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  Cualquier tiempo pasado fue mejor. Con la guerra fría espiábamos mejor, todo estaba más claro, los buenos y los malos. Estos tiempos han cargado de comillas las calificaciones morales (aunque olvidemos que siempre ha habido comillas en esas calificaciones). En la versión ajustadísima y respetuosa de la novela de Le Carré que hace Tomas Alfredson, recuperamos el nostálgico sabor de cuando el Circus era el centro neurálgico del espionaje occidental y Karla su maquiavélica réplica rusa.

Película de tibiezas y oscuridades matizadas, el mundo delicadamente cruel del universo de Le Carré, oficiado por un George Smiley (magnífico Gary Oldman) cansado, retirado y estoico, renueva una vez más la dureza del mundo de los espías y de la llamada "inteligencia", de sus miserias y poder obsceno, de sus errores humanos y debilidades miserables, de sus heroicidades ocultas y rutinaria mediocridad, y uno no puede dejar de rememorar las lecturas del maestro Greene y más lejos, del Maugham del "Agente secreto".

Se palpa el respeto literario por el personaje de Le Carré no sólo en la austera interpretación de Oldman sino en la parafernalia del Circus donde el poder camina por la cuerda floja de los intereses nacionales y el interesado ocultismo de las rivalidades entre los dos bloques. Hay un canto nostálgico al pasado que Smiley acota secamente en una secuencia junto a una excompañera de trabajo, sentimental y nostálgica, para recordar que entonces habia una guerra y la verdad es que también existe esa guerra en el momento que se nos narra, aunque larvada, subterránea e hipócrita.

Usando a menudo el flash back, Alfredson nos da pinceladas de aquél Circus de antaño, del juego de pasiones que entrañaba, de sus fiestas, sus traiciones y sus alianzas, sus relaciones amorosas, la homosexualidad de algunos y los heteros totalmente desmadrados, excepto el fiel y lamentable Smiley, enamorado de su mujer Ana, hasta el delirio masoquista. ¿Estaba todo más claro entonces? No parece dar esa impresión la película que acaba con un Smiley vuelto al trono, con una vacua sonrisa en un rostro que nunca sonrie. Hay en Smiley-Oldman una dureza y un dolor agazapado que se resuelven en silencios imperturbables, en una cierta incomodidad que se comunica al espectador, como si el veterano agente ya estuviera más allá del bien y del mal.

Los demás personajes van lidiando con la soledad y los sentimientos traicionados al ritmo de la musica hipnótica de Alberto Iglesias que dan un contrapunto inquietante a las secuencias, desde Budapest o Estambul hasta los pasillos desangelados y los despachos oscuros del Circus y terminando con una canción de Trenet orquestando el final de la nostalgia y el ajuste de cuentas.

La presencia del "topo" que va socavando el Circus en sus niveles más altos se va concretando en la intensa búsqueda de Smiley, trufada de recuerdos y pesares y lo hace como si nos lo contaran en la primera versión de la novela en los cines, que dista de 1979 o de la serie que facturó la BBC hace años que respetó el titulo original de Le Carre, "Tinker, tailor, soldier, spy" (Calderero, sastre, soldado, espía). Ese aire retro es un logro del director, el sueco Alfredson, que hace esperar con interés próximas realizaciones.

La amargura que destila la  victoria de Smiley se refuerza magistralmente en una penúltima secuencia, la del maduro agente entrando en su casa y descubriendo en el salon a su infiel esposa que ha regresado --culpable, y aún así, totalmente desconocida para el espectador-- al hogar y al matrimonio. Y que es aceptada, tras la crispación de la mano del Smiley-Oldman sobre la barandilla de la escalera al verla, con una caricia leve sobre el brazo de ella.

Así pues, nada mas lejos de la glamurosa presencia de Bond o de Bourne, nada de peleas olímpicas o artilugios perfectos: solo el mundo siniestro, mezquino y burocrático de las oficinas y despachos del Circus, sin un "M" poderoso e inmarchitable, sin permisos para matar, sin malos de cuento de niños sádicos, sólo funcionarios grises aunque elegantes que cometen demasiados errores.

Colin Firth, con su elegante y frio desparpajo, John Hurt, Toby Jones, Ciarán Hints, Tom Hardy, entre otros, complementan un reparto magnífico. Una estimable película que estimulará a los cinéfilos que no busquen en el cine la comercialidad y la brillantez aparente. Una película en suma que hay que ver tras leerse la soberbia novela de Le Carré. Una vez más.

Todo visto desde unos metros, sin que este genial director, permitiera que la camara se acercara. Alfredson reinventa el cine de espías por encima de las tramas y las complejidades de los servicios secretos, sus herramientas y sus héroes y sicarios. Nos devuelve el temblor de lo  humano y la profundidad de los sentimientos, de la forma más sobria y austera posible.

Tiene naturalmente sus detractores y los que tratan de minimizar un éxito a todas luces merecido, pero la impresión general que deja este filme, incluso o sobre todo a los cinéfilos, es que se trata de una gran película y que tanto el director Hazanavicius como el protagonista Jean Dujardin (una de las más perfectas y creativas creaciones miméticas, uno cree estar viendo al bailarín y actor norteamericano Gene Kelly redivivo) han rizado el rizo de la excelencia.

El director no ha tratado de "copiar" el cine de los años veinte, sino de realizar una propuesta muy inteligente sobre ese cine pionero pero con el reto del silencio como un inesperado y nada gratuito homenaje a aquél cine irrepetible. Es decir, planteamientos de hoy para un cine de ayer, aunando la actuación de actores en estado de gracia (con especial mención al citado Dujardin y en menor medida a Berenice Bejo y al siempre eficaz y sobrio John Goodman) con una puesta en escena magnífica y respetuosa, pero no con  afán de copia, insisto, sino de re-creación. Y esa voluntad de no imitar sino trascender es lo que hace de esta película un reto y un logro. Reto porque la apuesta era demasiado alta y corría peligro de quedarse en una silente nostalgia al estilo de "Cantando bajo la lluvia", "Inserts" o "El crepúsculo de los dioses" y tantas otras. Y un logro porque logra entretenernos con fuerza y conmovernos con profundidad usando una herramienta obsoleta, el silencio y la musica omnipresente.

Uno ve en el drama de ese actor que lucha contra el progreso y la realidad la historia de los Chaplin, Keaton, Fairbanks y tantos otros que quedaron en la cuneta del tiempo pasado mientras el cine pasaba a su lado en un incesante viaje hacia la modernidad.

La historia de amor entre el histórico actor maduro y la joven actriz que crece a tenor con el nuevo cine es el símbolo de una lucha incruenta que produjo muchas víctimas, aunque aquí se nos compense con un final feliz que debe haber puesto los dientes largos a Hollywood, una industria que ve como la vieja Europa se le adelanta en un homenaje sensacional al cine que ella inventó. Y Hazanavicius lo hace más difícil todavía, ya que evita las negruras éticas de Wilder y nos regala un drama vestido con el disfraz de la comedia, del humor y de la ternura. Hay mucho talento en ese director y mucho entusiasmo en todo el equipo que ha hecho posible esta película absolutamente necesaria.

No se pierdan, pues esta película, oberven con atención todas y cada una de sus secuencias, la pulcritud técnica, la fotografía en blanco y negro que recuerda la luminosidad del nitrato de plata, la excelente banda sonora... elementos todos que tampoco hacen olvidar, aunque si perdonar, el excesivo metraje, la previsibilidad argumental y algun que otro exceso de actuación.

Sin embargo la presencia mágica de Jean Dujardin, con su interpretación alucinante del gran actor del cine mudo, merece por si sola el visionado de este filme que, a pesar de haber conformado un hito en el cine de hoy, por su propia esencia creo que es irrepetible. Ha abierto una puerta efímera. Cualquier otro intento en este camino, sería reiteración.

 En 1910, nada menos, se fecha la primera versión que el cine daría de una novela sensible y algo lacrimógena de la mayor de las hermanas Brontë, ese fenómeno familiar literario que Inglaterra exporta como el roast beef y el puré de patatas o el fish and frites. Charlotte Bronte, como sus hermanas, de vida breve, publicó en 1847 esta novela, repitiendo el éxito que su hermana Emily obtuvo con "Cumbres borrascosas" ese mismo año.

Lo cierto es que la vida de la joven Jane Eyre (Mia Wasikovska, cada vez más sensible y ajustada a sus papeles) y su profundo amor por el irascible y terco

señor de la casa, Edward Rochester,  donde ejerce su cometido de institutriz  (Michael Fassbinder, muy lejos del Jung de "Un método peligroso" pero igualmente eficaz), sigue conmoviendo a los espectadores a pesar de dar la sensación inevitable de que ya nos conocemos de sobra la historia (una treintena de adaptaciones entre el cine y la televisión).

Por tanto para constituir de alguna manera una novedad deseable, el director Cary Fukunaga, debía ofrecernos un punto de vista nuevo, una forma de filmar distinta y novedosa, en fin algo que justificara pagar el precio de la entrada para volver a ver un clásico como este. Pues bien, a mi parecer Fukunaga, que mueve a sus dos excelentes actores y los secundarios con serena maestría y consigue una escenificación en ambiente y vestuarios realmente magnífica, logra su cometido: esta versión de Jane Eyre es, dentro de su consciente austeridad, una de las mas fieles que he visto al espíritu y la letra de la inmortal novela.

Sin hacer sombra a aquélla versión sobresaliente de Joan Fontaine y Orson Welles (1943), la actual logra ser "otra cosa" y no desmerecer en absoluto el nivel de su ilustre antecesora, muy por encima de la versión pomposa de Zeffirelli en 1996. Su fidelidad a los parámetros  de la novela es muy alentador. Quizá, como hombre de letras, suelo echar en falta unas fidelidades a las que con demasiada frecuencia vence el deseo de innovar o de dar una imagen actualizada y manipualada de una historia romántica que pide a gritos el blanco y negro resplandeciente de los años cuarenta y una cámara experta  en primeros planos. Un clasicismo respetuoso hay en Fukunaga, servido por una cámara subjetiva que acentúa la emocionalidad de lo que narra, alejándose de la frialdad de la puesta en escena habitual para tratar los clásicos literarios. Los personajes tienen dimensión y el espectador ve en los ojos de la Wasikowska, en los gestos de Fassbender una profundidad emotiva que carga de fuerza las secuencias. A no mucha distancia de la pareja protagonista, también están formidables los personajes encarnados por Jamie Bell y por la incombustible Judi Dench.

La dura historia personal  de Jane Eyre, con hincapié en el periodo que pasó en un horfanato (detalle autobiográfico de la Brontë) y la recta, invencible, digna e indomable  actitud que la muchacha toma ante los problemas que le rodean, los malos tratos y los intentos de humillarla o de arrebatarle su dignidad, van envolviendo al espectador en un ambiente sórdido pero brillantemente filmado, sin truculencias o dramatismos formales. Vale la pena, no se la pierdan. Y, si pueden, lean primero la novela. Comprenderán la razón de mi entusiasmo.

Nada más lejos de "El club de los poetas muertos" o aún más lejos de "Adios Mr. Chipps" y otras bienintencionadas peliculas sobre profesores maravillosos y alumnos malos-que-se vuelven-modélicos. Aquí, en "Bad teacher" se trata de una profesora, pero no de una Julie Christie empalagosa de familias Trapps o de Mary Poppins, sino de una mujer pasota, maligna, procaz, desinteresada en la enseñanza, insultante y odiosa con sus alumnos, bebedora y aficionada en demasía a las drogas y al sexo.

Cameron Diaz no ahorra detalles, se suelta el pelo de una malignidad fácil y gamberra y transita por la película con su cuerpo atractivo y un rostro en el que la edad comienza a dejar sus finas huellas. La actriz se deja de medias tintas, acepta que ha entrado en la edad de las rebajas de encanto y de los aumentos de signos de declive y se dispone a librar una batalla en busca de un marido que le libre de su trabajo de maestra, al que odia y para el que no siente aptitudes, excepto a la hora de hacer trampas y llevarse méritos pecuniarios.

Flanqueada por un Justin Timberlake, en un papel sencillamente idiota y un Jason Segel lleno de comicidad que trata de convencernos de que quiere a la Diaz para algo más que para un rollete, la actriz se hace con el control de esta poco correcta muestra del cine de colegios y enseñanzas, y así perpreta una de las primeras muestra de cine gamberrocolegial desde el lado del profesor, bastante original desde luego.

Dirige a esta desmadrada actriz un buen artesano de la comedia, Jake Kasdan que, como una vuelta de tuerca más de la irónica puesta en escena, hace que la profesora se autoredima por amor al final de la cinta y se convierta en una buena profesora (suena a chiste). Por lo tanto si un argumento sólido no es parte de la propuesta, ¿qué pretende Kasdan con su filme? No es la moraleja por supuesto. Es, creo yo, la suma de gamberradas de las que es capaz una actriz rompedora cuando debe ir dejando los papeles de sex symbol y decide reirse un poco de las comedias al uso. ¿Cómo? Pues simplemente asumiendo PARA SÍ MISMA UN TIPO DE PAPEL QUE HASTA AHORA SÓLO INTERPRETABAN LOS HOMBRES. Así de claro, amigos. Juerguista, trapacera, lujuriosa, bebedora, mendaz, maliciosa, todo lo subordina a la obtención de sus incorrectos fines y todo ello de una manera descarada, casi jactándose de ello, sin esconder nada, sin disimulo ni excusas. La caricatura es excesiva, sin adornos, brutal y descarada. Lástima que se queda en eso. Un director más sagaz (o quizá más libre, la alargada mano de Cameron Diaz puede estar en estas limitaciones) hubiera tratado de aprovechar el cáustico personaje para usarlo como trampolín crítico y poner en solfa desde el sistema educativo norteamericano, a los colleges, la educación familiar y social, los intereses creados y muchas más cuestiones que uno puede escoger en el mercado variable de los problemas existentes en torno a las dicotomías profesores-alumnos-colegios-familias-estado-politica.

Película que podía haber aspirado a más que a un recital de gamberradas realizadas por una actriz que demuestra la versatilidad de su oficio y llama la atención sobre el hecho de que es mucho más que una figura bonita, unas piernas espectaculares, unos ojos muy azules y una boca sensual. Y una edad en la que ya no puede ni debe competir con mujeres entre los 20 y los 30, según reza el mercado de la imagen física y sus lamentables leyes.

De vez en cuando el cine argentino produce unas películas de una calidad extraordinaria pero que, cosas del marketing --ese caro e imprescindible elemento que parecen poseer en exclusiva ,los norteamericanos-- y la publicidad, pasan por nuestras pantalas con más pena que gloria. Sin ir más lejos hablamos hace un par de semanas de esa joyita que se tituló "El vecino de al lado" y hoy nos acercamos otra cinta que despierta pasiones cinéfilas entre los que la vieron y la aconsejan.

Cine de bajo presupuesto y alta ambición y más que considerable calidad, la película de Carlos Sorin es una suerte de trhiller doméstico, de drama psicopatológico con encerrona incluida, de comedia negra en la que lo mínimo y baladí, lo cotidiano, deviene elemento trágico y nutre el imaginario del espectador.

El titulo declarativo y poco imaginativo redunda en la provocativa sencillez del argumento: Beatriz (Beatriz Spelzine, sencillamente arrebatadora) va a recoger a su marido a una clínica psiquiátrica donde fue encerrado a causa de una crisis psicótica, de la que sabemos muy poco excepto que atacó a un buen amigo y colaborador. El marido, Luis (Luis Luque, ajustado y escueto en su dificil papel, tan susceptible de excesos, que roza la excelencia en unas variadas y como casuales miradas a la cámara en algunos momentos, sobre todo al final de la cinta) es un profesor de universidad, un hombre maduro y muy pacífico excepto en su ataque psicótico, naturalmente, enamorado de su esposa (se insinúa en algún momento al final de la película que el motivo aparente del ataque son los celos) y de los libros. Cuando llegan a su hogar, Luis se acerca al gato de la familia, un animal por el que ambos sienten un gran afecto. El animal no solo rechaza a su antiguo amo sino que le ataca y le hiere en la mejilla. Luego, desaparece.

A partir de ese momento la trama, muy lenta, con una camara morosamente distraida en los detalles, en los gestos, en las miradas, va mostrándonos un día a día en el que el comportamiento de Luis es examinado por la preocupada esposa en todos sus detalles. Beatriz va cayendo en un estado de ansiedad en el que se suma algunos detalles excéntricos del comportamienrto de su marido (muy leves, casi ridículos, por ejemplo el ordenar la biblioteca por autores en lugar de por géneros) con la inexplicable ausencia del gato.

Y no les cuento más. Hay un desenlace totalmente inesperado en dos golpes de efecto y la sensación de que hemos asistido a una buena película. Aunque queda la  sensación de que el director ha estado empeñado en no levantar un vuelo demasiado alto, como si Sorin fuese consciente de la modestia de sus medios y los quisiera ajustar a unos posibles resultados que, a la postre, alcanzan un nivel superior al de la modestia.

El juego perverso que se ofrece al espectador con los sueños de Beatriz, los desenfoques y desencuadres de la cámara como elementos para intranquilizar la visión, tal vez sea lo más endeble, por fácil y previsible, de una apuesta cinematográfica de bastante valía. Los protagonistas, verdaderamente notables, sin que ninguno de los dos se dejaran caer por el tobogán del exceso (tan relacionado con las películas que entran en el desequilibrado universo de las psicopatologías. Por tanto una historia muy bien contada, con un cierto aire de Hitchcock y con una maestría resolutiva que no tiene mucho que envidiar al maestro británico. ¡Bien por el cine argentino, una vez más!