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Magnífica adaptación de la célebre novela de William Faulkner "Mientras agonizo", realizada por el actor James Franco, uno de los directores jóvenes con voz propia y una inmarchitable vocación de buen cine, cine comprometido y sin concesiones. La verdad es que es un reto plasmar en imágenes la opresiva, cerrada, oscura y tensa historia del profundo sur, entre la miseria y la mezquindad moral, una concatenación de monólogos con diálogos escasos y sentenciosos y pocas descripciones de un ambiente opresivo, miserable y triste. Si además el mortor de la historia es la muerte, su sentido y sus efectos entre los que quedan, la cosa no es para sentirse muy optimista.

Ya desde la primera secuencia, donde el rostro de la madre (Addie Bunfren) se dirige a la cámara y recita un monólogo breve y sentencioso, en el que viene a decir, con la mirada fija, levemente enloquecida, "Entonces solo recordaba que mi padre decía que el sentido de la vida era prepararse para estar muerto mucho tiempo", nos está poniendo en situación ante una "road movie" surrealista que nos narra el dificultoso traslado del cadáver de la madre de una familia pobre sureña de un Estado a otro del país por expreso deseo de ésta. Los personajes, los miembros de la familia, desde el padre medio idiotizado pero firme en sus creeencias, a los hijos y sus historias personales, sus diferencias, sus secretos y sus actitudes, se van desarrollando frente a nuestros ojos junto con la aventura del traslado de la difunta en su féretro y en un carro tirado por caballos por las remotos caminos de unos Estados Unidos de principios del siglo XIX, tan alejados de lo que luego serían.

A pesar de los monólogos de los chicos y la de chica o del padre (ellos miran a la cámara para que sepamos que hablan para sí mismos), o cuando la pantalla se divide en dos para confrontar los pareceres y opiniones de dos personajes, no llegan a dar la impresión de teatro hablado, de novela reflejada directamente., sin adornos. Es cine auténtico lo que nos brinda Franco. Y para ello se ayuda de la terca expresividad alelada de Tim Blake Nelson interpretando al padre y con Logan Marshall, Ahna O'Reilly y Jim Parrac. como el resto de los hermanos.

Franco es un hombre de retos y adaptar a Faulkner tiene tanta enjundia y mérito como en su anterior película "Child of God" (hijos de Dios) adaptó al duro y desabrido Cormac Mc Carthy. La fotografía, de una gran sencillez formal logra, sin embargo, una atmósfera casi onírica, extraña e inquietante. Un western atípico, duro y sarmentoso como un olivo centenario. Es el tiempo, la muerte y la vida difícil, muy precaria (la muerte de un hermano tras el peligroso paso del río) y a veces violenta, el recurso supersticioso a la religión, el fanatismo del trabajo duro y sin redención y las pasiones desatadas. Todo ello la convierte en una buena película, como casi todas las cinco de este actor-director, y en un nuevo hito en la corta en el tiempo pero brillante carrera cinematográfica del joven James Franco.

Comedia musical al servicio de Keira Khightley, con la réplica pasajera de Adam Levine como el novio cantante (en la vida real es el líder del grupo Maroon5) y la más contundente réplica de Mark Ruffalo haciendo de cazatalentos musical, en horas bajas, que descubre en Keira no sólo a una voz que llegará al éxito sino una posibilidad de volver a encauzar su carrera discográfica. Hasta aquí todo bastamte previsible, alimentado sin cesar con flash back que nos cuentan los orígenes de todo, arropado el desarrollo argumental con una banda sonora que va ofreciendo temas míticos en la historia de la musica de rock y las baladas, desde Stevie Wonder a Frank Sinatra. Descubriremos la bonita voz de Keira arropando una final bastante menos previsible que el desarrollo de una película que se ve con interés y sin que decaiga la fuerza de lo narrado. Película para aficionados a la musica mencionada que vuelven a encontrar al director inspirado de "Once", Carney, que comparte con sus dos protagonistas el amor desesperado y renovador a la música. Una estructura que ya disfrutamos en "Once" y que aquí se renueva perdiendo en ello parte de la frescura y espontaneidad de la primera cinta. No obstante el mensaje queda establecido y disfrutamos de ese poder que la musica tiene en algunas personas para vertebrar su existencia. La indudable sintonía entre Keira y Buffalo ayuda a ennoblecer la película que a pesar de su tono apastelado ofrece un vigor creativo palpable, que hace perder valor a la evidente presencia de algunos tópicos en este género.. Bien.

Dirigida por la ex actriz Emma Asante, "Belle" es la historia real de una joven y bella mestiza, hija natural de un noble inglés, sir John Lindsay, que decide reconocerla y darle una vida acorde con su posición, pero debe dejarla bajo la protección de sus tíos, él presidente del tribunal supremo británico de la época y en una sociedad del siglo XVII donde el color de la piel era un sello de infamia. Inglaterra toleraba la esclavitud en sus "colinas" del norte de América y los negros eran contemplados como seres inferiores. Dido debe aceptar el trato discriminatorio en su propia casa, ante la ausencia de su padre, capitán de marina de profesión al que no volverá a ver pues morirá en una campaña militar.

El melodrama está servido y la Asante cuida esmeradamente las escenas, los vestuarios, las localizaciones, los interiores y la coherencia histórica. Las dificultades de Dido, su necesidad de contraer matrimonio. como era obligado entre las jóvenes de su clase y los derroteros de una historia en la que los intereses de unos por la rica heredera ("a pesar" del color de su piel) o el amor en la persona de un joven abogado que defiende causas contra la esclavitud, chocan con las ideas conservadoras del Lord de la Justicia, cuya voz resulta clave para empujar la causa de quienes abominan de la esclavitud que se ejerce en las colonias.

Entre los actores, el genial Tom Wilkinson como el jurista tio de la joven, siempre tan sólido, la bella aunque bisoña Gugu Mbatha-Raw como Dido cumple con su cometido que no sólo es el de florero y objeto del deseo (o de la repulsión). También tiene un papel importante en la resolución de un proceso histórico y real, los 142 esclavos ejecutados sin misericordia alguna por el capitán de un carguero inglés, el Zong, para poder cobrar el seguro "de ganado" con el que transportaba a los pobres negros. El drama aquí cambia den registro y causa un poco la incomodidad del espectador, que no sabe muy bién a qué viene eso. Pero no se me alboroten, el caso es que realmente, sí tuvo algo que ver la joven mulata con que al final su tío, el juez superior, cuya palabra era decisiva como hemos dicho, fallara en contra del capitán del Zong y a favor de las aseguradoras y, como sucede en los tribunales británicos, acompañara su decisión con reconocimiento legal de la "humanidad" de los esclavos.

Lo cierto es que la película merece mejor suerte de la que está teniendo. Es una historia interesante, bien argumentada, con la actuación excelente de Wilkinson y secundarios ajustados, Miranda Richardson o Emily Watson, buena fotografía y ambientación, la música magnífica (temas de Bach y Handel), excelente vestuario y en suma una dirección de actores más que buena. Vale la pena.

Lástima. Después de aquella maravilla del cine negro que fue "Sin City", con su imponente estilo visual, su técnica de cómic filmado, sus colores resaltantes en un fondo de rabiosos blanco y negro y la trama y los personajes como los que los aficionados al cómic serio y al cine negro hemos gozado desde siempre, la secuela complica un poco la historia, no acaba de ser coherente con lo que sabíamos y habiamos visto y se vuelve reiterativa. Casi diez años separan las dos pelis y eso es mucho tiempo.

Se nos narran cuatro historia entrelazadas, de las que solo una, la protagonizada por Josh Brolin (en un paael que tuvo Clive Owen) mantiene la claridad y la tensión de la primera entrega. Disfrutamos con la historia de amor fou que lleva a Brolin casi a la muerte en manos de una Eva Green de un atractivo insoportable, iluminada por unos ojos verdes resaltando en el blanco y negro del contexto.

Cameos absolutamente innecesario de Bruce Willys en plan el fantasma de la señora Muir y un Mickey Rourke que nueve años después de su primer Marv parece cansado y simplemente psicopático. Jessica Alba sigue encandilando al respetable con sus salvajes y lúbricos contoneos con su personaje de Nancy Callaghan que ya ha perdido la inocencia agresiva de la primera parte y ahora deambula sin demasiado convencimiento. Justo lo que se achaca al conjunto del filme: no convence, es reiterativo y ya no emociona el estilo comic-cine negro que triuinfó y sorprendió hace demasiados años.

Ccomo suele ocurrir en la vida cotidiana y las artes y avala el refranero popular, "segundas partes no suelen ser tan buenas". La primera Caperucita Roja que nos trajo la empresa Hoodwinked, seguía fielmente la moda de aportar una visión iconoclasta, divertida y transgresora de los LLAMADOS CUENTOS INFANTILES. Aquí se puso inteligencia y sentido del humor en el asador y así salió la cosa (a pesar del largo y algo tonto titulo que le pusieron en nuestro país: La increíble pero cierta historia de Caperucita Roja.

La secuela, cinco años mas tarde, no está a la altura, no sólo de la primera entrega, sino de las distintas versiones de cuentos infantiles que han ido saliendo desde el lejano "Shreck". Quitando el comienzo el argumento va decayendo progresoivamente hasta hacernos mirar el reloj aunque en la ficha de la peli no pasan de los 80 minutos. Después del asalto tipo "Misión imposible" a la casa de Hansel y Gretel secuetrados por una bruja malísima, la historia va convirtiéndose en una aburrida ensalada de tópicos sin gracia alguna.