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Con una secuencia de comienzo brutal y sanguinaria, David Ayer nos brinda una enésima visión de la Segunda guerra mundial (que vuelve a coger protagonismo cinematográfico tras la preponderancia de las guerras posteriores, Iraq, Afganistán, Vietnam, etc) sin ningún tipo de complacencia, sin ahorranos oscuridad interior y exterior, violencia mas o menos justificada, suciedad y mugre, barro omnipresente, sangre y miembros destrozados, ruido, miedo y furia (como se titula la película en inglés "Fury", nombre tanbién escrito en el cañón del tanque Sherman protagonista).

No se trata de profundizar en cualquier aspecto historico o humano de la contienda, estamos a finales de la guerra en territorio alemán con el ejercito vencedor sofocando los ultimos restos de una Alemania ya rendida pero que áun no lo ha admitido del todo. Esta vez la narración nos lleva a compartir esa visión desgarrada con los cinco miembros de la tripulación de un tanque americano Sherman. Brad Pitt, La Beouf y Logan Lerman bordan sus respectivos papeles en un climax crudo, violento y siin concesiones, planos largos descriptivos y cortos emocionales, detalles horribles salpicando las secuencias pèro sin buscar morbosidad, ritmo de tensión permanente, todo bien hilado sin dejar respiro al espectador.

Otra cosa es la esencia interna del guión y el tratamiento psicologico evolutivo de los personajes. Aqui se flojea, se permiten excesos inexplicables e incoherentes y se facilita que el caos interno de la película parezca influir en un caos del rodaje y la interpretación.

No busquemos pues filosofías ni analisis históricos. Es pura acción poco reflexiva, con apuntes leves sobre las complejidades de los personajes y la insensatez bélica. Sin embargo y esto es una nota a favor, a pesar de la escasa profundidad de lo planteado, llama la atención el intento notable de hacerlo con honestidad, sin trampas ni cartas demagógicas. Sin duda es más realista que otras, o la mayoría de las epopeyas filmadas en honor de uno u otro bando, mejor de los vencedores, sobre esta temática inolvidable.

El verdadero protagonista de la película es un notable Logan Lerman que gracias a su aspecto infantil e inocente nos transmite a través de sus gestos y su mirada horrorizada la imagen real de una guerra a través de la estrecha mirilla de un tanque, una especie de ataud en movimiento. Brad Pitt, es el sargento curtido y correoso, brutal y oscuro, un antihéroe que refleja sus horrores propios en su comportamiento pero que también es capaz de cohesionar en torno suyo a cuatro hombres debido a su valor, entrega, doliente humanidad y sentido de la solidaridad.

Culebrón histórico a la argentina con toques oníricos resueltos con no demasiada maña y pegotes melodramáticos que alteran dramáticamente una historia voluntariosa casi documental sobre una época de la historia argentina y un personaje que refleja los claros y las sombras , sobre todo las sombras, de la deriva de una sociedad en la que la "plata" --cuanto más dulce, es decir no trabajada y sudada, mejor-- se convierte en el barómetro del triunfo social.

Casi al ritmo de uno de los tangos que recitan los personajes de vez en cuando, la historia del pequeño Tito (o Cabeza como le llama su fantasmal padre y sus amigos) desde su infancia en el Tucumán de los años 50 hasta su madurez bien entrados los ochenta, conforma una especie de fresco nacional argentino que desazona y atrae. La miseria, la escalada delictiva como forma de progreso personal y el supuesto triunfo para llegar a la caída brutal del personaje es como un símbolo y una metáfora de cierto crecimiento argentino histórico entre el fraude, la violencia y la hipocresía, Endebles cimientos para una estructura que ciclicamente se va a tierra.

Quizá lo más interesante desde un punto de vista docuemnatl e histórico sean las secuencias de infancia y juventud del protagonista con su deriva por los ingenios azucareros que conformaron una cierta riqueza y la consiguiente explotacion laboral en la primera parte del siglo XX. En esos inicios de la historia, el personaje tiene ramalazos de una cierta actitud correcta con su afán por el trabajo bien hecho, para muy pronto derivarse hacia las zonas de sombra de la delincuencia de "guante blanco", el fraude y el robo a gran escala. Con ello crece la ambición y a su sombra la osadía delictiva. Aquí comienzan a aparecer los elementos del cine politico más conocido en los años 90 en Argentina, la corrupción de los mandos militares del país y la pareja corrupcion burocratizada de la recien llegada "democracia". Pero también comienza la deriva de la película hacia las secuencias sin hilación, demostrativas, la falta de ritmo, la apariencia improvisada y desorganizada de lo que se nos ofrece entre lugares comunes y tópicos, imagenes con moralina y todo rodado de la forma más boba hasta un final previsible y simple que se nos presenta casi como el final de la moraleja. Secuencias como el atraco al banco son casi de aficionado y la reiteración de esquemas de las secuencias sexuales muestran una redundante falta de imaginación.

Protagoniza Luciano Cáceres, un papel al que le pone fuerza, energía, convicción, pero que no logra empatizar en ningun momento, ni siquiera en las horas bajas, con el espectador. No con-mueve, solo mueve, altera. Pero todo se queda en la imagen, no llega al corazón. Y eso no solo es un defecto del guión o la interpretación, sino principalmente del director, Gastón Gallo, que no obstante hace un trabajo digno de verse, aun con sus defectos clamorosos.

Hermosa película que recuerda la poesía necrológica y el humor de ultratumba de "Pesadilla antes de Navidad", pero realizada en la sorprendente técnica de animación de Stop Motion, con muñecos de plastilina y unos deliciosos fondos creados con minuciosidad de orfebres. Henry Selick es el responsable de esta notable adaptación basada en la novela de Neil Gaiman prponiendo una estética y una fórmula cinematográfica magníficas. Coraline no es una película para mentes infantiles, tiene un fondo oscuro y crítico como eran en verdad los clásicos llamados "cuentos infantiles" en los que las burjas realmente dañaban a los niños y los ogros se los comían y los padres enviaban a sus hijos al bosque para que murieran ya que no podían alimentarlos. Era el precio que demandaba la educación de los niños para la vida que les esperaba al crecer y el el pincipio negatiivo del que sólo se seguía la alternativa vital: o te rendías y perecías o luchabas y triunfabas y vivías. Era el rito de paso, siempre duro a veces sangriento, de la niñez a la madurez. Los hermanos Grimm o Andersen o Perrault nos hablaron de esto en sus cuentos imperecederos.Por eso el segmento de público al que va destinada empieza más por el adolescente casi joven y el mundo adulto y se debería descartar a los niños propiamente dichos, a los que desconcertarían ciertas cuestiones planteadas en la película

Es excelente el diseño artístico, con esa contraposición entre el mundo real, sin color, lineal y no imaginativo y el colorrido y surrealista mundo de los sueños de Coraline. Una especie de mundo tras el espejo y un viaje de Alicia a través de las pesadillas que en este caso se presentan como sueño de deseos y termina monstrando su auténtica faz herrible y devoradora.

Como aquellos cuentos, "Coraline" encierra una profunda lección de moralidad, nos habla de aceptación de lo real y de busqueda de la felicidad. Deudora de la parábola de Hansel y Gretel o del paraíso que descubre Pinocho, un mundo de color y diversión que esconde lo siniestro y la brutalidad, "Coraline" nos lleva en un medidísimo climax hasta un final lógico y esperanzador. película para meditar y para gozar..

Película semi apocalíptica seguramente para la tv. pero digna de una visión palomitera si aparece por los cines. Una vez más un asteroide amenaza la vida de la Tierra. Jugando con la tantas veces anunciada catástrofe planetaria. La solución, una vez aparcada por inútil la socorrida masiva explosión de misiles nucleares, se basa en la idea de un genio juvenil en plan becario que apunta variar el eje de la tierra haciendo estallar cabezas nucleares en una de las fosas del Pacífico que parecen llevar al núcleo terrestre. Con mucho Marine en acción (hooa!!!!) y añadidos personales y familiares de los personajes principales (novedad: el teniente de marines que salva al mundo detonando las cargas con su sacrificio personal es gay) la cosa se pone brava nada más comenzar y va en un crescendo continuo hasta el previsible final semi apocalíptico que, eso sí, borra media China del mapa. Dirigida con cierta competencia --en el montaje, no en la dirección de actores-- por Christopher Ray, es interpretada por Tia Carrere, Robert Davi y Jason Brooks en los papeles principales. Rodada con unos mediocres efectos especiales, se fía más la gracia de la película en la tensión trepidante de los eventos que en ellos. Una "agradable" película de serie B que se deja ver haciendo un poco cierta suspensión de la credibilidad de lo que los personajes van haciendo. Aire militarista por doquier y una historia de amor cogida con pinzas y que permite un "final feliz", sin entrar en más honduras o valorar las consecuencias mundiales del asunto. El protagonista ni pestañea cuando le dicen que deberán afrontar la desaparición de media humanidad. Parece que ni se lo cree y actúa en consecuencia. Y el final es tan banal como tranquilizador. El amor siempre triunfa.

El libro "Las huellas del desierto" de Robin Davison (título en español, es más impactante en inglés "Tracks" "Huellas") está descatalogado. Se editó en 2000 y no se ha vuelto a editar. Es lo malo de la literatura de viajes, tiene una clientela nada numerosa aunque fiel. Espero que al reclamo de la película, "El viaje de tu vida" (que mal titulan algunos productores en español). No es una gran película pero cumple su objetivo, tratar de reflejar el maravilloso, peligroso, fascinante viaje a pie por tres mil kilómetro, atravesado el desierto meridional de Australia, en compañía de tres camellos y un perro. La protagonista, una joven bastante atractiva (había trabajado de modelo) con una obsesión magnífica por ese tipo de viajes. Mostrar las motivaciones internas, la psicología dl personaje, el enorme esfuerzo requerido, las vacilaciones y dudas de la muchacha y su terca obstinación por llevar a cabo su sueño, es muy difícil de mostrar en una película de este tipo. Con lo que el director ha decidido jugar su baza más segura y con algunos apuntes personales insertados en forma de "flash back" nos describe a la joven pero deja un protagonismo similar a algo muy justificado: la belleza arrebatadora de los paisajes donde se desarrolla la acción, con secuencias similares a las de muchas películas clásicas desde "Hatari", sólo que aquí son camellos y en la otra animales africanos salvajes, "La presa desnuda" y otras como "Australia".

Una aventura bellamente rodada sobre el terreno, al tempo del pausado caminar de esos animales y su joven dueña enfrentándose a los imponderables del camino, ayudada ocasionalmente por un fotografo de la revista que patrocinaba el viaje, la "National Geographic" y en otro tramo por un viejo aborigen, uno de los encantos de la película...el largo y dificultoso sendero hasta el océano. "Los viajes en camello no empiezan ni terminan, sólo cambian de forma", dice la autora.

La historia sucedió en el año 1977, y está basada en el libro de la Davison. Mia Wasikowska presta su bello e inteligente rostro y su cuerpo delicado a la protagonista y realiza una magnífica actuación. La cinta recoge toda una serie de emociones ligadas a un viaje muy realista por las durísimas condiciones del desierto que llevan a la muchacha al borde de la locura y la extenuación. Sorprende y maravilla la presencia de ánimo y la fortaleza de la dama, muy bien descrita por este director, John Curran, que ya dio muestras de su sensibilidad con "El velo pintado" sobre la novela de Maugham. Y aunque se le ve la peluda oreja del negocio del cine, la película es digna y lo único que se le puede reprochar es que no haya realizado una gran película. sólo una buena película.