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He aquí un festival de interpretación femenina. Una película de mujer sola, reprimida y angustiada, de servilismo y deseos frustrados encerrados en el pecho y en el vientre, un alegato contra el fanatismo político, la hipocresía, la barbarie disfrazada de disciplina paramilitar y la libertad ausente, detenida y encerrada bajo las siete llaves de un sistema político castrador.

Todo eso es "La mirada invisible", una película argentina dirigida por Diego Leman que, con planos largos y minuciosos, con una lentitud de "nouvelle vague" y unos encuadres precisos de orfebre de la imagen, nos ofrece un filme magnífico y notable apoyado en la interpretación de Julieta Zylberberg, preceptora de un colegio de clase media alta, que se ofrece en un rasgo de servilismo degradante progresivo a vigilar a los alumnos del colegio para evitar transgresiones a las numerosas leyes represivas de la escuela (reflejo de las de la sociedad argentina de los ochenta) y para ello se embosca en los lavabos masculinos tratando de investigar si los alumnos fuman o hacen cualquier cosa prohibida en los  lavabos (y en realidad para entrar en una dinámica patética de espionaje erótico en pos de uno de los alumnos hacia el que se siente atraída hasta límites bochornosos).

Con la connivencia interesada del jefe de estudios, que devendrá pieza dramática muy activa al final de la película, la preceptora María Teresa, se convierte en un símbolo de la degradación moral que crea el sistema militar en la sociedad argentina. Allí se desarrolla un instrumento de delación y control, la mirada invisible, que es aquélla que lo registra todo y vigila sin cesar, "la que a todos mira y nadie ve", metáfora ineludible de la dictadura militar fascista que tendrá su final con el fiasco de la guerra de las Malvinas (y que volverá de nuevo, en otras formas, a aherrojar a los desdichados argentinos).

Los planos interminables de la arquitectura fría y simétrica del colegio, el gran patio con sus ajedrezadas baldosas en blanco y negro, la sinfonía exquisita de miradas, silencios, gestos ínfimos pero llenos de contenido, hacen de este filme una pequeña joya desasosegante que a los españoles de cierta edad nos resulta muy familiar. La voracidad de la mirada de la preceptora, su fondo castrador alentado por una frustración permanente, torturada por sus deseos sin escape, reflejan certeramente la inanidad de la noche de piedra de todas las dictaduras, sea cual sea el país donde se entronicen.

La película está basada en la novela de Martin Kohan "Ciencias morales" (que no tengo el probable gusto de haber leido) y muestra el pulso certero de un director que sabe su oficio, que sabe transformar la lentitud en sentimiento y el silencio en emoción. Recomendable para una educación sentimental y política de jóvenes espectadores, que no saben y no contestan cuando se les pregunta por las dictaduras ya sean fascistas o de izquierdas.

Dirige Daniel Benmayor y nos cuenta una historia pretendidamente histórica, que circula entre la peli de aventuras y las complacencia de un nacionalismo edulcorado y mítico (en el que afortunadamente se obvian cuestiones como el catalanismo) en una dicotomía invasor perverso y cruel y defensor sacrificado y heroico. Hay un aire de western crepuscular que no desmerece del todo, con un malo, un oficial francés amigo de Napoleón al que éste encarga la misión de salvar el honor de la France aportando la cabeza del lugareño catalán, carbonero en Montserrat, que se ha atrevido a simbolizar la primera derrota del ejército del gran corso: la guerra  en España, que en palabras del mismo Napoleón fue el inicio de la pérdida de su imperio. Para ello, el cruel e inquietante oficial, muy bien interpretado por Vicent Perez, acompañado de los cuatro magníficos, hombres duros y buenos luchadores, van en busca del carbonero que con su resistencia y el redoble de su tambor logró vencer a las tropas francesas en Montserrat. Leyenda épica basada levemente en la historia, creación de un héroe popular que uniera al pueblo y la milicia hispana contra el invasor, la pelicula nos aporta de una forma dinámica pero fría, sin llegar en ningun momento a emocionarnos, un desarrollo levantado sobre los cimientos estéticos de una bella fotografía y unas localizaciones en el mágico macizo que a cualquier aficionado a corretear por sus dificiles y empinadas veredas y caminos nos llena de satisfacción y nostalgia.

Hay lugares filmados en la película, que los que conocemos Montserrat, sus valles escondidos y sus rincones pétreos de difícil andadura, no nos suenan de nada (privilegio del creador cinematográfico que desde Melies han manipulado lo que fotografía para hacernos comulgar credibilidad con ruedas de molino de falsedad) y otros que reconocemos y nos encanta verlos en pantalla grande con toda su fuerza, su misterio y su indómita y salvaje belleza.

La historia comienza con las secuencias de la sonada victoria (por cierto en una garganta con rio , y con agua abundante, cosa inexistente en el seno del macizo,  que parece mas bien rodada en los estrechos de Arnes) y prosigue con la busca y captura de los cinco esbirros napoléonicos que tratan de dejar sin cabeza al humilde muchacho, interpretado de forma escasamente convincente por Juan José Ballesta y su novia, la bella Astrid Berges-Frisbey. La lucha entre los curtidos soldados y el montaraz muchacho, con secuencias que recuerdan a Rambo en la selva o al capitán que busca en el fondo de las tinieblas al coronel Kurtz en "Apocalipsis Now", configura una peli de comandos "avant la letre", sencilla y elemental, que no obstante seduce al espectador, a pesar de planteamientos tópicos e improbables, divagaciones impertinentes y superficialidad argumental.

"Bruc, el desafío" es una película española  de acción "histórica" que no desmerece y que evita con honestidad y eficacia el panfletismo de charanga nacionalista, deviniendo en una cinta de acción de la serie B con muchas virtudes y pocos aunque visibles defectos.

No sé si por la localización, las imágenes aéraas del macizo y algunas reconstrucciones fotográficas de los lugares que tanto amo, pero he disfrutado viendo "Bruc". Debilidades que tiene uno.

He aquí una versión posmoderna de "Secretos de un matrimonio". Hay mucho de Bergman en "Last night" que dirige con acierto casi pleno Massy Tadjedin. Los sueños, los deseos, la infidelidad mental aunque no física, la represión , el miedo, las emociones desbocadas, la seducción, el arrepentimiento...todos los cajones secretos y también los evidentes de esa cómoda de la habitación común que es el matrimonio.

Keira Knightley, muy lejos de los "Piratas del Caribe" presta su rostro sensual e inteligente a la esposa, Sam Worthington al joven marido y Eva Mendes y Guillaume Canet (muy lejos también de "El caso farewell") a las dos piezas que van a elevar la tensión en el rutinario proceso de un matrimonio que dura demasiado para lo poco que reciben sus protagonistas.

La propuesta sería tópica si no estuviera sembrada de observaciones y detalles de una sutileza a veces dolorosa que enriquecen la historia y la hacen huir de los estereotipos del género. La dinámica entre los dos esposos y sus respectivos némesis emocionales, el anteriormente amado escritor francés, aparecido del pasado de ella que, concesión al tópico, nunca ha dejado de amarla, y la chica nueva de la oficina de él, Eva Mendes, con su enorme carga sexy y el capricho de seducción que ejercita para vencer la resistencia --un tanto bovina-- del esposo traidor.

La sospecha y los celos alimentan la pasión prohibida de ella, aunque sin ceder el triunfo carnal, mientras que el hastío y la aventura prohibida alimentan la caída de él. Esa es la diferencia, una vez más tópica, en la historia de Tadjedin: ella viaja por el ámbito del deseo reprimido, del "plus" femenino de control de lo físico por el poder de lo romántico, mientras él se deja vencer en el último minuto (más o menos los presupuestos de "Eyes wide shut" la película póstuma de Kubrick).

Para regodeo del espectador destacamos el plano final de la película, cuando el marido infiel vuelve un dia antes de lo esperado al redil, lleno de conflictivos sentimientos, de arrepentimiento y culpa y se encuentra a su esposa en pleno lloro tristísimo, interpretando que es por su ausencia, hasta que ve en el suelo los zapatos de fiesta de ella y comprueba que ahí hay algo que él desconoce y se aparta de ella con una mirada llena de sospechas (aunque su culpa le impide decir nada) mientras la mujer nos muestra en sus ojos que ha quedado herida de verdad en sus sentimientos hacia el antiguo amigo, quizá por no haber consumado su encuentro...

Que nadie se llame a engaño. "El lenguaje de los sueños" no es una película sobre el psicoanálisis, sino un drama romántico con factura clásica, al estilo de aquella memorable "El velo pintado" que parecía repetir las emociones y el estilo de las viejas, que no obsoletas, películas en blanco y negro inglesas y americanas como "El sueño eterno", "Casablanca", "La tienda de la esquina", "Ninotchka" y tantas otras que nos hacían soñar en el amor, la sensibilidad poética y la pasión como forma de vida.

La película, de 2003, fue dirigida por Guy Jenkin, con solvencia pero una cierta frialdad estética. Nos narra una historia que transcurre en los años 30 y en un lugar paradisíaco: una colonia británica en Borneo, Sarawak. Allí llega un joven oficial británico con la misión de educar a los nativos en el lenguaje y la cultura dominante, la inglesa. Para ello debe aprender el lenguaje local y el gobierno colonial tiene una costumbre, oficialmente ignorada, adjudicar una mujer joven como concubina al funcionario inglés, un "diccionario de cama" que le enseñe el idioma local y a su vez aprenda el inglés, con lo que tal cometido es bien visto por los jefes tribales que lo consideran una forma de promoción social de sus jóvenes.

El joven John Truscott (Hugh Dancy) se escandaliza en principio por la costumbre y admite la enseñanza pero no el uso del cuerpo de la joven asignada, una bellísima Jessica Alba. Naturalmente interviene el amor y como era de esperar los dos jóvenes no sólo intercambian las enseñanzas del lenguaje y se establece una tórrida relación que se vuelve peligrosa cuando el joven oficial decide casarse con la indígena. La doble moral imperante en la colonia estalla de forma violenta y se condena a los jóvenes, con tal eficacia que el oficial regresa a Inglaterra y una vez allí se casa con la hija del gobernador colonial a la que conoció en Sarawak (el gobernador compuesto por un impresionante  Bob Hoskins, tan creíble  como siempre). Al volver a la colonia, la vida sigue su curso, hasta que John descubre que su amada se ha casado con un jefe indígena y que tienen un hijo. Como rezan los cánones del melodrama el chico es rubito y tiene los ojos azules por lo que la cosa se complica muchísimo. Y no les cuento más porque creo que vale la pena que rescaten esta película en un buen dvd, y programen un visionado con la mujer de sus sueños, para verla en casa con o sin palomitas.

La película cumple todos los requisitos para este género tan criticado pero tan popular (y por ende, tan rentable, cuando está bien hecho). Lugar paradisíaco, nativos gentiles y divertidos (aunque pueden llegar  a ser peligrosos), clase dominante hipócrita y educada, refinamiento de clase, malo malísimo que causa arcadas al respetable, amor por encima de todo, dificultades gravísimas, climax para retorcer el ánimo del casi lloroso espectador y resolución absolutamente feliz y absolutamente improbable.

Diviértanse.

El verdadero origen del Planeta de los simios es la novela que escribió Pierre Boulle en 1936, convertida en impactantes imágenes en 1968 por Franklin J. Schaffner, con el inexpresivo pero efectivo Charlton Heston como protagonista absoluto. Ya entonces el planeta donde se subvierte la entronización supuesta del ser humano como rey de la creación y monarca del mundo y se le convierte en un animal maloliente, ladrón y dañino en un planeta donde la cumbre de la creación son monos inteligentes, orangutanes dotados para la política, chimpancés dedicados a las artes y las ciencias y gorilas como brazo armado del Estado, constituyó un reto para la vanidad del espectador como ser humano y un estímulo para la reflexión sobre nuestro comportamiento con los animales.

La idea, prescindiendo de su contundente final donde se nos descubre que el planeta de los simios es, en realidad, nuestro planeta tras ser devastado por una guerra nuclear, era inquietante y subversiva, aunque apuntaba que los simios se habían convertido en copias nuestras, con defectos, vicios y comportamientos muy semejantes, excepto en el tema de la subordinación a la ciencia y el papel de esta en la destrucción. Un consejo de ancianos simios sabios velaba por evitar que la ciencia llegara demasiado lejos (simplificando el papel enorme de la ciencia en el desarrollo, el progreso, la salud, las comodidades de la vida, etcétera y reduciéndola a su poder apocalíptico unicamente) con lo que se nos mostraba una sociedad medio idílica, agrícola, de vida sencilla y ajustada a la naturaleza.

Algo que conviene recordar es que tampoco Boulle fue estrictamente original en su creación literaria, ya que siglos antes un escritor inglés llamado Jonathan Swift imaginó un mundo dominado por los caballos y en los que los humanos eran bestias despreciables a los que llamaban, ojo al dato, "yahoos".

La precuela que firma Rupert Wyatt, cambia con habilidad e inteligencia la óptica con la que observamos esta historia. El protagonista absoluto no es un humano (como lo era en la película de Schaffner y relativamente en las cuatro secuelas estrenadas que no lograron superar el original y en el 2001 la versión bastante sólida de Tim Burton) sino César, un primate de ojos verdes e inquietante humanidad en los rasgos y los gestos, al que una medicación (que James Franco, el "protagonista" humano, un científico, ha usado con su propio padre, enfermo de alzheimer, observen el detalle) permite un crecimiento neuronal que lo hace incluso superior a los humanos en desarrollo mental.

El guión de Rick Jaffter y Amanda Silva, es una hábil vuelta de tuerca al tema original, lleno de guiños al espectador enterado y conocedor de las versiones anteriores. Recuerden que el grito del César al ser empujado por un vigilante, "Hombre, quita tus cochinas manos de mí" con lo que descubre a todos que está dotado del habla, es una copia exacta de Charlton Heston que grita casi lo mismo ante un gorila soldado (cambia "hombre" por "mono")  provocando el terror y el estupor en la sociedad simia que le rodea (en su planeta los humanos han perdido el uso del habla).

La película está muy bien realizada, formalmente es magnífica, con unos efectos especiales muy cuidados y un ritmo trepidante, los personajes están bien perfilados y definidos (maravilloso recital del gran John Lithgow haciendo de padre enfermo de Alzheimer del cientifico Franco) y César es totalmente convincente --tras su máscara está Andy Serkis, que dio vida y expresión a Gollum en El señor de los anillos--. Pero su fuerza como obra de arte filmica estriba en la carga profunda que deja caer junto al espectador, los matices alegóricos, la complejidad de las emociones que despìerta, la relatividad del sistema de valores sociales y éticos en los que vivimos, cuestionados por ese Espartaco peludo. Un Espartaco o un Moisés simio que lleva a su pueblo, tras pasar el rio "Jordán" que separa la civilizada San Francisco del bosque primigenio, a un lugar que será un desafío a la humanidad, que tendrá el patio trasero de su pretendido hogar planetario ocupado por seres diferentes y despreciados con posibilidad potencial de ser superiores. Y que, además, se debe enfrentar a un reto apocalíptico, un virus mortal que amenaza su supervivencia. El conflicto está servido y es un conflicto a muerte y contrareloj, ya que la soberbia humana no concibe que se pueda parlamentar y negociar con un simio y las circunstanias están a favor de los primates.

Pero tampoco se ve claro cómo mantener una civilización que se está desgastando y hundiendo en sus errores, al margen del virus que la diezmará.. Esa es la carga de profundidad de la película, muy pertinente en un año, este, en el que se están rompiendo cauces y esquemas obsoletos, desde los levantamientos en los paises arabes hasta nuestro 15-M o la crisis patológica que sufrimos sin remedios... Reflexionemos...