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Quizá la mayor virtud de la obra que Carol López dirige en la sala Villarroel, "Res no tornarà  a ser com abans" sea la naturalidad de los diálogos, la gracia minimalista del montaje (un escenario donde los actores hacen su papel en cuatro espacios sin separaciones, una cama de matrimonio, una bañera, una sala de estar con sofá y tocadiscos y un comedor con mesa y cuatro sillas) y la concisión de los elementos escénicos con un sólo apoyo "técnico": la pantalla de un televisor donde vemos sucesivas entrevistas de los personajes con un terapeuta fuera de cámara.

Tanto el argumento como lo que se dice y cómo se dice ya entran en el ámbito de lo previsible, a veces ingenioso y la mayoría de las veces sin originalidad rompedora o solo con la necesaria para arrancar risas espontáneas al espectador y mostrar la escasa entidad de los personajes que de puro adelgazamiento psicológico en sus tipos despiertan la familiaridad de los espectadores: todos tenemos amigos y amigas que se comportan de esa forma y, ni el mejor de entre nosotros, no ha tenido alguna vez la cabeza tan vacía y las vísceras tan encendidas y equivocadas como lo que nos muestran esos bastante corrientes personajes. Y lo mismo ocurre con la manera deslabazada de conducir sus vidas, arrebatadas por la nostalgia de los treinta años que ya desaparecen en la lejanía e incapaces de afrontar las exigencias de los cuarenta y más allá.

El alma de esta obra es la acostumbrada oscilación entre el amor (supuesto) y los desamores (reales) que van entorpeciendo la lucidez de los personajes. Carol López cita una frase del genial actor-director desaparecido John Cassavetes en la que éste asegura que lo único que le interesa de la vida es el amor y la falta de amor. El juguete que fabrica para adornar esa frase logra contagiar al espectador, que renuncia a mayores aspiraciones y se dispone a divertirse con esas dos parejas en crisis que no saben lo que quieren y se empeñan en vivir como si lo supieran.

Las intervenciones ante el terapeuta, filmadas, van punteando incesantemente la torpeza relacional de los cuatro personajes, con un poco de sobreactuación de Andrew Tarbet, la contención de Olalla, la vis cómica de Dolo Beltrán y la naturalidad de encefalograma plano de Andrés  Herrera, tan simpático que se le perdona. Los cuatro jóvenes, que pronto dejarán de serlo, hacen una huida permanente hacia la juventud, buscando en esa "aventura" mezquina de cama en plan de amigos hasta la tumba, una solución a su desorientación supina. Sin embargo nadie se toma en serio los implícitos dramas y la directora juega con ingenio su baza, provocando las risas de una parte del público y la sonrisa nostálgica de una minoría que ya sabe de qué va todo eso.

Hay buena química entre los actores y eso se acaba contagiando al patio de butacas, donde nada mas empezar se nos permite entrar en la trama (incluso con interpelaciones directas de la chispeante Dolo al público de la sala). La impresión general es que no se trata de hacer sangre, sino de jugar la baza de la nostalgia y la locura de la juventud que deja de serlo, vamos los últimos cohetes de la irresponsabilidad y el pequeño exceso (quizá por eso la intervencion filmada de Andrew al final, diciéndonos que pese a su separación, sigue muy bien con su vida anclada en la casa de los padres, las novias y la droga -blanda por supuesto- nos suena tan irremidablemente amarga e irreal).

Hablar de Carol López como de una Woody Allen de nuestra tierra, como ha escrito algún comentarista excesivo, se me antoja bastante corto de vista. Carol tiene madera, a qué negarlo, pero quizá le falta profundidad, mala leche e ironía. Exactamente lo que le falta a "Res no tornarà..." para ser mucho más que una pequeña comedia con aires de vodevil. Lo que si le sobra a Carol López es la habilidad de crear complicidad. Y no sólo en los actores.

Siempre me ha cautivado el ballet clásico. El paradigma popular de esa danza es para mí "El lago de los cisnes" de Piotr Txaikovski, que fue estrenado en el Bolshoi de Moscú en 1877. La actual revisión que se puede disfrutar en el Liceo es la del bailarín Angel Corella, bastante clásica a su vez. Como detalle de interés añadido, en el papel de Odette y de Odile, cisne blanco, cisne negro, la americana Sarah Lane, que dobló a Nathalie Portman en esa magnífica y algo tramposilla película que fue "Cisne negro" y levantó cierta polémica interesadamente orquestada por los encargados de promocionar la película. Sarah Lane reivindicaba el esfuerzo y dedicación que debe aplicar cualquier bailarín de ballet clásico para ejercer su profesión con lo que, sin minimizar los méritos de la Portman, aseguraba que para bailar de verdad como una profesional del ballet no eran suficientes ni uno (tiempo dedicado por la actriz para preparar su papel) ni diez años de entrenamiento. Sus palabras fueron sacadas de contexto y se presentaron como una reivindicación algo indigna e inoportuna de la bailarina contra la actriz.

Al margen de todo eso, ya escribiré otro día sobre la magnífica función liceísta, sólo dejar constancia de la perfección técnica de los bailarines de Corella, de él mismo y de su invitada. Un espectáculo que enriquece el alma. Bel.lo, bel.lísimo!!!

Una película irregular pero apreciable en líneas generales, no sólo por el trabajo de Glenn Close. La composición del travestido Albert Nobbs, parece haber sido diseñada para avalar la sexta candidatura a un oscar de interpretación de esta actriz (sería injusto que no lo recibiera, aunque no tanto por esta película cuanto por la ductilidad de la que ha hecho gala durante su carrera).

Glenn Close, protagonista, productora y guionista (la película se basa en una novela del irlandés George Moore) se ha metido en la piel del pobre Nobbs, una mujer disfrazada trabajando como criado varón en un hotel de cierta categoría en Dublin en la mitad del siglo XIX, en plena época victoriana. Aunque Close no hace el papel por primera vez ya que la actriz lo interpretó en los escenarios del Off-Broadway durantelos años 80. Por tanto la película, dirigida con cierta eficacia artesanal, fría pero correcta, por Rodrigo García, suena más a empeño personal de la actriz que a un intento de desvelar la inhumana dureza de una época y la vida miserable de una clase social y en particular la situación de las mujeres.

El rostro estólido de Close, como cincelado por un embalsamador, domina ampliamente la pantalla con la vida reprimida de sus expresivos ojos azules y los labios firmemente cerrados en una expresión permanentemente congelada, que en pocas ocasiones se permite la distensión de una sonrisa o fugaces momentos de felicidad. Hay en ese rostro la constatación de que Albert Nobbs jamás logrará cumplir sus modestos sueños de independencia y de afectos. Como contrapunto del tenso y envarado Albert, la actriz Janet Mc Teer, otra mujer trasvestida que asume con propiedad el rol masculino y ha formado una  familia con una mujer, muy femenina, logra robar cámara en la mayoría de las escenas que ruedan juntas (sería una justa candidata a actriz de reparto en la carrera de los Oscar de este año, si el mundo del cine fuera justo) y nos muestra un dominio del papel verdaderamente espectacular, ofreciéndonos una actuación dotada de una humanidad y fortaleza apabullantes.

La Close se queda a medio camino entre la extrañeza de la caracterización masculina de Julie Andrews en "Victor o Victoria" de Blake Edwards y la contenida frialdad, reserva y congelada educación de Anthony Hopkins en "Lo que queda del día" de James Ivory. Su amor insensato y absurdo por la cada vez más sólida Mia Wasikowska y el otro vertice del triángulo interpretado por Aaron Johnson en un papel casi de melodrama, forma la trama esencial de la película, en la que el resto de los criados del hotel, la ridícula dueña y los clientes, hacen una propuesta coral que da una idea de la dureza de las diferencias sociales y el ambiente irlandés de la época con una clase baja reducida a la humillación, el paro y el hambre.

Pero no logra la cinta mostrarnos el cerrado, oscuro y deprimente Dublin que tan magistralmente pinta Houston en "Los muertos", todo queda en pinceladas anecdóticas que apenas pesan en el conjunto de la película, rodada para lucimiento de la protagonista, aunque secuencias como la de los paseos de Nobbs por las barrios humildes donde encuentra un local para cumplir su sueño de abrir un estanco (para lo cual lleva toda su vida ahorrando avaramente penique a penique como un mister Scrooge que cada dia cuenta sus ganancias) y vivir en él con una mujer que haga el rol propio de su sexo, tienen fuerza de convicción. Pese a que el espectador nunca acaba de creer en ese sueño que, efectivamente,  desbaratará un lamentable  accidente.

Con una factura  técnica impecable, creo que la película se queda en las puertas de ser un realización magnífica, para terminar siendo un ejercicio de interpretación de Close (superada a mi entender por Janet Mc Teer) que deja una sensación de obra bien hecha pero sin ambición, con una superficialidad que evita la posibilidad de dar un aldabonazo en las conciencias contra un tipo de vida, históricamente real, que fue una maldición para muchísimas personas. Como dice otro de los  intérpretes secundarios, el doctor del hotel, un magnífico Brendan Gleeson, al final de la película, cuando clama contra un dios que permite el vaciado de tanta miseria en las vidas de muchas personas, la película deja en el espectador un poso de amargura que no evita el final esperanzador antre la travestida Janet y la joven Mia.

Close, que recibió el gran premio de Donostia por el conjunto de su carrera trata aquí de robar un poco de brillo a Meryl Streep, a cuya sombra ha tenido que vivir y ambas aportan dos caracterizaciones de Oscar, la primera con su Albert Nobbs y la segunda con su retrato de la Thatcher. Las dos están un pelín excesivas, pero ambas rivalizan en su entrega a su personaje. La cosa está difícil. Los personajes citados son pesos pesados desde un punto de vista dramático (Y la premier británica, histórico también), ambas han sido dirigidas a mayor gloria de ellas, sin demasiada personalidad en la dirección, pero en todo caso lo que queda son dos películas sumamente interesantes y el buen hacer de dos mujeres que hacen cine sobre mujeres muy especiales.

Hay cinéfilos que lamentan que Alexander Payne haya tardado siete años en volver a las pantallas, tras la magnífica "Entre copas" y la no menos interesante "A propósito de Schmidt". Con "Los descendientes" se depura el hábil cruce habitual entre drama y comedia que suele caracterizar su filmografía.  En esta ocasión nos brinda una historia de fuerte dramatismo, la mujer del protagonista (George Clooney) está en coma tras un accidente ocurrido mientras practicaba esquí náutico. El es uno de los descendientes del ultimo rey de Hawai y con una pléyade de primos estudia la venta del último paraje virgen que queda en las islas. Clooney tiene dos hijas, una niña de diez años (Amara Miller) y una adolescente (Shailene Woodley) a las que apenas ha tratado debido a su trabajo y están malcriadas, quejosas e incómodas ante el padre sin experiencia y con culpa, que se tiene que hacer cargo de ellas. Pero hay otro elemento que es el desencadenante del drama: el descubrimiento de la infidelidad de su esposa.

Aqui empieza una historia ambivalente que te hace sonreir a menudo y que te lastima en ocasiones, conmoviéndote profundamente. Aquí se inicia un recital sorprendente, dúctil y lleno de registros del rostro de Clooney, tratando de asimilar y reaccionar ante la andanada que le viene encima por todos los frentes. Payne juega fuerte y con habilidad tanto en la dirección de actores secundarios (excelentes las dos niñas, sobre todo la adolescente Woodley) como en el ritmo cambiante casi de road movie de una trama que lleva a Clooney y su desestructurada familia a  la que se une otro joven amigo de la chica, a irse acercando unos a otros a través de largas caminatas, vuelos de avión, viajes en coche y conversaciones que pasan de la astracanada maleducada y malsonante a instantes de afecto conmovedor, dolor o reencuentro emocional. El director ha basado su guión en la novela de una joven hawaiana, Kaui Hart Hemmings, moldeándolo para ofrecernos su austero mensaje cuyo mayor logro está en llevarnos sin excesos a un doble final: la declaración de amor y perdón de Clooney a su mujer moribunda e insconsciente y la secuencia que cierra la película, con un mensaje que admite muchas lecturas: el padre y sus dos hijas sentados en un sofá comiendo helado mientras ven un documental en la televisión. ¿Cuál es lo moraleja del duro viaje emocional y psicológico de esa pequeña familia? ¿Es este un final feliz?¿Apostarse ante un televisor para ver documentales? ¿Eso es todo lo que han aprendido del drama que han vivido? ¿Qué ocurre después? Quizá Payne nos aconseja resignación.

Como apuntaba un comentarista, uno se queda con la sensación de que Payne nos devuelve la pelota del final de "El apartamento". La chica despechada--Shirley McLaine-- que juega a las cartas con un hombre que la ama (un enorme Jack Lemon: un actor que recuerda mucho a Clooney) mientras ella ama al otro  (Fred McMurray), al que ha abandonado. ¿Es muy valioso ese aceptar compartir su soledad y su melancolía con otro hombre, una buena persona, un antihéroe que ya se ha puesto a sus pies? En "Los descendientes" parece cumplirse aquello tan discutible de que "la familia que sufre unida, permanece unida". Pero lo cierto es que la película merece ser vista y posiblemente reciba alguna mención en los Oscar. Desde luego Clooney ya ha mostrado sus capacidades de llevarselo. Y la historia, muy bien contada, también lo merece: un abrir la caja de Pandora de la  familia y correr la aventura de conocer a los más cercanos, puestos todos a prueba por una tragedia personal de difícil gestión.

En cuanto a la localización, las paradisíacas islas hawaianas, como dice el personaje de Clooney, "se pueden ir a la mierda" ya que toda su belleza exhausta por las mansiones, los hoteles y campos de golf, los coches y los turistas, no garantizan ni un gramo de felicidad a la mayoría de sus habitantes, incluso los más favorecidos. Cuando a la vida le da por plantarse y volverse difícil, da igual donde estés. Pero si además te dicen que estás en un paraíso la cosa se vuelve tragicómica.

Pues bien, volviendo al principio, yo soy uno de los cinéfilos que piensan que Payne no debería prodigarse demasiado, sino dedicarse a perfilar obras como ésta, bastante redonda, en general, y muy por encima de los habitual en las carteleras. ¿Que tarda seis o siete años? Mejor. Más garantía tendremos de ver otra buena película. Terrence Malick  --"El árbol de la vida", "La delgada línea roja"--, ha dirigido sólo cinco películas en más de treinta años, nadie ha protestado por ello y sigue siendo uno de los grandes directores de la historia del cine.

Y es que Payne es un director con fuerza e inteligencia que parece más surgido de los 40 y 50 que de esta época crispada que nos toca vivir. Su visión es serena, lúcida y sumamente adulta, empeñada en no ahorrarnos la sutileza cruel que merece nuestra sociedad y nuestra forma de comportarnos. Su retrato de esa familia respetable y adinerada del "paraiso" de Hawai nos toca de cerca a los espectadores, por la simple coexistencia de época y cultura. La pesquisa en el aburrido hastío de las relaciones de pareja, las paterno-filiales, las de amistad, son aplicables a todos nosotros, vivamos donde vivamos. Gracias a la película el eco de esas oscuridades, de esos fantasmas y esas dudas los vemos reflejados en el entorno que habitamos.

Nunca hasta el momento ese magnifico actor que es Clooney ha transitado con tanta sabiduría desde el ridículo y la indignación  del engaño y su respuesta, hasta la amargura, la impotencia y el desgarrro del dolor por la pérdida y el desencuentro afectivo. No mse la pierdan.

Ópera prima al canto. Muy digna por cierto, aunque un poco demasiado ortodoxa. Josh Radnor es un actor de la pequeña pantalla donde da vida a un personaje clónico al que aqui interpreta en una serie que parece llamarse "Cómo conocí a a vuestra madre". La verdad es que este hombre-orquesta, dirige, intrerpreta, escribe el guión y ha logrado un producto descafeinado y encantador como su propio protagonista.

La cosa va de buenas intenciones a mogollón, discreto encanto de los jóvenes ejecutivos y artistas neoyorquinos y despiste emocional a raudales en las jóvenes parejas que nos muestran dos arquetipos, masculino y femenino, repetidos con escasas variaciones.

Las peripecias fluctuantes de un joven escritor, Josh, que encuentra a una encantador chiquillo negro (que además resulta ser un genio en agraz del dibujo) en el metro y lo prohija casi sin más, los amores repentinos del ardoroso joven, el encuentro de su amor principal, las dudas, los xdesencuentros y el encuentro final, son complementados con dos historias amorosas  más en paralelo, un joven que quiere mudarse a Los Anngeles y llevarse allí a su superneoyorquina novia y un empalagoso tipo que trata de enamorar a una joven de regular salud que suele enamorarse de los hombres equivocados constantemente, son la panoplia de historias neoyorquinas que nos presenta Radnor en su primera incursión en la gran pantalla, "happythankyoumoreplease", así todo seguido, que no es más que una frase de autoayuda que un personaje le dice a otro.

Los problemas que genera el amor y la amistad en un grupo de jóvenes habitantes de "la mejor ciudad del mundo" bajo la óptica liberadora pero irrreal del "todo er mundo e güeno" y los neoyorquinos entre los treinta y los cuarenta años, aunque con comportamientos y conclusiones vitales de los veinte. La cosa se queda en correcta, lo cual es bastante dado los presupuestos iniciales. Uno echa de menos un ritmo más adecuado, personajes mas consistentes y desarrollados y hacer sabido dosificar un poco el evidente afán arquetípico que  simplifica en exceso a los personajes.

Josh Radnor logra parecernos simpático, aunque un poco bobalicón, Kate Mara, la chica, cantante y camarera por nombre Mississippi, como en una comedia de los 40, y el niño Michael Algieri que logra que no nos irrite durante los 90 minutos que dura el asunto.

La película se llev´ço el premio del público en Sundance, lo cual es una clave de la amable falta de exigencia de ese festival con los primerizos, al menos con este. Y digo amabilidad porque creo que esa es la virtud esencial del filme: es una película amable, con personajes amables y con historias amables herederas del "happy end" tan caro a cierto cine estadounidense. La pena es que desde el mismísimo comienzo el espectador sabe cómo va acabar todo una vez que las dificultades en cada pareja hagan su conveniente catarsis crítica. Los personajes se ajustan a lo previsible y obedecen a patrones estereotipados (aunque, eso sí, encantadores) y en general la película no cansa a pesar de todo lo dicho, está filmada con corrección y resulta un tebeo sentimental para jóvenes optimistas que te deja un leve pero agradable sabor de boca. Luego ya no te acordarás más de ella, excepto por el título.