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Bodrio trhilleresco con las inexplicables ¿o no? presencias de dos actores de la categoría de Bruce Willis y Segourney Weaver. Dirige Mabrouk El Macri, que había logrado interesarnos con su dramática, tensa y realista visión del auge y caída de un actor especializado en películas de acción, Jean Claude Van Damme (al que vimos hace poco mas o menos rehabilitado en "Los mercenarios 2" haciendo de malo, malísimo) con la fuerza documental que supone narrar algo real desde el punto de vista del protagonista real interpretado por sí mismo. Vamos un live Show con el striptease fisico y moral de un ser humano en decadencia total.

Pero en "La fría luz del día", al hombre se le cruzan los cables y nos narra la historia (sucede en España) de una familia en la que el padre (Bruce Willis) supuesto funcionario del consulado de Estados Unidos, es asesinado (a los diez minutos de empezar la película: ¿cuánto le habrtán pagado al bueno de Willis por hacer tan horrendo papel en un lapso de tiempo tan escaso? y su joven hijo (Henry Cavill) debe salvar al resto de la familia secuestrada tratando de devolver un maletín que Willis habia pasado a los malos a cambio de dinero o tal vez formando parte de una operación a tres bandas (no queda claro en la confusión general de un guión sin pies y cabeza). Israelíes del Mossad, mafia rusa, la inevitable CIA u agencias paralelas, la policía española poco amablemente dibujada y la Weaver haciendo de mala medio psicópata pero sin jamas despeinarse (incluso tras un brutal accidente de coche) o cambiar de expresión avinagrada, van montando un filme de persecuciones, peleas y la novedad de la archisabida carrera de automoviles a gran velocidad disparándose entre ellos por las calles del Madrid nocturno, perfilan un filme en el que casi todo es bastante prescindible, desde el guión enrevesado, a las actuaciones francamente olvidables y una dirección que pretende emular los filmes de Bourne y se queda en una historia que hace agua por casi todos los frentes. La localización geográfica española, aparte de imprecisiones geográficas de verguenza ajena, no nos favorece nada, todo está mal filmado, es reiterativo, feo, oportunista y deslabazado. Ahórresenla. Ni para el mercado de dvd. Fans de Willis y Segourney, abstenerse o dejarán de serlo.     

La nueva producción de Pixar sigue siendo muy digna, divertida, con dibujos encantadores y algunos personajes y secuencias que rezuman inteligencia, picardía y humor. Pero se está produciendo un fenómeno curioso y no demasiado positivo: una merma de calidad, de inventiva, de mordiente, en suma de ingenio pleno de guiños que solían exhibir otras producciones de la firma.

Esa calidad dificil de definir pero que tiene un efecto bien perceptible: las películas de Pixar desde la lejana "Up" o la maravillosa "Walle-e" divertían y encandilaban por igual a padres y a hijos, a adultos y a niños. Desde que Pixar fue absorbida por la Walt Disney la cosa ha ido de más a menos. Ya en "Cars 2" se percibía una sutil pero evidente decantación havia los más pequeños, siguiendo la marca  y estilo de la casa Disney. Ahora con "Brave" el efecto sigue siendo evidente. Y no hablamos de falta de calidad o infantilismo, "Brave" tiene mordiente, es la historia heroica y dinámica de Mérida, la primogénita del clan escocés Du Broch que trata de escapar de la obligación de casarse con uno de los barones de los clanes vecinos y prefiere vivir una existencia libre a lomos de su caballo y disparando magistralmente el arco.

El guión de Brenda Chapman e Irene Mecchi logra dar una pátina de defensa de los derechos femeninos que  aunque resulta poco creíble en esa baja Edad Media en los lands escoceses, imbuidos por un machismo basado de la razón de la fuerza y la postergación de la mujer a faenas de cuidado del hogar y de la prole, logra convencer (tal vez por el inconsciente efecto de familiaridad que da al espectador el uso de ideas ya aceptadas en esta época) y la protagonista de "Brave" (Indomable) logra defender su manera de pensar y su manera de vivir.

El sello Disney va ganando fuerza en el imaginario de Pixar y uno reconoce rapidamente, en animales (fíjense en la osa), gestos humanos y personajes secundarios, la dulzona y estetizante imagen de la factoría norteamericana. Eso si, el entretenimiento y la diversión siguen estando asegurados. La implicación de la magia en el relato y las delirantes luchas entre los guerreros de los clanes, más divertidas que realistas como es preceptivo en los dibus clásicos, dan un plus de humor a la película, en la que destaca el gran nivel técnico de animación (observen la roja melena de la protagonista).

"Brave" no apela tampoco al conocido "doble mensaje" encapsulado para los mayores en el guión infantil. Todo tiene un nivel de claridad expositiva y ortodoxia: los conflictos se arreglan con el diálogo y el compromiso, salvaguardando la ética y el honor y, sobre todo, hay que aceptar el cambio como forma de progreso social. En esto, la compañía del flexo se ha vuelto un pelín más seria y protocolaria, apenas existe ese humor pícaro, con crítica sumergida incluida, esos guiños amables al espectador. Su inteligente analisis de las relaciones madre-hija, el dramatismo de su desarrollo (quizá lastrado por la aportacion de canciones que no añaden nada a la tensión filmica, solo rompen el ritmo y edulcoran el producto) dan medida de la seriedad del empeño, aun con la suavidad de las formas que exige el publico al que van dirigido. Incluida esa trama familiar en la social e histórica de la necesidad de afrontar el cambio de usos y costumbres  e incluso de imponerlo, dan medida también de la ambición de los guionistas y de que "Brave" no es un producto "infantil" en todos los sentidos (incluso lo menos positivos) del término, sino respetuoso con los niños (a los que no trata como adultos infantilizados) y con los adultos que vean el filme (a los que no trata de atraer con guiños y bromas extemporáneas). Dignidad pues en la nueva película de Pixar: una técnica de animación magnífica, un guión inteligente y reivindicativo, una ambientación geográfica e histórica muy cuidada y bastante exacta y unos personajes divertidos, exigentes y emblemáticos.

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 A pesar de sus innegables trucos y sustos para conmover al espectador esta reaparición de la mítica "Hammer" inglesa, la reina del terror en programa doble de todos los que tenían menos de veinte años en los sesenta, tiene una calidad expositiva realmente atractiva y sugerente. Ya desde el comienzo mismo, ese primer palno de la tetera --inddudablemente inglesa-- que se inclina  hacia una tacita diminuta para no verter nada, esa cámara que va ampliando el cuadro y  mos muestra ab tres angelicales niñas jugando con las muñecas su imaginaria hora del te, y la actitud de las tres niñas que abandonan el juego tras ver algo fuera de cámara, arrollan y pisan sus muñlecas y su juego diminuto de te, se dirigen a la ventana y...

Bien, no les cuento más. Si les gusta asustarse, por algo más que gritos imprevistos, animales que saltan, apariciones angustiosas o casas tenebrosas, si quieren "padecer" un tipo de miedo que nace del dolor, el odio y el crimen, vayan a ver "La mujer de  negro".

Después se nos presenta a un joven abogado (Daniel Radcliffe, el niño Harry Potter al que hemos visto crecer pelicula a pelicula de la saga) que ya lleva su propia tragedia encima (la muerte de su esposa al dar a luz, su amor por el niño y su dolorida nostalgia de su mujer) que marcha a una tétrica aldea perdida en los páramos. Allí el ambiente se torna opresivo, amenazador y se produce el primer contacto voisual con una figura tenebrosa, la mujer de negro, relacionada con el asunto legal que lleva a Daniel a esa aldea perdida que vivie en un ambiente de terror. El joven es hospdeado precisamente ne la habitación donde murieorn las tres niñas..
Basada en una novela de Susan Hill (de 1983) se trata de una clásica historia birtánica de fantasmas, con todas las virtudfes , y algún defecto, del famoso "terror gótico" en el que la Hammer fue un vivvero de ideas y profesionales. Dirige con solvencia James Watkins, evitando bastante los trucos más manidos y tratando de centarrse en el ambiente y la contención visual (de hecho el terror se alimenta de presencias entrevistas y puro ambiente tétrico y desolado, con alguna concesión a la evidencia de sangre --muy poca-- o un ahorcamiento. Ecomnomía de elementos, como en "Los otros" de Amenábar, obra mestra en el género y respeto a la coherencia de la historia, donde la muerte, la culpa y el odio fortalecen el horror de las sombras. Magnifica direccion artistica que subraya la actuación de dos personajes secindarios, el gran Ciarán Hinds y Janet McTeer . que tratan de arropar la, aún verde, actuación de un voluntarioso pero frio Daniel Radcliffe. Película aceptable y digna...a pesar de sus defectos.

El tratamiento literario y filmico del miedo, el terror, ha cambiado mucho en estos tiempos. De alguna manrea se ha cargado de sustos repentinos y estética "gore" al estilo de los muertos caníbales, los vampiros estilizados o los espíritus sádicos y crueles. Por tanto lo que no hace muchos años provocaba desmayos en las salas de cine o lecturas de cabellos erizados y miradas furtivas a las esquinas, hoy ya no inquieta a nadie. Del imaginario terrorífico de nuestra cultura, Drácula, el Hombre Lobo, el Golem o el monstruo de Frankenstein, han dado sustos a varias generaciones, pero ultimamente son contemplados como clásicos literarios o antiguallas cinéfilas y por tanto son pasto de imitadores más o menos serios y de hábiles, mas o menos también, sátiras, remedos o pastiches.

Entre los que tratan de hacer algo con un cierto respeto al original y con ganas de revitalizar el género, está el inglés Peter Ackroyd, un interesante escritor que nos ha regalado  biografías de figuras como Poe, Chaucer, Eliot o Pound. E incluso se atrevió con Charles Dickens (biografía muy digna de la que les hablé hace un tiempo en estas páginas). Sumen a ello la deliciosa "Londres.Una biografía" que ha reeditado Edhasa y comprenderán que no les hablo de un autor cualquiera.

Por esas razones el intento de Ackroyd de sacarle vida literaria a la figura victoriana del doctor Frankenstein y su criatura, creados por Mary Wollstoncraft Shelley en 1818, es una empresa interesante. No sólo por la categoría literaria de este autor sino por el hecho incontrovertible de que Ackroyd es un experto en Londres y en la época donde suceden los hechos narrados por Mary Shelley. Credibilidad de ambiente y personajes, relatados por un experto novelista del género histórico.

La novela toma la forma de un diario como advierte su título y en él, el doctor Victor Frankenstein, de nacionalidad suiza y estudioso de ciencia y filosofía de la ciencia en Londres, nos narra con el ampuloso estilo de la época, todos sus afanes, dudas y acciones. La historia ya la conocemos a grosso modo, pero ahora se nos narra en primera persona y con los suficientes cambios en la trama para que la narración nos enganche y nos haga caminar por las calles miserables de los barrios pobres de la capital, las tabernas malolientes y conocer a  los  delincuentes, ladrones de cuerpos, sacamantecas como dice el traductor, que ayudarán al doctor a encontrar materia prima para sus experimentos.

Asistimos al complejo pensamiento y el designio terrible del objetivo del doctor que quiere llegar a crear la vida y desentrañar su sentido y para ello se valdrá de toda la ciencia incipiente que le ofrecía la época en el terreno de la electricidad y los inventos de las pilas galvánicas y los condensadores. En torno al doctor se mueven personajes reales como el poeta Shelley (cuya esposa Mary será la autora real de la historia de Frankenstein), Lord Byron, el médico personal de éste John William Polidori. La trama va pasando por todos los tópicos del género (aunque la verdad sea dicha no logró crearme sensación de miedo, y menos terror, en ningun momento) da el salto de lo verosímil con gran agilidad y nos enfrenta a una criatura dotada de fuerza y velocidad prodigiosas y de un talante que oscila entre la brutalidad asesina y las dudas y sufrimientos de un individuo consciente de sí mismo y del rechazo de los demás.

No les hablaré del final, aunque quizá sea la parte más debil, topica, previsible y descuidada de la novela (en todo caso muy lejos de la galanura y el oficio de este autor). Con algunos fallos ucrónicos, desencajes con la época y algunos hechos o maneras de hablar, quizá imputables al traductor -Gregorio Cantera-  que, por otra parte le da ligereza coloquial y diversidad al estilo (aunque hablar de "mordida" como dinero dado a una autoridad para que inflinja o disimule ante la ley, resulta un poco dificl de creer en el Londres del principios del XIX), la novela logra que nos interesemos por esos personajes reales que el autor convierte en literatura histórica (magnificas referencias a los avances de la electricidad y sus aplicaciones y la de los lentes ópticos).

Me he divertido leyendo "El diario de Victor Frankenstein", he disfrutado con las imágenes que me brinda de personajes reales cuya obra conozco y las de un Londres que siempre ha sido mi ciudad literaria predilecta, desde Dickens al Sherlock Holmes de sir Arthur Conan Doyle, entre otros muchos autores geniales. No es, tambien debo consignarlo, una novela perfecta, redonda. Tiene altibajos de ritmo e interés y adolece de un final innecesariamente fácil. No obstante, la recomiendo. Vale la pena.

FICHA

"EL DIARIO DE VICTOR FRANKENSTEIN".- Peter Ackroyd.- Edhasa. 2012. 433 páginas. 24 euros. Traductor: Gregorio Cantera.

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Ver al genial Sean Penn como una especie de loca transexual, aunque en realidad no es eso, no es eso, se limita a llevar una leonina peluca negra, los labios y los ojos pintados (y las uñas de pies y manos) y unos gramos de polvos en las mejillas cadavéricas. El rostro muy masculino, anguloso y avejentado de Sean se presta a las mil maravillas para generar un auténtico trauma visual y psicológico en el ánimo del espectador. Sabemos que es una ex estrella judía de la música gótico-punk, que está medio alelado por el consumo brutal de drogas en otros tiempos y que vive una existencia aparentemente casi vegetativa, con un tempo vital de lentitud obsesiva, en su mansión de Dublin.

La película de Paolo Sorrentino que asombra y repele al espectador en los primeros minutos, luego termina logrando lo inesperado: que tras el aspecto torturado y escandaloso del viejo roquero sepamos que existe un alma cándida y generosa, un niño estancado en un cuerpo maduro que cabalga hacia la vejez y una persona inteligente y lúcida capaz de reflexiones como las que le regala a una camarera: "empezamos diciendo que queremos un tipo determinado de vida y acabamos lejos de lo que buscábamos diciendo encogiendo los hombros, "asi es la vida".

"Cheyenne", el viejo rockero, se retiró hace veinte años de los escenarios coincidiendo con que dos de sus fans, dos adolescentes, acabaron suicidándose impulsados por la filosofía y la sugestión derrotista de las anárquicas, violentas y depresivas canciones que él componía y cantaba. El se lo tomaba como un juego desafiante y después de ese doble suicidio no se siente con ganas de seguir su carrera musical y se retira a un universo blando lejos de las drogas y la bebida (se pasa la película bebiendo refrescos con pajita), casado con una mujer vital, inteligente y respetuosa Frances McDormand).

Todo cambia cuando debe viajar a Nueva York (lo hace en barco porque odia los aviones) donde su padre está muriéndose. Y aquí, la trama da un viraje absoluto y rompedor: cuando llega, el padre ha muerto y él debe afrontar un doble desafío, integrar la figura de un padre al que no ha visto desde hace treinta años y al que cree odiar porque se siente rechazado y, en segundo lugar, asumir la carga del holocausto y la venganza: su padre es un superviviente de uno de los campos de exterminio nazis y se ha pasado la vida persiguiendo al hombre que le había torturado en los campos y que sabe vive en Estados Unidos.

Sean asume esa labor y comienza una auténtica road movie que recuerda aquella pequeña obra maestra de David Lynch, "Una historia verdadera", por su variedad humana, su profundidad, su falta de maniqueismo y una manera de vivir la existencia dotada de una calma y una aceptación que conforman un ideal casi filosófico. El viaje acabará cambiando bastante radicalmente a Cheyenne. La película deviene un ejercicio de estilo que roza la genialidad, desde el ritmo detallista y moroso, hasta una cuidadísima fotografía y montaje (de Luca Bigazzi), incluido un guión (firmado también por Sorrentino) que transita con éxito entre el humor, la crítica social, el ridiculo de unos y la grandeza inesperada de otros, todo contemplado con optimismo y con una cierta beligerancia surrealista, con el añadido de una fabulosa banda sonora de David Byrne (que hace un cameo sobre si mismo en la pelicula) el líder de Talking Heads, cuyo "The must be the place", que da titulo a la pelicula, es uno de los temas más recordados de la banda.

Sin duda lo mejor de esta cinta, que tiene muchas excelencias, es la interpretación de Sean Penn que conforma con exactitud milimétrica una especie de Peter Pan gótico o de protagonista de las semilocuras inteligentes del genial Wes Anderson (ver, sin ir mas lejos, "Moonrise Kingdom" o "Los Tenenbaums, una familia de genios"). Dándole una  réplica asombrosamente efectiva, vemos a Frances McDormand (precisamente una de las actrices de Anderson) y un breve Harry Dean Stanton (precisamente uno de los actores fetiche de Lynch) mostrandonos ante el entusiasmo infantil de Penn, quién  inventó ponerle ruedas a las maletas. Así pues no parece ocioso insistir en las influencias tanto de Lynch como de Anderson en el amigo Sorrentino. Por eso no nos sorprende que la road movie de este director, lenta, perezosa, intimista y absurda, no sea una tópica película de cazadores de nazis, sino una apuesta humana, sensible y llena de humor ácido, donde el castigo al nazi, al fin encontrado, resulta de una traviesa ejemplaridad. Se llevó el premio del Jurado en Cannes. Escaso para sus merecimientos.