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En la senda estilística de "En lo más duro del duro invierno" aquella delicia de Kenett Branagh en blanco y negro, de la que no le separan demasiadas diferencias, excepto en lo concerniente a la dignidad cinematográfica del estilo. Lo que en el clásico de KB se resuelve por la vía de un desencantado y sarcástico humor inteligente, en esta cinta de Juan Antonio Anguita echa mano a los sketchs breves y casi incoherentes de la mano de un humor de sal gorda y ciertos excesos histriónicos. No obstante, hay gracia y sensibilidad en esta propuesta casi de arte y ensayo de Anguita, autor también del guión e intérprete principal. El elenco pone mucha devoción en sus roles de aficionados que son tan convincentes quizá por ser bastante reales. Quizá falta un poco de mala leche y un poco menos de dispersión. No obstante, aplaudo la peli por lo que tiene de fresca y espontánea y espero la próxima de este director.

El cine ha dedicado bastante metraje a la agónica batalla urbana en torno a la ciudad de Stalingrado durante la Segunda Guerra Mundial, una resistencia numantina de los rusos que simbolizaría el epígono nazi y la derrota de la cruz gamada. Esta ha sido producida y dirigida por los rusos y nos aporta el punto de vista ruso, como ya hiciera el francés Jean Jacques Annaud con "Enemigo a las puertas", cinta a la que ésta le debe no sólo la fuerza y belleza de los efectos de ordenador en la descripción de lucha y ambiente, sino elementos visuales y argumentales como la presencia de los tiradores de élite, la famosa fuente de las niñas danzantes, la población civil, los barrios que cambiaban de manos de un día para otro, la convivencias forzosa de los ciudadanos con los soldados de ambos bandos. Aquí, precisamente, el Stalingrado ruso se centra no sólo en la espectacularidad bélica sino en las miserias, peligros y violencias que sufren las mujeres, los ancianos y los niños de la población civil metida en el mismo saco que los combatientes. Se nos narra dos historias de amor (una por cada lado de las trincheras) y en muchos momentos la guerra y sus actores quedan desdibujados por los sentimientos, los miedos, y el peligro que acecha a todos. Al contrario de los comentarios sobre la película que he podido leer, creo que no existe un exceso de maniqueísmo, aunque claro está a los alemanes se los pinta como a salvajes sedientos de sangre (cosa que lo eran los de los dos ejércitos) la película se vierte más en la lucha del pueblo de la ciudad para sobrevivir.

La realización es bastante correcta, con secuencias muy espectaculares, gracias a unos efectos visuales excelentes (aunque, repito, se percibe la influencia de la película de Annaud) gracias al uso del IMAX 3D en el rodaje. El Stalingrado derruido y bajo una constante lluvia de ceniza, está quizá mejor logrado y da una idea seguramente más fidedigna del horror demencial que fue aquello. Lástima, en realidad, del sesgo romántico y amoroso que toma en ocasiones. Es como si una película se engastara en otra con la que comparte escenario pero no tratamiento argumental. Aun así hay cargas absurdas (como la de las antorchas humanas del principio, personajes estúpidos (sobre todo alemanes y uno solo ruso), con muertes idiotas y heroicidades poco creíbles por ejemplo el tiro de un cañón en "L"). Yanina Studilina cumple con su papel y el actor alemán Thomas Kretschmann, también. La historia se desarrolla en la Batalla de Stalingrado, pero aparte de las secuencias --pocas de acción o las del principio, generales-- se centra en lo que ocurre alrededor de los defensores y atacantes de un edificio. Vemos la evolución psicológica de varios soldados rusos de diferentes caracteres en torno a una muchacha que había sido violada por los alemanes y se convierte en objeto de deseo para alguno pero sobre todo en símbolo nostálgico de lo femenino para los demás. Y para completar el cuadro, se nos narra la vida paralela de un oficial alemán que está enamorado de una muchacha rusa que se parece a su difunta esposa. Creo que para este viaje no se necesitaban estas alforjas de una producción carísima y espectacular. Pero no obstante la película se ve con agrado y hay una crítica implícita al fanatismo de los dos lados. Los actores rusos hacen convincentemente su papeles a pesar del forzado esquematismo al que les obliga un guión algo anecdótico.

Excelente western dirigido e interpretado por gente danesa, en el que la dureza tópica de ese género queda acentuada por la frialdad expositiva y emocional del norte europeo. No es un pastiche, es una película de ese género tan norteamericano muy decentemente realizada por europeos del frío, como es el danés Christian Levring, que logra una atmósfera, unas interpretaciones y un argumento que no tienen nada que envidiar al "Sin perdón" de Eastwood o al "Open Range" de Kostner.

Aunque Levring procede del acartonado movimiento "Dogma", en esta película se ajusta a los cánones de género y lo hace con una eficacia desarmante. Mads Mikkelsen y Mikael Persbrand ofrecen una fascinante interpretación de los dos hermanos daneses que buscan en el salvaje oeste americano una vida nueva. La historia, truculenta al principio, pone los elementos de la trama ante los ojos asombrados del espectador que no se espera un inicio tan impactante. Eric Cantona, Jeffrey Dean Morgan (que compone un malo de antología) y el siempre eficaz Jonatha Pryce, forman un casting excelente que van dando vida a los personajes contrapuestos, en un clima seco de dureza salvaje y crueldad helada. Eva Green compone un personaje patético y forzadamente silencioso, lleno de sombras. Malos irrevocables, pueblo cobarde, personajes casi tópicos y el coro -el pueblo- que se lamenta y se doblega a la violencia del poder y al poder de la violencia. Casi una obra de la tragedia griega clásica, en la que la venganza se convierte en el motivo que los dioses apoyan y los hombres respetan a condición de que triunfe.

La estolidez del gran Mads corre pareja, en el doble sentido del término, con el forzado hieratismo de Eva Green. Ambos componen un dúo que el espectador intuye que está condenado a entenderse. La fotografía (creo que está rodada en las zonas deserticas de Sudáfrica) es magnífica y no pierde ocasión de recordarnos la estética del western. Nada constituye una sorpresa en el desarrollo del guión, la previsibilidad es evidente pero, al mismo tiempo, se consigue la magia esencial de los cuentos, no nos importa saber de antemano cómo acabará todo, nos importa cómo nos lo cuentan..

Otra de las refrescantes películas de Jackie Chan ese honorable miembro de la sociedad cinematográfica de Hong Kong, tan increíblemente dinámica. Little Big Soldier, ambientada en la China ancestral, siglos antes de Cristo, convertida en reinos de taifas y grandes señores de la guerra. El amigo risueño y divertido Jackie, uno de los grandes maestros de las artes marciales y la comedia en el cine, es un viejo soldado (Jackie Chan) ex campesino que sobrevive a una sangrienta batalla haciéndose el muerto. Una especie de "Miles gloriosus" de Plauto o soldado fanfarrón venido a menos. Con una secuencia inicial llena de acción y de encanto, Chang logra hacer prisionero al general enemigo (Lee-Hom Wang) lo cual le permitirá resolver su vida futura pues está estipulado que el que logra tal hazaña será premiado con acres de tierra para cultivar y la exención de más levas como soldado.

Toda la película es una divertida y activa dinámica de persecuciones, luchas y momentos de gran comicidad, que va cimentando la relación entre el soldado y el joven general, en una especie de "road movie" de pistas y senderos chinos, sobre la que destaca la tozudez de Chan, pero también su pacifismo y su hermosa conexión con la naturaleza (¿un guiño al Kurosawa de "Dersu Urzala"?) y la variedad de aventuras que atrae el misterioso joven general tres de sí.

Como suele suceder con el cine chino, tanto los escenarios naturales, como la fotografía --con momentos de plenitud visual con aspiraciones poéticas--, la perfección técnica y las interpretaciones (esa curiosa manera de actuar que parece una "comeddia de l'arte" a la china manera) servidos en esta ocasión por un guión --de Chan-- bastante divertido y variado, además de las consabidas y magistrales coreografías en los combates, hacen de esta película una muestra más de la consumada habilidad oriental y en particular de la madurez de Chan que, aunque sigue con los tics apayasados y excesos de costumbre, da una vuelta de tuerca al personaje, dándole profundidad y espesor dramático. Como suele hacer, Jackie Chan nos regala una serie de tomas falsas al final de la película. No os las perdáis.

Resulta reconfortante ver a ese, cada vez mejor, actor que es Colin Firth...... bajo la amable aunque reiterativa batuta de Woody Allen hacer de Profesor Higgins, hasta el mismísimo final de My Fair Lady, prácticamente copiado por Allen, cada vez más escaso de ideas originales pero al mismo tiempo, dueño de toda su sabiduría como director. Al ritmo de una película por año, se le puede perdonar que se acumulen películas fallidas junto a otras que son un agradable entretenimiento (como ésta) y algunas, pocas, obras maestras.

"Magia a la luz de la luna" nos hace olvidar fiascos como 'Conocerás al hombre de tus sueños' y la olvidable rodada en Barcelona o la olvidada sobre la Roma de toda la vida. Lo cierto es que en esta comedia "de época" rodada en la Riviera, elegante, con diálogos agudos y algunas ideas simples pero respetables sobre la vida después de la muerte, el valor de la plegaria o la existencia de Dios, Woody Allen encuentra a un Colin Firth haciendo de mago chino y sujeto de la aristocracia inglesa, que resulta ser uno de mos personajes mas divertidos y mejor hilvanados de sus últimas películas.

La hermosa Emma Stone le da una réplica sagaz a Colin y la Riviera con sus domesticados y bellos paisajes hacen el resto. El mensaje escéptico, adusto y pesimista del protagonista se enfrenta a la alegría de vivir, el espiritismo y la poesía. Del enfrentamientos entre las dos concepciones de la vida surge le chispa y la vuelta de tuerca que Allen sabe disponer como nadie. Hay un final feliz que no oculta su cinismo básico (cosa habitual en W.A.) reflejado en el monólogo de Colin sobre la existencia de Dios. Una comedia ligera con buenos secundarios (marca de la casa Allen) Eileen Atkins, Hamish Linklater, Marcia Gay Harden y Jackie Weaver. Quizá un poco demasiado larga, le sobran diez minutos al final que no nos cargan porque estamos encantados con la bobería emotiva de Colin y con la sagaz belleza de Emma (en papeles vistos mil veces en otras tantas comedias elegantes, desde la citada "My fair Lady")..