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  Un virus letal, que se transmite por simple contacto, pone en jaque a los gobiernos, las instituciones médicas y farmacéuticas y a las sociedades del mundo que entran en un estado de pánico que agrava y supera la siniestra eficacia destructiva del virus. El desmoronamiento social y político, la carrera contra reloj de los científicos que buscan la vacuna, los casos de sacrificio y lucha aislados en un climax de angustia social, miedo y muerte.

Esta es la historia que nos cuenta Steven Soderbegh que, como es usual en este tipo de películas, va insertando en la trama global las pequeñas historias más o menos pertinentes que dan valor y contenido humano a la gran y caótica tragedia de una civilización puesta a prueba.

El ritmo es trepidante, con pequeños apuntes que están dotados de una atomósfera propia, más calmada, pero al final arrastrados también por la vorágine del drama colectivo que se vive en todas partes. Las víctimas se cuentan por millones y durante el proceso se nos muestra, como botón de ejemplo, algunos que tratan de aprovechar la situación, incluso con buena fe, provocando más desinformación y creando suspicacia, violencia engendrada por el miedo y actos delictivos que buscan ser admitidos bajo el paraguas de la excepcionalidad.

El reparto es espectacular, Matt Damon, lejos de su dinamico papel de la saga Bourne, Kate Winslet como investigadora. Gwyneth Paltrow como una de las primeras víctimas cuya desgracia destapa un asunto de infidelidad, Laurence Fishburne como alto cargo sanitario mundial que no puede evitar dar un trato de favor a su familia, un desfigurado Jude Law como un periodista sin escrúpulos que cree en una cura naturalista y se aprovecha de su éxito en internet, Elliot Gould, siempre tan creíble, como científico que encuentra la secuencia de contagio del virus pero sucumbe a él...

Pero el acierto del director consiste en rodear a todos esos intérpretes de un ambiente, de un aire y un estilo en el que la amenaza y el terror hacia el virus, el realismo sin exageraciones, la economía de secuencias, la simple, fría, aséptica y difícil fórmula casi documental de lo que nos narra, crea en el espectador sentado en la butaca una de esas difíciles sensaciones que sólo los grandes del cine consiguen: el "contagio" por simple empatía de ese terror humano a la muerte y más como en este caso, invisible, sin forma, sin aviso, por el simple contacto con la persona enferma. 

Las reacciones que vemos en la panatalla son las que esperaríamos vivir si nos viéramos en esa tesitura, el ansia de acumular provisiones, la exigencia violenta de vacunas, las paranoicas conspiraciones que el miedo cultiva. Son noventa minutos en los que no sobra ni un solo fotograma. Y un  final abierto pero no por ello menos estremecedor por lo que tiene de corolario de una situación que no ha terminado y no sabemos si va a terminar. (Si no conociera el valiente y honesto cine de Soderbegh pensaría que se está preparando para un "Contagio" 2).

 ¿Cuál es esa verdad que nos presenta la pelicula? Simple y dura: la precariedad de nuestra inconsciente seguridad como sociedad y como especie. Y aquí no se trata de los marcianos o de criaturas inverosímiles, es un simple virus el que trastoca todas nuestras nociones de lo que es ético, de lo que está mal, de lo que nunca debemos hacer. Nadie está libre de contagio.

Y mucho menos en este mundo del que tan orgullosos nos sentimos: la aldea global. Es precisamente de la mano de esa globalización de la que el virus se hace rey, ayudado en su faceta, tambien muy peligrosa, del miedo, por personajes como el "blogguer" que interpreta Jude Law, cuya falta de responsabilidad extiende rumores de efectos catastróficos  con más velocidad de la que el virus se propaga .

Contagios pues, vírico, informativo, pero también de desconfianza hacia los politicos y el poder, hacia las empresas farmacéuticas y por último, pero no menos importante, la faceta destructiva intima del virus, la de los principios morales, la esperanza, la generosidad, el sacrificio por el otro, la comunicación y el amor.

Contagio pues universal, fisico y psíquico, social e individual, político y profesional: en suma jaque mate a nuestra cultura como estilo de vida, como jerarquía de valores. Eso es el cuerpo global donde el miedo se ceba como un virus carcomiendo las bases y los fundamentos. Ruina.

Un filme sin sensacionalismo, verosímil, firme y variado en su oferta de historias adyacentes al nudo central, critico con instituciones y comportamientos, con su gotita de esperanza humana en algunos, a veces tierno y a veces lleno de emoción y casi siempre salpicado de angustia y miedo. Pero todo este discurso ha sido hilvanado de una forma seria, dolcumental, honesta, veraz, sin teorias conspirativas ni complots de poder o de medios de comunicación (cosa que en aquella "Virus" con Dustin Hoffman, no acabó de funcionar). El hecho tal como se produce y se expande y las reacciones casi nunca adecuadas o buenas de las personas, sea cual sea su origen o su formación, desde el pillaje hasta el secuestro con extorsión o el asesinato.

Tal es la veraciadad que imprime este director a su película, que la secuencia en la que el jefe de los servicios secretos norteamericanos habla de que todo podria ser un ataque terrorista, suene irremediablemente a tópico y estupidez. Se nos ha convencido que es un peligro que no tiene bandera ni ideología, que es uno de los medios que la Naturaleza puede llegar a crear para terminar con la existencia humana, sin previo aviso, sin causa imputable a los humanos, simplemente un cruce biológico, excrementos de murcielagos comidos por cerdos que entran en la cadena alimentaria humana y causan un cambio genético que muta en virus y se inicia el contagio, desde el cocinero de Hong Kong que ha cocinado la carne hasta la bella ejecutiva que le felicita por el plato que ha comido y que comienza a difundir el virus allí mismo y tras regresar a Estados Unidos en todo su entorno. Una progresión geométrica brutal que contagia al mundo entero. El principio de la mariposa cuyo aleteo en una  punta del mundo provoca un tsunami en la otra.

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Esta es una de las pocas ocasiones en las que el lector cede, con agrado, su puesto al cinéfilo. La novela, autobiográfica, en la que está basada la película "La carta final", titulada más expresivamente "84 Charing Cross Road", fue escrita por la escritora norteamericana Helene Hanff, que resumió en poco más de 120 páginas la correspondencia que sostuvo durante más de 20 años con la librería Mark and Co. cuya dirección postal da título a la novela (publicada en España por Anagrama, con un lento éxito basado en el boca-oreja de lectores consumados y encantados).

El caso es que aunque la novela goza de buena fama y es una delicia sumergirse en sus páginas, la película se convierte en un producto mucho más completo y complejo gracias a que la linealidad del argumento y  la exigua acción permiten que la riqueza  extraordinaria de miradas, gestos, silencios y emociones de unos actores en estado de gracia engrandezcan la obra en su conjunto (deberian venderse en las librerías en forma de pack, libro y dvd, con la indicación de leer primero el libro y ver después la película: el mejor vino para el final).

Y eso no solo es recomendable sino que es lógicoy coherente ya que esta película es quizá la más valiosa aportación del cine al amor a los libros y la literatura que se ha dado en las pantallas desde hace más de 50 años. "La carta final" no es sólo una historia de amor entre personas, la escritora yanqui y el librero, inglés hasta las cejas, (Anne Bancroft y Anthony Hopkins) que jamás llegan a verse físicamente, sino que es una de las más bellas, dinámicas, divertidas y sugerentes loas de amor al libro como  objeto, a la lectura y a las bibliotecas y librerías de las que he podido disfruutar en mis largos años de lector y cinéfilo. Este canto de amor al inmarchitable mejor amigo del ser humano (que me perdonen los perros, hablo del libro) se convierte en epifanía en la correspondencia que intercambian la escritora y el librero sobre los ejemplares de clásicos ingleses que aquélla pide desde Nueva York. Las secuencias en las que esta gran Anne B. recibe el primer envío de los libros solitados, su manera de acariciar la portada, oler el libro, pasar las hojas y todo ello con una cara de sonriente arrobo, figura en el acervo cultural de todos los que amamos los libros. Como ese momento delicioso en el que la escritora confiesa a su corresponsal londinense, (un Hopkins lleno de sensibilidad, emoción contenida, silencios y miradas llenas de alma, una interpretación ascética y llena de matices) que le apasionan los libros que han sido dedicados, que están llenos de notas personales del lector o subrayados significativamente, "establezco una especie de complicidad y camaradería con el desconocido que poseyó primero el libro", dice sonriendo.

No me extraña que el director y actor Mel Brooks (marido de la Brankfortt) que aquí hace labores de producción, le regalara a su esposa la compra de los derechos de la novela para llevarla al cine y encargara a David Jones que dirigiera la cinta con su esposa como protagonista. Todo el entusiasmo encantador de la actriz parece en cada secuencia ser una respuesta de agradecimiento y amor hacia su marido a través de los libros y el cine. Sin olvidar que estuvo durante muchos años interpretándola en los escenarios.

Por cierto en los años en los que leí la novela y luego vi la película, fui a Londres por motivos profesionales y me precipité en dos direcciones de la ciudad:, el 221 B de Baker Street (hogar de Sherlock Holmes) y el 84 de Charing Cross. Como se dice una y otra vez en la pelicula (cuando la escritora logra al fin, pero tarde para conocer a su amigo, ir a Londres) uno encuentra en la capital del Támesis lo que busca allí: literatura si es el caso.  A Sherlock y al doctor Watson se le "huele" en el museo recoleto allí creado, pero a Frank Doel, el conmovedor librero al que Hopkins da vida y corazón, no se le encuentra en el pub que ocupa esa dirección (aunque hay una placa que reconoce que allí mismo habia existido una librería).

Helene Hanff  tenía 33 años cuando decidió contestar a un anuncio de la librería londinense Marc and Co para solicitarle ejemplares de clásicos ingleses y rarezas de bibliófilos cuyos precios en Estados Unidos estaban fuera de su alcance (era guionista de radio y escribía obras de teatro, su suerte cambió cuando comenzó a escribir guiones para la incipiente televisión). Su pasión por la lectura y los libros fue el detonante de una correspondencia de más de veinte años con el librero y despyés con otros empleados de la librería, a los que llegó a surtir de alimentos en fechas especiales (navidad) en una época en que los ingleses estaban sometidos a cartas de racionamiento tras la segunda guerra mundial.

En 1970 la escritora convirtió en libro aquella correspondencia y comenzó uno de esos raros fenómenos que se dan en la literatura: aparición y primeras ventas discretas del libro y poco a poco, gracias al eficaz boca-oreja literario, exito rotundo y duradero que enriqueció a la escritora y le pemitió vivir sin estrecheces hasta su fallecimiento en 1997, con 81 años.

No se pierdan a la actriz que da vida a la esposa de Frank Doel, el librero. Ni más ni menos que una ya madura Judi Dench, muy lejos de la gran jefe del MI-7 en la serie de Bond y de la reina Elizabeth o Victoria que a ambas ha interpretado. En diciembre de 1968, el real Frank Doel fallece de una peritonitis, un poco antes de que la escritora pudiera al fin cumplir su sueño de viajar a Londres y conocer la capital donde tomaban cuerpo los libros y los autores que tanto admiraba y también la librería que había sido su séptimo cielo durante veinte años.

  Volver a disfrutar con D'Ártagnan, la astucia del cardenal Richelieu, los tres mosqueteros Athos, Portos y Aramis, la bella Constance, la reina y sus joyas, el recalcitrante inglés, duque de Buckingham, y la portentosa maldad femenina de Milady de Winter, es un valor seguro de cara a la taquilla. El problema está en cómo superar la clásica de George Sidney de 1948, en rabioso tecnicolor y un Gene Kelly-D' Artagnan que nunca tuvo rostro tan pícaro y cuerpo tan flexible, una "mala" LanaTurner que bordó a Milady y un siniestro pero refinado Vincent Price como cardenal.

De entrada ya les decimos que al parecer de este critico, ésta versión de Paul W. Anderson no lo ha logrado.

Pero es que tampoco se ha acercado mucho a la versión del clásico que firmó el gran Richard Lester en 1973 y que fue tan ambiciosa y tan minuciosa que dio metraje para tres partes, "Los tres mosqueteros: los diamantes de la reina" y "La venganza de Milady" (1974) y un epígono "El regreso de los mosqueteros" en 1989, que fue la despedida de Lester y una película con mal fario en la que murió uno de los actores protagonistas (el que hacía el papel del criado de D' Artagnan, Planchet, en  las tres películas) al caer de un caballo.En esta ocasión se daban cita actores como Michael York en el papel del gascón, Richard Chamberlain, Oliver Reed y Frank Finlay como mosqueteros, un soberbio Charlton Heston como Richelieu, el más majestuoso y digno de todos los que han encarnado ese papel y un irrepetible Christopher Lee como el malvado Rochefort. Tampoco la actual la supera. En 1993 Stephen Herek se atreve con otra versión, la más floja de todas, con Charlie Sheen, Kiefer Sutherland, Chris O'Donell y Tim Curry. A esta si la supera.

Y en este año 2011 de nuestro señor, alentado quizá por el merecido éxito (aunque discutido por los amantes del personaje literario, que tan excelentes versiones clásicas ha merecido) de la versión de Sherlock Holmes de Guy Ritchie, Paul W.S. Anderson dirige la enésima versión del clásico de Dumas y emplea el mismo criterio que Ritchie con el detective inglés: la modernidad del mito a través de la recreación virtual de un ambiente histórico y geográfico y la dinamización irreverente pero dinámica del personaje ajustándose a los criterios de la generación del video-clip y los increíbles juegos por ordenador.

Por tanto nadie espere más del señor Anderson que, justamente, es el responsable de titulos como "Mortal Kombat" y "Resident Evil" que antes de ser peliculas fueron juegos de ordenador.

Ya desde el principio de la cinta, en Venecia, en donde tras lograr unos planos de una máquina de guerra diseñada por Loenardo y guardados en un lugar secreto al estilo del Código Da Vinci, cuando los mosqueteros son traicionados por la bella Milady (atlética-demasiado para su personaje- y bellísima Milla Jovovich) a favor del Duque de Buckingham, (en esta versión, amoral petrimetre con los rasgos de Ornaldo Bloom) vemos por donde van a ir los tiros: el vino viejo en odres nuevos y con los cambios suficientes en el argumento para hacer más "moderna" la versión.

La magia del cine de ordenador nos llevan a un Paris de la época más creíble que los de todas las anteriores y a un Richelieu que parece una sombra taimada del soberbio jerarca nazi  de "Malditos bastardos" interpretado por el mismo actor: Christoph Waltz. El joven Logan Lerman, da cuerpo a un nada convincente D' Artagnan (pero eso sí, da el aspecto en edad y el comportamiento que debía tener el personaje en la novela, según Dumas). Los mosqueteros tiene los rostros de Mattew Mcfayden, Ray Stevenson y Luke Evans, aunque no logran ni emocionarnos ni interesarnos demasiado (parecen más un  grupo de colegas de un "Resacón" que tres mosqueteros con sus dramas personales a cuestas). El sobrio Mads Mikkelsen (el malo malísimo de 007 Casino Royale) hace un correcto Rochefort.

La ambición de nuestro director es obvia: acción y dinamismo a tope, peleas bien filmadas al estilo arte marcial, artilugios poco probables en la época y un aire contemporáneo a pesar de casacas, espadas y miriñaques. A los niños y adolescentes les encantará. También a los adultos con alma de niño y formación en videojuegos, mientras que los cinéfilos y los amantes de la novela torcerán un poco el gesto.

Anderson logra contagiar al espectador con esa propuesta de todo vale si logramos divertirles; y así se atreve a incluir en la historia artefactos voladores muy bien recreados y un aire de comedia relativa - sobre todo en la sobreactuación de Freddie Fox  como el joven Luis XIII--, que nos hace sospechar que los actores en muchos momentos se divierten con lo que hacen, por supuesto sin creerse una palabra ni esperar que la película pase a la historia del cine. No hay pues altibajos, momentos de decaimiento fílmico, ni errores de ritmo, la cosa fluye  en 3D, a la marcha de un tren expreso, sin detenerse en emociones ni sentimientos, todo como una gigantesca broma. 

Pero en todo caso una broma que divierte y que, estén seguros, tendrá secuelas.

He aquí un buen documental biográfico. Como dice el propio director, Juan Manuel Cotelo, dotado de una rara naturalidad y convicción, en una de sus intervenciones directamente ante la cámara, "hacer una película donde en vez de sacrificar -crucificar dice él- a un sacerdote, se le ensalza condena irremisiblemente al fracaso a una película. No obstante me voy a arriesgar y es porque la persona sobre la que he investigado y que es el protagonista de esta película es un sacerdote ejemplar en muchos aspectos. Ustedes verán. Si les parece que no tengo razón, sálganse del cine o apaguen el DVD y digan  a sus amigos que no vean esta película. Pero estoy seguro de que no van a hacer tal cosa". Cotelo mira directamente a la cámara y lo que dice suena a algo creíble y lo que vemos en su cara y en sus ojos lo corrobora. Es un buen reclamo...uno de los mejores que he visto en cine.

Pues bien, nos sentamos cómodos y vamos a pasar algo más de una hora pendientes de este documental rodado con ortodoxia y sin ningún tipo de excentricidades, casi de puntillas y con una sonrisa de disculpa. Interesa más de quién hablan, parecen decirnos, que cómo lo hacemos. Pero, además, lo hacen muy correctamente. ¿Y de quién hablan? Del sacerdote Pablo Domínguez Prieto.

No tenía ni idea de quién es ese sacerdote. Me muevo lejos de los círculos clericales y mis relaciones con la Iglesia católica son inexistentes (sólo me relaciono ocasionalmente con mi maestra zen, Berta, que además es monja católica). La primera noticia la tuve por un montañero que comparte conmigo muchas salidas y un amor absoluto hacia las cimas, fue en febrero de 2009. Me habló de un montañero amigo suyo que había muerto en el Moncayo junto a una amiga también montañera, en una de esas jornadas luctuosas que sobre todo en invierno suelen asolar a la comunidad de las mochilas y las cumbres.

Dias antes de esa conversación, había visto en un telediario la noticia de las dos muertes y las labores de rescate de los cuerpos. En la prensa me enteré de quién era Pablo Dominguez y casi dos años mas tarde me sentí atraido por el titulo de una pelicula, "La última cima" (suelo ver todo lo que cae en mis manos de cine de montaña) y descubrí que hablaba sobre Pablo. En fin, el destino parecía indicarme que debía verla. Y lo hice. "Pablo Domínguez era el decano de la Facultad de Teología San Dámaso de Madrid cuando murió y tenía 42 años. Había estado impartiendo unos ejercicios espirituales a las monjas cistercienses del convento de Tulebras, a diez kilómetros de Tarazona, y decidió no regresar a Madrid sin ascender al Moncayo, cosa que hizo acompañado de la montañera Sara de Jesús Gómez, cirujana de 37 años y profesora en la Universidad Francisco de Vitoria, que falleció también en ese mismo accidente".

El documental de Cotelo va pasando de una persona a otra, familiares y amigos de Pablo, superiores religiosos, fotografías comentadas de sus viajes y de sus subidas montañeras, testimonios auditivos de conferencias pronunciadas por ese hombre que cautiva con su sinceridad y sencillez. Uno compueba el alcance de su inteligencia, con una personalidad brillante, simpática, sugestiva,  una de esas personas convencida de sus ideas, pero respetuoso con las diferencias, escasamente proselitista aunque sin ocultar su fervor religioso (punto en el que, a los que no estamos en esa honda, no nos interesaría sino viéramos que forma parte de la coherencia interna de un hombre desusadamente completo en sí mismo).

Quizá -para mi humilde y personalísima opinión- sobren los excursos en los que se evidencia el interés del director de extrapolar la figura de Pablo a un universalismo del sacerdocio en el siglo XXI, en un momento en que el papel de la Iglesia y muchos de sus ministros está cuestionada en términos de escándalos (no mayores que los que atañen a la sociedad política, por supuesto). El oportunismo de los medios de información para hacer leña del arbol caido en el caso de la Iglesia supone, en su exceso, un agravio comparativo respecto a los semejantes y aun más graves casos que atañen a la clase política. Por tanto algo de razón hay en esta defensa oportunista que Cotelo hace de la clase sacerdotal aprovechando el contexto ejemplar de Pablo.

La película es dinámica, provocadora, con vocación de sinceridad y de no manipulación, suena a menudo a homilía --otro de sus pequeños defectos-- pero lo cierto es que la fuerza del protagonista acaba restando importancia a esos deslices (repito, en mi opinión). Las recreaciones de la figura de Pablo son flojísimas, casi de video escolar (sorprende, dada la calidad del conjunto) y uno le diría a Cotelo que debería haberse atrevido a montar secuencias con un actor).

Parece ser que las últimas palabras que se conocen de Pablo fue un registro de móvil donde decía "he llegado a la cima". Ese debería ser la mejor inscripción en la tumba de un montañero. Y sin nos apuramos, de cualquier hijo de vecino. Al funeral de Pablo acudieron más de 3000 personas y 20 obispos.

Nota bene: como cinéfilo, permítanme una broma: también James Cagney ("El enemigo público número uno") grita antes de morir: "Mom (Mamá), he llegado a la cima". Estoy convencido que hasta Pablo se hubiera reído con la coincidencia.

La verdad es que tener a Ricardo Darin ("Nueve reinas", "El secreto de sus ojos" o "El hijo de la novia", entre más de cuarenta títulos) como protagonista de una película suele ser garantía de una interpretación de una naturalidad y eficacia pasmosas. En esta ocasión "Un cuento chino", el ingenio del argumento y los secundarios que dan réplica a Darin, principalmente el co-protagonista el chino Ignacio Huang y la chica de la función, la deliciosa Muriel Santa Ana, bordan una historia, un "cuento chino", que desborda veracidad, ritmo magnífico y una solidez argumental, forjada con pequeños detalles, miradas y gestos de una sobriedad ejemplar y la corriente subterránea -que aflora de vez en cuando-- de una humanidad enternecedora.

El argentino Sebastián Borensztein firma, que yo sepa, su primer largometraje y lo hace con una solvencia sorprendente. Desde la primera secuencia que deja boquiabierto al espectador (sucede en China) a la siguiente secuencia de engarce (en Buenos Aires) en la que la cámara está boca abajo como corresponde a las antípodas y se pone lentamente al derecho, hasta los créditos del final (ojo, el espectador debe esperar a que se sucedan los créditos si quiere gozar de una sorpresa añadida), el filme cabalga con maestría consumada entre el drama, la comedia, la película psicológica o una secuencia policial, sin permitir que el espectador se de cuenta si su asiento es incómodo o no y énternediéndose ante el patetismo del protagonista, complejo, amargado, irritante y profundamente humano, tierno y desvalido, como un ogro gruñón al que le gusten las hadas y le tenga miedo al amor. Un personaje que parece surgido de la pluma de Borges, el tintero de Cortázar y la mano de Bioy Casares: huraño, maniático, neurótico hasta la extenuación ( dueño de una ferretería, cuenta los clavos de una caja para asegurarse que el número de clavos que figura en el envoltorio es el correcto), rutinario hasta la desesperación y con un solo hobby: recortar de periodicos atrasados las noticias que narran algo increíble, chusco y sorprendente, para despues pegarlas en un álbum. Ex combatiente en las Malvins, con todo lo que supone de humillación y debacle ideológica, es también un hombre firme en sus convicciones, recto, justo, que abomina de los abusos y de la falta de honestidad que le rodean.

Hay que estar atento porque no hay ni un solo detalle de los que se nos van narrando que no tenga una importancia capital en el desenlace de la película. Como por ejemplo la ayuda que Darín presta a un chino que no sabe hablar más que su idioma y que ha encontrado en plena calle tras ser desvalijado por un taxista desaprensivo. El joven chino acaba formando parte de la vida de Roberto (asi se llama el protagonista) a regañadientes de este, un misántropo que huye de la compañía, y del amor, porque quiere creer que no los necesita.

No les cuento más. Piensen que el chino, las manías de Roberto, su bondad estrangulada por su aspereza y la presencia de la joven vecina que le ama serán determinantes en el desarrollo de la película, que se va demorando con los conflictos domésticos entre el joven chino y su irascible anfitrión a la fuerza, la búsqueda de los parientes del chino para que se hagan cargo de él, toda una serie de dificultades que van haciendo surgir lentamente una especie de identidad emocional que ablanda a Roberto y le hace replantearse su vida.

Película llena de sorpresas, de humanidad y de ternura, de humor y de un medido drama íntimo que convierte a los personajes en personas, a pesar de lo absurdo y casi disparatado de la propuesta inicial (aunque desde el principio se nos advierte que la película está basada en un hecho real).