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 Llevo tiempo pensando que Jason Statham es mucho más que un cachas especializado en repartir mamporros y hacer piruetas gimnásticas del alto riesgo: siempre hay en sus actuaciones un punto de humor, de autoparodia, de  ironía descreída y socarrona que merecería que algún director le mirara más allá de sus músculos y le permitiera actuar de verdad.

Desgraciadamente en "Asesinos de élite" el listón está demasiado bajo para él, lo cual no es de extrañar si vemos a sus compañeros de reparto, Robert de Niro y Clive Owen. Un auténtico lujo que queda, la verdad bastante diluido en la previsibilidad dinámica,  enloquecedora, de la trama de este thriller encajonado en la variante "servicios secretos muy especiales-colegas-rescate".

Jason es aqui un exmiembro de las Fuerzas Especiales británicas que se retira y al que le obligan a volver sus antiguos colegas para rescatar a uno de ellos --un descafeinado De Niro, mentor del protagonista, que parece mirar a la cámara y susurrarle: "hay que ver lo que he de hacer para comer cada dia"-- que está encerrado por un jeque en un país arabe hasta que Jason elimine a otros miembros de las Fuerzas británicas que habian participado en una operación en la que mataron a dos hijos del jeque. Otro miembro del SAS, Clive Owen con un look poco favorecedor de tuerto malhumorado, tratara de impedir que siga matando a sus compañeros. El director, Gary McKendry, logra dar tal dinamismo a su no muy original oferta, que uno ve la película con cierto placer (siempre suponiendo que les guste los thriller de acción y de trama paranoide enrevesada, con malos-malos, malos-buenos, buenos-malos y un bueno-bueno). La cosa  se nos vende con la dudosa etiqueta de "basada en un hecho real" como si eso fuera un pasaporte hacia la calidad y nos habla de los años 80 en un guiño innecesario, ya que lo unico que les separa de lo actual es que no hay moviles.

Todo suena a tan lejano, legendario y mítico como a los antiguos debería sonarles los lios del Olimpo, con dioses llenos de defectos que se incordiaban entre ellos y fastidiaban a los mortales. Ese mundo paralelo de los agentes mortales, de las grandes conspiraciones, de las agencias ocultas, parece coexistir casi sin cruce con el mundo real y asi cumple su papel de compensación mítica de la realidad casi siempre monocorde, rutinaria y aburrida del común de los mortales.

En resumen, excelente peli para ver, bien surtido de palomitas y refresco.

Acudí al Romea a la cita con "Qui té por de Virginia Woolf?" de Edward Albee que, por una curiosa casualidad repite en los escenarios barceloneses con "Un delicado equilibrio". Como a mi admirado Marcos Ordóñez, la violencia constante y la tensión destructiva de Martha y George en algo más de tres horas (podada hasta una hora y media por el director Daniel Veronese, gracias a Talía) en todas las ocasiones en las que la he visto me ha causado un defensivo dolor de cabeza y un renovado amor hacia mi esposa que nunca ha dejado de rodearme de cariño, educación y amabilidad.

Desde el comienzo de la obra, en ese hogar desordenado en el que Martha (hija del director de la Universidad donde trabaja su marido) y su marido George, (profesor de historia que comparte con su mujer un inmoderado apetito de alcohol) esperan la llegada de otro matrimonio, Nick y Honey, lanzándose amenazas y reproches a la cara, hasta el pugilato en el que involucran a sus invitados nada más llegar. En una velada angustiosa y que se nos hace eterna, los cuatro personajes torturados y desequilibrados por diferentes razones, juegan un  juego dialéctico mórbido y cruel que mantiene al espectador entre la angustia y la atracción, entre el rechazo y la fascinación.

Emma Vilarasau, nos ofrece una Martha agresiva, mezquina, sin piedad, aunque ligeramente menos vulgar que su homóloga en el cine, Liz Taylor (lo cual en este caso no es recomendable: cuanto más vulgar, mejor). Sin embargo Pere Arquillué no tiene nada que envidiar a Richard Burton. De verdad, no es exageración. Hacia tiempo que no veía a un actor tan sereno, intencionado, duro y al tiempo paciente y maquiavélico en su crueldad elegante y sutil. Mireia Aixalá e Ivan Benet cumplen sus cometidos como Nick y Honey, sin llegar a hacer sombra a sus compañeros de escenario.

Cuando empezamos a conocer los entresijos de las actitudes y comportamientos de la pareja visitante, el deseo de medrar del profesor Nick, el embarazo irreal que le obliga a casarse con Honey, el histerismo de ésta, los ataques  de Martha a George acusándole de haberse casado con ella por interés y su vulgar intento de seducción sobre Nick para humillar a su marido, van llevando la obra al paroxismo del último acto.

Aquí se desvelan algunos de los misterios esbozados, el "tema tabú" que George trata de evitar y Martha irreflexivamente saca a colación desde el principio: el hijo ausente. A principio del último acto George habla de un telegrama "recién llegado" en el que se les avisa de la muerte del hijo. Este es el fin del juego peligroso planteado, en el que Martha se ha acostado con Nick y George desvela que el hijo era una invención de la pareja, con el que escondían sus frustración de no haber llegado a tener un hijo o quizá un patético nexo de unión que les puede ayudar a no desbocarse por el precipicio del odio y la frustración.

Quizá por un reparo de cara al publico, Albee no termina la obra con un portazo que indica el final del matrimonio, sino que introduce un sutil elemento que hace suponer que aun hay esperanza entre Martha y George. 

 La visión crítica, desengañada y cruel que Albee hace de los dos matrimonios "tipo" norteamericano de la clase media, ampliable al conjunto de la sociedad, provocó sarpullidos porque tocaba algo que podría llamarse "un mal nacional" (aunque yo creo que es universal): la hipocresía, la falta profunda de ética, el engaño sexual institucionalizados en la pareja.

Si no pueden ir al Romea para disfrutar, teatralmente claro está, de la soberbia Virginia Woolf de Daniel Veronese, les aconsejo que rescaten en cualquier videoclub la pelicula  de Mike Nichols (1966) del mismo titulo, interpretada por Liz Taylor, Richard Burton, George Segal y Sandy Dennis. El título es una parodia de la canción "Quién teme al lobo feroz" de "Los tres cerditos" de Disney. La pelicula recibió 15 nominaciones al Oscar y obtuvo cinco, entre ellas las de mejor guión y mejor actriz.

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Afrontrar un nueva película del realizador danés Lars von Trier, después de su controvertido "Antichrist" (2009) y tras sus lamentables declaraciones pro-Hitler en el último festival de Cannes (que provocó un escándalo que estuvo a punto de condenar su película "Melancolía" al ostracismo) hace buena aquella aseveración de que nunca hay que confundir al creador con la persona, al director visionario y espectacular con el sujeto deslenguado y provocador, incluso estúpido, que parece ser o que a veces se comporta como tal.

Me ha costado reflexionar un par de días sobre la película antes de separar mi rechazo inicial por un juicio más objetivo y profesional que se resumiría en un notable alto para esta película desasosegante que no deja indiferente a nadie y que tiene una belleza formal que atrapa al espectador en un torrente de imágenes bellísimas, rodadas con maestría y dotadas de una banda sonora espectacular.

La película, repleta de simbolismos, me recuerda de alguna forma la estampa de Alberto Durero, "Melancolía" en la que un ángel parece esperar algo terrible en un ambiente lleno de objetos y escenas misteriosas. Con la música extremecedora del preludio de "Tristán e Isolda" de Wagner, Lars von Trier nos advierte de entrada que nos va a someter a una historia apocalíptica en la que lo que ocurre en esa mansión campestre, lujosa y llena de rincones maravillosos, tiene la misma importancia relativa que tenía para los burgueses encerrados en un salón, aterrorizados y prisioneros de algo invisible que parece tener la fuerza y el horror de la muerte, de la destrucción, del fin. Es la presencia invisible de "El ángel exterminador" del maestro Buñuel.

Dividida en dos partes, la primera centrada en la boda de la genial e irritante Kirsten Dunst, atenazada por una depresión definitiva que la postra hasta extremos de anulación y la segunda en la figura de su hermana (una Charlotte Gainsborourg, verdaderamente fastuosa). Como en Buñuel, estamos ante un círculo cerrado, un ambiente constreñido a los bellos parajes de la finca campestre de lujo, pero sobre los que flota una amenaza que se va concretando en la segunda parte de la película: la cercanía de un pequeño planeta, llamado Melancolía, cuya órbita marca un rumbo de posible colisión con la Tierra. Es el Armaguedon, pero no hay ningun héroe, ningún ingenio nuclear que pueda desviar la fatal singladura exterminadora del planeta.

El melodrama está servido, con su final cósmico. La feroz critica a la clase alta, contrapunteada por la bellísima trasposición entre imagenes reales y cuadros como los de Pieter Bruegel o la "Ophelia" de John Everett Millais: el apocalipsis total frente al agudo drama personal de las dos hermanas:Justine y Claire. La primera puro instinto, rechazo a las convenciones y desorientación, la segunda, partícipe del orden y la educación social, la clase y la convención de los sentimientos. La primera llegando a sintonizar intuitivamente con el caos que se avecina y la otra rechazando el fin y aceptando su condena como víctima impotente. El discurso es demoledor: no hay nada constructivo, no hay perdón ni redención, sólo la muerte que llega del cielo, inclemente y sin refugio posible: ante eso no hay convenciones, no hay sentimientos, no hay nada. Sólo resignación y soledad animal.

Todo ello servido con unas imágenes deslumbrantes que parecen acentuar irónicamente lo indefectible del final, la relatividad de los constructos sociales o sentimentales cuando lo que está en juego es el fin abosluto, la extinción de todo cuanto existe. Es ese el correlato que hace en la película una oferta politicamente incorrecta: nada tiene importancia ante el fin, pero tampoco nada ha tenido valor en la existencia de nuestro planeta, ni Shakespeare, Ni Mozart, ni Cervantes, ni Wagner, ni Picasso ni Velázquez, puesto que todo va a desaparecer sin dejar ni una sola molécula identificativa. Es algo que parece anunciar la depresión de la protagonista y que deja una carga de profundidad en la especie humana, que se convierte en un accidente fortuito, una experiencia cósmica que va a desaparecer para siempre.

Magnífico Kiefer Sutherland como el acaudalado marido de Claire, el refugio y la seguridad de la familia, que es la primera víctima del planeta al ser incapaz de aceptar la inutilidad de cualquier esfuerzo para evitarlo y el hundimiento de sus esperanzas. Pues "Melancolía" es, antes que nada, el fin de cualquier esperanza antropocentrica. Parece que lo único razonable es actuar como los caballos de las cuadras de la mansión, rebeldes  y asustados en principio y que cuando está llegando el final se calman y se disponen a morir tranquilamente. La metáfora está planteada como un "huis closs", un recinto cerrado, la mansión, donde los dramas personales de sus habitantes huyen de toda generalización y los personajes asumen la tragedia cósmica desde un enfoque doméstico.

Nada pues de escenas apocalípticas, de grandes ciudades devastadas, de pánico humano generalizado: todo se nos presenta bajo la óptica de un hombre que confía en que el planeta pase de largo como aseguran los científicos, su esposa, su hijo y su cuñada visionaria y depresiva que parece renacer ante la cercanía del fin y parece contagiarse del nombre y la sensación que evoca: una melancolía sin esperanza.

Lars von Trier nos guiña un ojo y vemos el irónico y burlón gesto cuando reflexionamos sobre la pelicula. Entendemos al final toda la vacía y demoledora muestra social que nos presenta en la primera parte, las secuencias de la boda de Justine. Comprendemos lo que nos quiere decir el realizador danés: el mundo va a acabarse, pero la mayoría de los seres humanos, de los que nos muestra son un ejemplo, ya llevan tiempo acabados anímica y psicologicamente, son actores de una farsa, miembros de una sociedad, un mundo, que apenas tiene esperanzas de mejora.

John Hurt, la inmensa Charlotte Ramplling, Udo Kier, y Jesper Christensen dan vida a otros personajes que desaparecen ya en la segunda parte, cuando ya la trama se reduce a la familia.  Más de dos horas de narración en las que el espectador se siente atrapado entre el rechazo hipnótico a lo que ve y la fascinación de la belleza en el cómo se lo cuentan. Una propuesta, pues, en la que la fuerza y la violencia interior de los personajes, la peligrosa apatía en la que caen algunos, resalta ante el lirismo bellamente fotografiado de muchas de las secuencias.

Una película que dejará recuerdo imborrable en la sensibilidad de casi todos los que superen el rechazo que en principio logra provocar Lars von Trier.