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Película infantil con pretensiones ecológicas y realización bienintencionada (Lorax: en busca de la trúfula perdida) sujeta a los parámetros del 3D, colores rabiosos, acción trepidante (en una secuencia incluso se parodia la musica archisabida de "Misión imposible") personajes arquetípicos, música rockera y argumento plano y previsible pero que encantará a los más pequeños...y encogerá de hombros a los padres acompañantes que celebrarán algún --pocos-- hallazgos imaginativos.

 Dirigida por Chris Renaud (el realizador de "Gru, mi villano favorito", del que coge prestados la factura del dibujo y algunos personajes, aunque está por debajo de ella en calidad y amplio sector de publico al que se dirige) la nueva realización del grupo Illumination Entertaiment --los dibujos de presentación son tan divertidos como el flexo saltarin de otra famosa productora-- tiene un  público limitado a los niños -pequeños- y sale más bien que mal de la adaptación de una célebre obra de Theodor Geisel (conocido como Dr.Seus), uno de los mitos literarios infantiles de la cultura popular norteamericana) poco o nada conocido en nuestro país y cuyo mensaje es diamantinamente claro: hay que respetar a los árboles. Todo ello envuelto en el vistoso celofán de caramelo fílmico, con la historia adolescente de un amor entre el protagonista y una chica del pueblo que ama los arboles...vivos, no de plástico como el malvado preboste del pueblo amurallado y rabiosamente artificial (un muñeco enano de cejas a lo Zapatero que en la versión original dobla Danny De Vito, vaya por Dios). La crítica irónica de los paraísos artificiales de espaldas a la Naturaleza (pero imitada continuamente con artilugios y paisajes tropicales de plástico), es ya una joven tradición en los dibujos animados, por ejemplo la troupe de "Madagascar" y otras muchas, aunque ninguna tan certera y genial como "Walle-e".

 Así pues resumamos: colorines a gogó, mensaje aleccionador a los más pequeños sobre la defensa de la naturaleza, pasajes musicales más o menos atractivos, personajes entrañables, tiernos y divertidos, todos en una amalgama de noventa minutos de acción y diversión infantil sin más pretensión que encandilar a los peques. De alguna forma es la versión algo gamberra y mucho más divertida y menos sentimentaloide de las pelis de Dysney de las generaciones anteriores. Y por lo menos echa un cuarto a espadas contra el capitalismo salvaje que está convirtiendo el planeta en un lugar con problemas...muy serios.

Estreno por todo lo alto, tras los temores de que las --muy justas-- reivindicaciones de los trabajadores del Gran teatro del bel canto en la Rambla barcelonesa impidiera la celebración de las sesiones dedicadas a la emblemática obra de Puccini. He tardado unos días en dar reseña del evento al que acudí un poco preocupado tras haber vivido aquél Shakespeare manipulado del que les hablé la pasada semana y saber por propia y amarga experiencia que el Liceo de los últimos tiempos permite demasiadas veces que las versiones "geniales" de obras clásicas disloquen irremediablemente el sentido y la belleza de tales joyas. Y no entremos en recordar ejemplos muy conocidos..

Sin embargo esta vez en el Liceo hemos disfrutado de una versión de grandes voces que además goza de una puesta en escena magnífica dirigida por Giancarlo del Mónaco y que se ha colocado en uno de los primeros puestos del ranking de las óperas presentadas en el Liceo durante los tres últimos años.

Ya era hora, dije en un susurro, al escuchar la primera aria de Rodolfo en el primer acto y comprobar que la buhardilla de los artistas parecía una buhardilla, no un platillo volante, los cantantes vestían como les tocaba dada la época y no trajes plastificados con bombillitas de colores y el Café Momus y las calles de Paris parecían muy reales y no circulaban hombres desnudos y mujeres en paños menores, nadie orinaba en ningun rincón del escenario, las relaciones sexuales no estaban al alcance de todos los ojos y oidos y los guardias no llevaban cascos nazis y amenazaban con metralletas o misiles. De verdad, qué alivio.

Una de las óperas más conocidas de todo el repertorio clásico se nos ofrecía con imaginación, sentido artístico, decorados espectaculares pero apropiados, movimientos escénicos humanos y no desgajados del argumento y las voces de artistas tan competentes como Ramón Vargas (Rodolfo), Gabriel Bermudez (Schaunard) Fiorenza Cidolins ( Mimi), Carlo Colombara (Colline), la sorprendente Ainoa Arteta (Musetta) entre otros intérpretes bastante correctos en general. Además funámbulos que no desmerecían el conjunto, malabaristas nada estomacantes, marionetas con sentido y zancudos sin exceso, integrando una escena de las calles de Paris con verdadero gusto y sentido coral. Magnifico. La orquesta, correcta como siempre, bajo la dirección de Victor Pablo Pérez, con escenografía y vestuario de Michael Scott.

Concebida como una obra del "verismo" la versión italiana del 'naturalismo' francés (que popularizó el escritor Émile Zola) la Boheme juega con un realismo atemperado, evidentemente, por los sentimientos, el amor y la amistad. Nadie espere una critica social "actualizada", un guiño a los "indignados", o un televisor gigante mostrándonos a la policía antidisturbios sacudiendo a Rodolfo y sus amigos por ser unos pobres indeseables que sabe Dios de qué vivirán. El libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica nos habla de la fragilidad de la felicidad y el bienestar en un mundo de miseria: cuatro jóvenes artistas viven esperando, entre el frio que apenas calma los orginales del escritor o del dramaturgo encendidos en la estufa, el hambre y la miseria, ese golpe de fortuna que les permita comer cada día, llevar buena ropa y vivir en un sitio decente. Y, lujo de los lujos, ser conocidos por su obra y cumplir de esa forma los sueños que cualquier persona pide realizar en su vida, entre ellos el amor. Cosa que a los protagonistas, Mimí y Rodolfo, la pobreza y la desgracia no les permiten. Ni siquiera pueden demasiado tiempo  la fugaz felicidad de su pasión.

 Es así y así lo vimos, sin añadidos, sin disfrazar la cursilería de ese amor condenado, respetando la letra y la música con las que concibió su ópera el gran Puccini, basándose en las "Scenes de la vie de boheme" del escritor Henri Murger. Casi dos horas de música inspirada y arias de una belleza insultante, a las que los largos entreactos del Liceo añaden casi una hora más.

Resumiendo, me siento reconciliado con el Liceo.

Película para los amantes del comic, las películas de la saga espacial y las aventuras basadas en libros juveniles. En este caso se trata de una ambiciosa y carísima versión, con superabundancia de efectos especiales, de una de las obras de Edgar Rice Burroughs "Una princesa de Marte". El creador de "Tarzán de los monos" también escribió novelas de ciencia ficción y entre ellas la que ha llevado a la pantalla  Andrew Stanton (el maravilloso director de esa joya del cine animado que fue "Walle-e"). En "John Carter" la ambición y el presupuesto son indirectamente proporcionales a la eficacia narrativa y el valor intrínseco cinematográfico de la película. El actor canadiense Taylor Kitsch (en general bastante soso, entre musculitos y Bruce Willis,) da vida al héroe de Burroughs (escritor que, por cierto, también está representado en la película (Daryl Sabara) , en un quiebro narrativo que no añade nada a la cinta).

 Desgraciadamente la película anda sobrada de todo excepto de la irreverencia y sentido del humor gamberro del original, cosa que le hubiera hecho mucha falta para salvarnos de cierto aburrimiento sólo paliado con algunos aislados aciertos, como el grotesco perro con figura de foca, los saltos kilométricos del héroe o la comicidad involuntaria de algunos personajes, incluidos los "cuatrobrazos colmilludos" a medio camino entre los larguiduchos de "La guerra de las galaxias, Episodio I" de George Lukas y los estilizados gigantes de "Avatar". La princesa, Lynn Collins, es hermosa pero su atractivo erótico en su relación con el héroe parece de lo peor que ha facturado la pacata Disney, mientras que las secuencias de acción y violencia están cercanas al bostezo y se resuelven son inesperadas rapideces o se vuelven pesadas y reiterativas.

Parece que el director ha olvidado aquello que nos mostró abundantemente en "Walle-e", ritmo, emoción, encanto, sentido de la ternura y la belleza...aquí todo es bastante plano, aunque se nos presente en 3D, y solo se salvan los paisajes marcianos y las secuencias iniciales del Oeste, el saloon y los calabozos del Séptimo de Caballería. Todo lo demás es insensato, repetitivo y, lo peor de todo, un poco aburrido. En el contexto actual del cine, con obras maestras en el género de aventuras espaciales,y de las otras, esta película no rebasa el listón de obra menor. Y no tendría importancia si no fuera porque ha tenido un prespuesto de obra mayor, muy mayor, y unas pretensiones de obra maestra inaugural. Y eso, ni lo roza.

Cogiendo la cita shakesperiana que marcó el derribo de la figura y el asesinato de la persona de César (un ciego premonitorio advierte al triunfal César, "Acuérdate de los idus de marzo", apuntándole la fecha en que será asesinado), un excelente George Clooney rescata al actor de "Drive", Ryan Gosling, con su estólido y magnífico rostro para sumergirnos en otra visión honesta y crítica de la política norteamericana. Muy en la admirable tradición  del cine de ese país de poner en solfa la política y a los políticos de la república sin pararse en barras, del presidente hacia abajo.

En esta ocasión Clooney, tan buen actor como siempre incluso cuando dirige él mismo, se pone en la piel del gobernador Morris, candidato en las primarias del Partido Demócrata para la carrera presidencial (se dice que Clooney congeló la realización de esta película tras la victoria de Obama y, ahora, tras el desencanto, la ha llevado a la pantalla).

Como suele hacer este  tipo, bastante apreciable en lo que hace, Clooney no es el protagonista de su película. Cede el listón a Gosling, como joven e idealista jefe de su campaña, para que este actorazo de rostro imperturbable y super expresivo en lo mínimo del gesto, se luzca en un proceso que le lleva del entusiasmo al desencanto, de una cierta ingenuidad inteligente al compromiso interesado. Es pues una historia de pérdida de inocencia política, con un añadido en forma de historia de amor que parece calcada de los líos del presidente Clinton con una becaria.

Para disfrute del espectador la película, además de un guión hábil e inteligente (para personas adultas), nos ofrece una lección de cómo los  principios políticos unidos a egoísmos, mentiras y traiciones, acaban forjando un estilo político detestable que traiciona aquellos principios esenciales que definen la democracia. Y si a ese corpus conceptual bien trabado se le añade el trabajo de actores de la talla citada arropados, por ejemplo, por  Paul Giamatti, uno de los mejores robaescenas que tiene ese cine (que interpreta al dudoso jefe de campaña del rival de Morris, que trata de "atraer" a Gosling a su equipo para provecho propio) o la calidez y desconcierto de Evan Rachel Woods haciendo el ingrato papel de la becaria entre el gran jefe y el delfín joven y crecientemente poderoso o a los eficaces Philipp Seymour Hoffman, Marisa Tomei (una periodista en busca del scoop caiga quien caiga) o Max Minguella.

Pero como debe ser en un trhiller politico que se precie, hay un secreto y hay que tomar decisiones en torno a ese secreto y esas decisiones y tomas de partido suelen implicar mentiras y traiciones a los demás y a uno mismo. Y ese es el dilema al que Clooney nos enfrenta a través de Ryan Gosling imprimiendo una fuerza destructiva moral al personaje, dotándolo de una enorme complejidad ética y humana.

Aparentemente no tan incisiva como "Buenas noches y buena suerte", en "Los idus de marzo" Clooney adapta la obra teatral "Farraguth North" de Beau Willimon, un escirtor que dejó de trabajar en la campaña electoral de Howard Dean e inmediatamente escribió la obra que constituyó un rotundo éxito. En ella se ponen al descubierto las triquiñuelas del mundo político, el quebrantamiento de la ley, el uso y abuso de privilegios, las manipulaciones del proceso democrático...todo fácil de entender, fácil de comprobar, fácil de identificar. No es de extrañar, pues, que la Academia de los Oscar volviera pudorosamente la vista hacia otro lado al valorar esta película para los preciados y poco justos premios. Saben que el efecto corrosivo del mensaje de la película de Clooney comienza cuando se encienden las luces de la sala.

La figura del candidato  de "Los idus..." esta alejado del que interpretó Robert Redford en los 80 (que reflejaba la ingenua honestidad y nobleza de alguien  que creía en la política) sino más cercano al político de "El escritor" de Polanski o al Nixon de "Todos los hombres del presidente"

Morris, el candidato Clooney, es un hombre que sigue los parámetros de popularidad, sencillez y claridad honesta, de un Obama, Clinton, Kennedy, incita más fe y entusiasmo que intereses oscuros y componendas, pero en él hay también una sombra, un lado oscuro. Y eso es lo que Clooney, director, nos muestra con apabullante y estremecedora claridad y provoca eso, miedo e impotencia ante el poder, omnipresente y casi omnicorrupto. Es decir un mensaje corrosivo porque muestra con lógica y con hechos algo que nos duele a todos: la politica ya no es una avctividad en servicio del pueblo, sino al servicio de intereses bastardos y la propia conveniencia y enriquecimiento. Y la pregunta es, ¿"es que alguna vez no fue así"?. Y desgraciadamente la respuesta podría ser, "Si, pero nunca tanto como ahora, ni tan extendido por todos los países". Y eso nos suena, ¿verdad? Cuando sale el "The end" en la pantalla, Clooney nos deja solos con una verdad detestable, con algo que pulveriza nuestra relacion con la politica. Y lo malo es que es real.

Película para amantes de los mitos, para forofos de la estrella prematuramente desaparecida, para nostálgicos de una época que no volverá a repetirse y para fanáticos de los misterios humano-históricos que no se han resuelto: ¿fue accidental la muerte de Marilyn? ¿cuál fue su autentica relación con los Kennedy y qué papel jugó en el trágico destino de los dos hermanos? ¿era tan inteligente como se dijo después o tan boba como se decía mientras existió? Para estos una advertencia: nada de lo dicho queda aclarado con el visionado de  "Mi semana con Marilyn"

Se trata de una cinta realizada ad major gloriam de la estrella y de su memoria. Recuerda bastante aquella comedia británica "Mi estrella preferida" en la que un joven auxiliar de una cadena de televisión debe lidiar durante unos días con una estrella de cine  --Peter O'Toole ni más ni menos-- envejecida, un héroe de otros tiempos, aguantando todas las locuras y caprichos de un Peter inolvidable, lleno de recursos y sabiduria interpretativa, siquiera interpretándose a sí mismo, como este actor solía hacer casi siempre (excepto en la celebérrima "Lawrence de Arabia").

Ya desde el principio se nos presenta la baza única de la película: la algo interesante "semejanza" entre la actriz Michele Williams y Marilyn MOnroe y los esfuerzos de aquélla por imitar todos los gestos, mohínes, carantoñas, movimientos,  dramas internos y externos, sensualidades varias de la icónica estrella. Lo cierto es que lo hace muy bien (no en vano aspiró al Oscar que al final se llevó la incombustible  Meryl Streep), pero en los mejores momentos de la imitación falta algo que todos los que hemos visto una y otra vez algunas de las interpretaciones de la Monroe detectamos de súbito: se trata de un elemento difícil de mensurar y mucho menos de describir. Es como una suerte de exhibicionismo sensual e inocente, como un gesto erótico de colegiala, inesperado y como involuntario, algo pícaro, que no parece destinado a seducirte, sino que aparece de forma espontánea y que, precisamente por eso, te seduce irremediablemente. Pues bien, señores, esto falta. A pesar de la radiante belleza de la Williams y su bien entrenada habilidad para tratar de ser Marilyn

La historia está basada en las memorias del escritor Colin Clark que en su juventud protagonizó una experiencia semejante cuando en Inglaterra se rodaba "El príncipe y la corista" (1957), con un Lawrence Olivier genial y pagado de sí mismo que competía con la estrella americana, la despreciaba y al tiempo la deseaba y trató de seducirla (infructuosamante). Kenneth Branagh compone un Olivier entre la comeddia de l'Arte y la bufonería del exceso, ante el que la Williams --ojo, no su representada, Marilyn-- juega un papel brillante de timideces y coquetería.

Todo transcurrre como una comedia de enredos (como una versión en color de "Vacaciones en Roma") y ni siquiera las evidencias dramáticas y aun traáicas de la vida cotidiana de la actriz, sus drogas, su inseguridad, sus matrimonios desgraciados --entre ellos con Arthur Miller, el de "La muerte de un viajante", quien jamás llegó a comprenderla y seguramente a satisfacerla-- su necesidad de afecto y su soledad, logran dar a la película la pátina de documento, incluso de homenaje, que se le quiere dar

Alguien da un consejo a Brannagh-Olivier sobre cómo relacionarse con la actriz, y le dice: "Acéptala como es y no tendrás problemas. Intenta cambiarla y te volverá loco". Pues eso es exactamente lo que ocurrió con la vida personal de la actriz y en plan paródico lo que ocurre con esta película: es imposible reflejarla tal como fue y por eso el resultado, aunque no nos vuelve locos, tampoco nos satisface.

Simon Curtis dirige con un ritmo poco logrado, con momentos lentos o acciones ralentizadas, aunque con un excelente equipo de producción. Eddye Redmayne logra dar verosimilitud a su atormentado y juvenil personaje (no debia costarle mucho mostrar su fascinación por la rubia y explosiva actriz), Branagh se muestra endiosado y cruel a partes iguales y entre las joyas de la corona brillan Judi Dench, cada día más segura de sí misma, Julia Ormond, Derek Jacobi (interpretándose una vez más a sí mismo) y Toby Jones que sigue comportándose como cuando "fue" Truman Capote o yo siempre le veo así.

Película menor sobre una actriz mayor y una persona desdichada.