942, apenas cuatro meses después del ataque a Pearl Harbour. Se trataba de un golpe más moral y psicológico que bélico, una manera de sacarse la espina de Hawái y de mandar un mensaje al enemigo. Está basada en el libro de memorias publicado en 1943 por Ted Lawson (interpretado por Van Johnson en la película), capitán de uno de los bombarderos que participaron en la misión. Ello imprime a la cina un cierto estilo documental lleno de verismo a pesar de la fuerte carga blandengue y sentimental de la historia amorosa del capitán y su mujer que interrumpe y retrasa la acción. Es en este capítulo, quizá la tercera parte de la película, donde Le Roy, utilizando imágenes reales filmadas por los bombarderos que atacaron Japón, y secuencias de noticiarios que rodaron incendios reales fortuitos en factorías y puertos norteamericanos da una medida de su sentido del ritmo y se permite el lucimiento del guión, escrito por Dalton Trumbo, escritor de culto que años más tarde sería linchado y silenciado por los vergonzantes juicios de la paranoica "caza de brujas" del senador McCarthy. Las secuencias del bombardeo y las peripecias de la tripulación en tierras chinas (debían destruir los aparatos y entrar en territorio chino a pie, con el peligro de las patrullas japonesas que habían invadido China) están montadas de una forma emocionante. De los ochenta tripulantes murió una decena, ocho como prisioneros.. Paradójicamente los hechos y consecuencias mas graves del bombardeo (que apenas hizo mella en Japón) fue la persecución de las tripulaciones en suelo chino por los japoneses que mataron a cientos de civiles chinos en su búsqueda, por la sospecha, fundada, de que estaban dando cobijo a los pilotos. Lo cierto es que la película se permite ciertos diálogos (no olvidemos quién hay detrás del guión) que la salvan del excesivo patriotismo propagandísta. Spencer Tracy está correcto como el general que montó la operación, como Van Johnson más correcto en las alargadas y reiterativas escenas románticas que en las de acción y como curiosidad dos secundarios entonces primerizos que luego serían grandes actores, Robert Walker y Robert Mitchum. La dirección de LeRoy bastante certera con excepción de la empalagosa historia amorosa, que es como una losa sobre el ritmo de la película. Vale la pena recuperarla.

De vez en cuando el cine nos depara alguna sorpresa casi siempre relacionada con la literatura. En este caso, la elección ha sido un cuento poco conocido del gran Edgard Allan Poe, uno de los maestros del género de terror, pero éste de gran calidad literaria: se trata de “El sistema del Dr. Tarr y el profesor Fether”. La obra nos lleva a un asilo mental a finales del siglo XIX y principios del XX, en plena eclosión de los sistemas sanitarios psiquiátricos. Con un ambiente intranquilizador donde el espectador comienza muy pronto a encontrar detalles sospechosos y preocupantes, el elemento precipitador de la acción, un joven doctor lleno de teorías nuevas sobre como tratar a los dementes que, en principio, parece haber hallado el lugar adecuado para trabajar en sus nuevas teorías. Poco después de su llegada comienza a percatarse de una serie de irregularidades básicas hospitalarias y de terapia. Más adelante, de forma algo irregular, la trama va desenredándose acompañada de unas interpretaciones bastante ajustadas aunque histriónicas en algún caso, atemperadas por el habitual buen hacer de un contenido Ben Kingsley, quizá el mejor junto al veterano Michael Caine. Jim Sturgess se ajusta bien al papel del joven doctor y Kate Beckinsale compone de primera a la joven interna dominada por sus terrores del pasado y su amor a la música. Brendan Gleeson tiene un papel episódico resuelto un tanto histriónicamente. Le película se queda a medias, desdichadamente dados los intérpretes, la excelente localización y atmósfera, la magnífica labor de producción artística en vestuario y decorados, una excelente fotografía y un ritmo adecuado y crecientemente tenso. La base del guión -y del cuento-- es como la escenificación de aquel dicho de Quevedo, "Ni están todos los que son, ni son todos los que están" que debería colocarse en la entrada de los psiquiátricos. Quizá le falta una temperatura más siniestra o morbosa, algo más gótico y fulminante y una dirección más angulosa y dura de la que Brad Anderson imprime a su película.

El director de películas como "Pal Joey", "Cita en las Vegas", "Levando anclas", "Magnolia", "Los tres mosqueteros" o "Scaramouche", bastante habituado a los musicales, rodó en 1953 uno de los menos conocidos en España, pero también uno de los mejores, "Kis me Kate". Aquí dirigió con soltura y picardía a una pareja de sólidos cantantes, Howard Keel ¿os acordáis de Adam, el hermano mayor de "Siete novias para siete hermanos" y Kathryn Grayson (con quien compartió protagonismo en "Magnolia" o "El amor nació en Paris") jugando con sus relativas dotes para la comicidad y el baile y con un guión en estado de gracia apoyado, nada menos, que "En la fierecilla domada" del gran Shakespeare.

Los números musicales, con la vistosidad estética y colorista de la Metro de los 50, con música de Cole Porter y canciones excelentes y dinámicas, coloca a esta película en el repertorio de las grandes, al lado de "Un dia en Nueva York" pero por debajo de "Bailando bajo la lluvia" o la de los siete hermanos. Grandes secundarios realzan el nivel, como James Whitmore y Keenan Wynn, que suman imaginación en las vías paralelas argumentales de la representación del musical y las vidas privadas de los actores y elegancia y humor en diálogos chispeantes e ingeniosos. Picardía, placer de vivir y una energía desbordante en los números musicales. Como referencia final, la enorme Ann Miller, en su mejor momento, como "rival" de la Grayson, a la que se merienda por la fuerza de su baile y la gracia de su interpretación (el primer número que realiza en solitario, en el salón de un piso neoyorquino, es un modelo de habilidad, energía y belleza de la danza). Una película imprescindible. Véala de nuevo (en el doble sentido de la expresión). Es una cinta mítica en la historia del cine musical.

Una ópera prima que dará que hablar. Cójanse un plantel de excelentes actores, dúctiles a las indicaciones de un director que a pesar de ser neófito sabe lo que se hace, un guión sencillo, sugerente y sugestivo, una sola localización de interiores (perfecto para rodaje en estudio con dos o tres encartes de una calle), úsese con liberalidad gotas de física cuántica, misterios siderales y psicología humana y ya tenemos una peli de ciencia ficción que parece real y que nos mantiene sujetos a la proyección a pesar de la permanente sensación de peli de dogma o de filmet de tv sin pretensiones pero con aspiraciones, incluida una notable inteligencia visual y argumental. Y además hábilmente montada durante 89 minutos, que te saben a la justa medida. Más hubiera sido reiterativo y menos comprimido. El director James Ward Byrkit se ha buscado un sitial de honor entre los buenos aficionados a la SF. Poca música, diálogos a veces confusos pero aceptable dada la tensión de las secuencias, naturalidad a tope, iluminación realista, cámara en mano sin abusar, unidad espacio-tiempo. Hay momentos en los que te parece estar ante un escenario teatral, pero pronto la ilusión se disipa y es de notar la capacidad del director de lograr que sintamos el espacio cerrado sin que llegue a ser limitante y opresivo. Premiado en Sitges por el mejor guión (merecidísimo) yo le hubiera concedido el de mejor director novel. Con un presupuesto de risa, sin efectos especiales, la historia convence y seduce. En las primeras secuencias se habla durante una reunión de parejas, costumbrismo a tope, de un extraños caso ocurrido en un pueblo finlandés en 1923 durante el paso de un cometa. Esta noche pasará otro cometa o el mismo. ¿Qué puede ocurrir? Pronto las cosas comienzan, tímidamente, a torcerse... Quizá haya alguna sobreactuación en los entregados intérpretes o nos enfrentemos con un final que no nos convence y que desmerece un poco la perfección de la propuesta. Eso no deja de ser una cuestión subjetiva. La tensión creciente se sostiene en los diálogos y acciones de los actores, no hay monstruos siderales, cucarachas cuánticas o sustos chirriantes, ni grandes dosis de hemoglobina. De todo punto recomendable.

Como no se cansa de repetir uno de los niños que salen en la película, las referencias a los clásicos del cine negro no dejan de estar reflejados no solo en el ambiente oscuro y tenebroso de la cinta, sino en la andadura de los personajes, principalmente el protagonista, sólidamente --como suele-- interpretado por Liam Neeson. Hablamos de Sam Spade, de Philipp Marlowe. Neeson da bien ese papel pétreo, inconmovible, seguro de sí, sin miedo. Dirige Scott Frank, según su propio guión basado en una novela de Lawrence Bolck. Casi dos horas de tensión bien llevada, con algunos momentos reiterativos y cierto aire de "dejà vu". Neeson es Matt Scudder, un ex policía metido en detective privado sin licencia. La voz narratiova en off y las secuencias iniciales nos meten en el drama personal del protagonista, en su afición redimida por la bebida, en algún trágico error, seguramente ienvitable pero que carga la conciencia del policía. Desencanto, frialdad, formas expeditivas. Neeson recuerda los mejores momentos de Bogart y eso es una buena razón para verle una vez más enfundado en el traje de justiciero solitario y por libre, más en la tónica del viejo Charlie Brosson. Un traficante de droga lo contrata para atrapar a los hombres que raptaron y asesinaron a su esposa, una pareja de psicópatas sádicos que van esparciendo su sangrienta actividad en el mundo subterráneo y delictivo de las drogas lo que les asegura una cierta ambiguedad . Scott Frank tiene buena mano para recrear ese submundo tan real como sórdido que existe paralelamente al normal y cotidiano en las calles de una Nueva York tenebrosa. El viejo sabor de las cintas clásicas de novela negra tiene un reflejo hábil en la historia, en la que no falta un niño sabelotodo y entrañable. La música se ajusta como un guante a la tensión de las escenas que tienen una fecha finisecular, los años noventa, con todos los temores milenaristas que esa época reciente creó en las sociedades occidentales. Los diálogos está bien estructurados y dan la clave literaria de la película, perfectamente ensamblada con la realización técnica y artística que recrea un mundo oscuro e imprevisible donde el mal campea junto a las personas, desperdigando esa violencia que a veces se explicita en secuencias que rozan el terror. . El único punto lamentable `podría ser la dinámica de simplificación, casi de prisa, que se imprime al argumento conforme llegamos al final. Es una pena porque marca la diferencia entre una gran película y una buena película.