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Suena a chocolatina adolescente y parece un producto cutre manufacturado para amantes de lo "freake", algo comercial con poco gusto y ninguna pretensión. Pues se equivocan. A pesar del desafortunado título y el póster confuso y una promoción no demasiado atractiva, esta película francesa, interpretada por el Dani Boon de "Bienvenidos al norte" o "Nada que declarar", es una cinta divertida, bien realizada, imaginativa, llena de corrosivo humor y con una acttiud critica ante el armamentismo y los traficantes de armas en la estela de un comic con mala baba o una de esas diatribas humorísticas de buena ley pese a la factura aparentemente  casposa y exagerada, de trazo gordo y vulgar pero con segundas lecturas bastante ejemplares. "Micmacs, a tire-larigot", de Jean Pierre Jeunet ha tardado dos años en llegar a nuestras pantallas y lo ha hecho con discreción y como con mala conciencia de subproducto de serie b. Oigan, nada de eso. No se la pierdan, con su vestimenta de tebeo tremendista y estrafalario nos dice más verdades que nuestros periódicos más serios en forma de imagenes surrealistas y llenas de ingenio y humor.

Con un sentido de la narrativa cinematográfica que para si quisieran muchos directores más consagrados, Jeunett  ("Amelie" o la genial "Delicatessen") nos habla de u n pringado con mala suerte que debe sus desgracias a la explosión de una mina antipersona (en su padre) y de una bala perdida (en él) y se encuentra un día enfrente de los edificios de las corporaciones que fabrican las armas que le han deshecho la vida. Si al pringado (magnifico Dani Boon) se le junta toda una compañía de seres estrafalarios, marginales y entrañables que viven en y de los residuos de la gran ciudad (literalmente) y están dotados de habilidades sorprendentes y desternillantes, pues ya tenemos la comedia construida, gags magníficos, un ritmo sabiamente mantenido y una realización que borda el preciosismo. Oigan, me lo he pasado de rechupete. Parece una película surgida de la Ealing de los cincuenta, sólo nos falta Alec Guinnes, o una secuela de los Monthy Python con tanta  o más cómica agresividad.

La venganza del bueno de Boon, con su bala alojada en el cerebro y sus compañeros inenarrables contra los fabricantes de la mina que le dejó huérfano y de la bala que tiene en su cabeza, es de lo más cachondo e imaginativo que he visto en mucho tiempo. Por supuesto dentro de las limitaciones del género y sin pedir peras al olmo. Es una pelicula de humor y de critica cómica de una realidad nada divertida y cumple perfectamente su función: divertir, entretener y dejar un cierto poso de crítica humanística al patético  y trágico absurdo armamentista. Nada más y nada menos. El reparto, impecable, y el rejuego del director con la realidad francesa del momento incluido Sarkozy, implacable. Vayan a verla antes de que desaparezca de las carteleras.

La podía haber escrito Esquilo, o Sófocles o Eurípides...o Teeneesse Williams. Pero no, es la obra de un dramaturgo canadiense de origen libanés llamado Wajdi Mouawad. Aunque no se trata de teatro filmado, sino de cine puro y de una calidad tal que eleva el listón de las mejores películas del año. Dirigida por el director canadiense Denis Villeneuve, "Incendies" es cine denso, profundamente humano, trágico sin estridencias ni truculencias, realista, austero, con una cámara que pasa del movimiento sincopado de un reportaje de guerra a la morosidad y delicadeza, a la sensibilidad fílmica de un Bergson.

La historia nos la cuentan con una estructura de capitulos centrados en los protagonistas y un encadenamiento alternado de pasado y presente que va hilándose entre sí con la perfección de un tapiz que sólo al final nos permitirá tener la visión de conjunto de una historia llena de sangre, odio, dolor, perdón, sufrimiento, amor e indignación.

La historia comienza con la muerte en Canadá,  de Nawal, una extraordinaria Lubna Azabal, que fallece tras un episodio ignorado que la deja catatónica y ocurre en una piscina pública. La historia nos mostrará al final el porqué de ese episodio y esa muerte, cerrando con un broche trágico e inesperado un drama angustioso pero austero y contenido que deja al espectador amarrado a su asiento durante más de dos horas.

Pues bien, Nawal deja a sus dos hijos gemelos, Jeanne (magnífica Melissa Desromeaux-Poulin) y su hermano Simon (Maxim Gaudette, muy por detras de las dos actrices), el encargo testamentario de entregar dos cartas, una al padre desaparecido y la otra a un hermano de quien jamas habian sabido su existencia. Para ello deberán ir a Líbano (aunque nunca se nos dice dónde se centra la acción) aún lleno de cicatrices tras la guerra civil que enfrentó a cristianos y musulmanes y las posteriores  en las que intervinieron todos los piases que invadieron Libano, empezando por los sirios.

Los diferentes capitulos nos van mostrando la vida de Nawal, obligada a abandonar su aldea tras tener un hijo ilegítimo y su pesadilla personal en el país sometido a una de las últimas guerras fanáticas de religión, con asesinatos, barbarie, venganzas y atrocidades por ambos lados.

Sin embargo es preferible que no ahondemos más en la trama. Esta película se merece la máxima discreción. El perfecto guión, del mismo director, va desgranando la auténtica valía de Nawal, su terrible via crucis personal a la busca del hijo perdido y la camara nos ofrece unas imagenes de una crudeza y crueldad insólitas pero con una contención y una  serenidad que hace apreciar al espectador el horror que ve, sin obligarle a desviar la vista.

La historia de "la mujer que canta" (para no escuchar los gritos de otras mujeres torturadas en la cárcel, sólo por ser cristianas o musulmanas, que mas da, por ser amigas de otros o enemigas o indiferentes: hay quien escribió que las guerras son siempre más crueles para con las mujeres) y su historia de entereza y valor se nos cuenta con precisión de entomólogo, dejando al espectador que se conmueva sin acritud, sin cargar las tintas, con una camara que parece empequeñecerse para no mostrar mas de lo necesario. En la paciente y magnifica  búsqueda e investigación los gemelos descubren que...bien, no les digo más.

Sólo que logran cumplir el último deseo de su madre, encontrar al padre desaparecido y al hermano ignorado. Y con ello, como dice Nawal, "se rompe el hilo de la ira" y se deja entrar al perdón y al amor.

Gran película.

La sensación que le queda a uno al ver esta película es que los franceses de entre los treinta y los cuarenta, ejecutivos, bien situados, guapos y confortables, son un desastre que rozan el encefalograma emocional plano. La llamada "crisis de los treinta" (o de los 40 o de los 50), ha alentado una generación de "adultescentes" aquejados del complejo de Peter Pan que pretenden poner puertas al campo del envejecimiento y la degradación fisica, oponiéndole una suerte de degradación mental y sentimental permanente. Lo malo es que ese fenómeno no sólo compete a los franceses sino a los occidentales en general de esta cultura de la gratificación inmediata y el escaso esfuerzo. Nada de creatividad, vivir con comodidades y atormentarse con estupideces coyunturales o coñunterales. "Pequeñas mentiras sin importancia", dirigida por Guillaume Canet (que tiene 33 años) e interpretado por un elenco de actores más o menos en ese arco de edad y que compiten en ser el más egoísta, frívolo o histérico o desconcertado, constituye un modelo de ese cine "adultescente" que los americanos ya inauguraron hace años con éxito de taquilla y rechazo crítico serio a tal muestra de desconcierto creativo.

Ese grupo de personas embarcadas en unas vacaciones en común mientras que uno de los grandes amigos del grupo está hospitalizado casi en coma por un accidente y está muriéndose, muestra a las claras el bagaje moral de los integrantes del absurdo grupo. No hay maduración de nadie a pesar de los sinsabores y pruebas que viven y todo suena a broma tragicómica que dan más ganas de llorar que de identificarse (aunque sea lo segundo lo que más ocurre dada la globalización generacional en occidente).

Lo unico que salvamos es la fuerza descriptiva del plano secuencia con el que empieza la película (el del accidente del joven motorista, definido por unas imágenes que nos muestran cómo es y cómo vive antes de ser arrollado por un camión).

Con una estructura emparentada en peliculones de la garra de "Reencuentro" o de "Los amigos de Peter", en ambas un grupo de amigos galvanizados por la muerte de uno de ellos o por la declaración de enfermedad grave, sida, en la de Kenneth Branagh, "Pequeñas mentiras sin importancia", (Petits mouchoirs") ha constituido un exito en Francia y en otros paises, como aquí. Lo cual en su síntoma de algo preocupante: la falta de espíritu crítico de la mayoría de esos encantados y emocionados espectadores, seguramente cercanos o incursos en ese arco de una generación perdida por falta de una escala de valores eficaz.

Asombrosa película australiana de una desarmante ambiguedad genérica. Parece una película ecológica, pero es también una cinta de amor y de soledad, roza suavemente el género de terror y se queda en una película de sentimientos, de afectos y emociones, en una cinta que defiende la familia y sus vínculos y nos habla de respeto, de celos, de nostalgias, de inocencia y de aquellas cosas inexplicables que la vida puede proporcionar de vez en cuando y que dan un sentido a la existencia.

El argumento es simple: una familia, padres jóvenes, cuatro niños desde un joven de 15 años, otro de doce, una niña de ocho, Simone--la auténtica protagonista--y otro chico de dos. La desgracia se abate sobre la familia bastante feliz, el padre muere de un infarto.

La descripción de la soledad, el desamparo, la angustia y el sufrimiento de la mujer, una magnífica Charlotte Gainsbourg (si, la hija de Jane Birkin y Serge Gainsbourg) que borda su papel, el abandono depresivo en el que se hunde mientras los cuatros niños se defienden como pueden y sobreviven con cierto orden y comprensión del dolor de su madre, ocupa un buen tercio de película, en la que la sensibilidad muy femenina de la directora del filme, Julie Bertucelli, nos muestra de una forma serena y sin estridencias el dramático duelo que libra la mujer.

Poco a poco nos va presentando la relación que se establece entre la pequeña huérfana Simone (muy apegada al padre fallecido) y el enorme árbol que extiende sus ramas sobre la casa y la rodea con sus raíces. La niña asegura que su padre le habla a través del árbol, al que Simone adora y  entre cuyas ramas se esconde cada día. Poco a poco el protagonismo del árbol crece en la psique de la niña y en la imagen y el desarrollo de la película. Con gran maestría la directora evita las connotaciones mágicas o telúricas que el tema ofrece y gracias a Dios no hay voces ni sonidos raros, sólo el viento entre las ramas, los pájaros, la hermosa naturaleza que les rodea.

La fuerza vital de Simone, que habla a su madre del árbol y de las voces que cree escuchar, es entendida como lo que seguramente es, la forma del duelo que la niña vive, como la depresión y el abandono es el de la madre y poco a poco todo se apacigua. Pero el comienzo del cambio en la madre, la normalidad de la existencia de una mujer joven, vuelve a añadir un elemento revulsivo a la trama: nace otro amor. Es entonces cuando la Bertucelli se permite un detalle que roza el género del misterio o del terror, una rama del arbol destruye practicamente, al derrumbarse, la habitación de matrimonio justo la noche en que la mujer ha consentido en iniciar un romance con su joven jefe. Sólo la niña habla de intencionalidad y la madre duda.

A partir de ahí las cosas se complican...pero eso ya pertenece al debido secreto de respeto que todo critico ha de mantener. Solo asegurarles que la directora no se permite más deslices del tipo apuntado y que todo se desarrolla "dentro de este mundo" entre personas normales, buenas y llenas de vida.

Hay calor en esas vidas, en la historia, en la forma de contarla. Imagenes de una belleza impactante y detalles en secuencias que indican una maestría fílmica en la directora: apúntense ese ramo de flores moribundo por falta de riego en el contexto en que verán la imagen. Es un resumen exacto de lo que estarán viendo en ese momento.

Una película griega de 2003, "Politiki koucina", estrenada en España con el título "Un toque de canela" y dirigida por el director y guionista griego Tassos Boulmitis, me pasó inadvertida en su momento y la he recuperado casualmente hace unos días tras su pase en una de las cadenas nacionales, sin las molestas interrupciones publicitarias y en el encanto inexpresable que da una tarde de relax, en la soledad del hogar, con un libro en las manos que dejó de interesarme ya desde las primeras escenas. Esa es la magia del cine: de pronto abre una caja de sorpresas en las que la delicadeza argumental, la gracia expositiva, unos actores desconocidos en estado de gracia y un afortunado tratamiento visual nos reconcilian de pronto con el mensaje básico del cine: permitirte abrir una ventana más en tu vida y llenar tu alma y tu sensibilidad de mensajes eternos, sin pretensiones, sin excesos, con la naturalidad y la belleza de las cosas cada día, de los dramas banales y tiernos de la gente, con la casi imperceptible perfección de los sentimientos y las emociones en estado puro.

Quizá, como casi siempre en este tipo de experiencias, hay un mensaje oculto que concierne a tu propia vida y que reverdece con las imágenes y lo que ocurre en la pantalla. La vida de una familia de griegos residentes en Estambul entre los años cincuenta y sesenta y la forma como los acontecimientos políticos, la guerra greco-turca a causa de Chipre, las deportaciones de los griegos de Turquía y la separación entre dos comunidades hermanas por motivos políticos ajenos a ellos, la dictadura de los coroneles griegos, van modelando los cambios a veces dramáticos en la familia protagonista. (Esta es la conexión, con mi propia vida: en los sesenta yo visité profesionalmente y viví  temporalmente en la apasionante Turquía de los sesenta y setenta). A este contexto externo se añade la perfecta definición de los personajes en la trama: una clásica familia griega cuya vida gira en torno al abuelo, una figura sólida y entrañable, comerciante de especies para cocinar que tiene una filosofía edonista de la vida, simple y eficaz: la cocina como motor de unión y como fuente de placer y de amor.

Estas películas gastronómicas, al estilo de "Como agua para chocolate" o "Deliciosa Martha" o "Julia y Julie" o "Chocolat"  tienen un poso de sabiduría nada desdeñable, que hacen de la vida un lugar más amable y reconfortante.

Se trata de una historia inicática que concierne al nieto de ese sabio anciano, cuya afición por la cocina y la labor de las especies va prestando a las imágenes una poesía y una fuerza poco común. El chico será un astrófísico de una universidad griega y nos narra su infancia, su amor de adolescencia y su vida de adulto, siempre con la sombra benéfica del abuelo  y sus consejos en su vida. Esta va siendo movida y conmovida por los cambios politicos y sociales pero hay una corriente subterránea que permanece, una especie de ética de la cocina que une al astrónomo con el gastrónomo en un maridaje perfecto.

La correspondencia entre las especies y las emociones y sentimientos que pueden despertar son un tratado de filosofía del sabor y la sensibilidad, alentada por imágenes y secuencias de una fuerza poética, incluso humorística de primer orden. Me sorprende que una película tan eficaz, bella y sencilla haya pasado poco menos que inadvertida. Quizá sea por esas mismas razones. La pimienta, dice el abuelo, es como el sol, está en todas partes, da calor y sienta bien a las comidas, la canela es como las mujeres, dulce y amarga a la vez, la sal es la vida, la tierra, la existencia y aunque nunca se ve está en todo lo que vive.

Las injusticias y atropellos que la situación política provoca en las sencillas gentes, la separación, el abuelo queda en Estambul y se ve incapaz de abandonar "la ciudad" por antonomasia, su amor por ella es demasiado grande, va impulsando una trama de renuncias y encuentros. Cuando el abuelo está muriéndose, el joven astrofísico que va a despedirle, reencuentra a su amor de niñez pero, como suele suceder en la vida, esta sigue su curso y parece impedir el final feliz, pero el director resuelve el nudo con una secuencia final magistral: ese universo recreado en la vieja tienda de especies abandonada, con algunas pizcas de sal, pimienta en fruto, pimentón, cardamomo, canela, ya que el joven astrónomo reune las piezas en una sola visión, un mensaje recibido en su infancia de parte del abuelo: estés donde estés, estés como estés, nunca olvides de mirar las estrellas, y el magia del cine permite que todo gire con pausada belleza, con perfecta sintonía, como un universo estrellado, un planetario natural, donde los planetas, las semillas y los rojos frutos de la pimienta, giran en un polvo estelar de harina, polvo y sal. Inolvidable. Recupérenla.