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"¿Es que un judío no tiene ojos?¿Es que no tiene manos, órganos, proporciones, sentidos, afectos, pasiones? ¿Es que un judio no está nutrido por los mismos alimentos, herido por las mismas armas, sujeto a las mismas enfermedades, curado por los mismos medios, calentado y enfriado por el mismo verano y por el mismo invierno que un cristiano? Si nos pincháis, ¿no sangramos? Si nos cosquilleais, ¿no nos reimos? Si nos envenenais, ¿no nos morimos? Y si nos ultrajáis, ¿no nos vengaremos?"

Es el famoso monólogo del indignado Shylock en la escena primera del acto III de "El mercader de Venecia".

¿Se imaginan tener que cerrar los ojos para escuchar los imperecederos versos del Bardo, el gran Shakespeare, para evitar que la indignación, la sorpresa y el fastidio me resten el placer de volver a oirlos? Pues, aunque no se lo crean, eso me pasó ayer en el Teatro Nacional de Cataluña (TNC) con la versión "modelna" que Rafel Durán perpetró del gran , aunque política y humanamente incorrecto en esta obra, clásico inglés.

Soy un fanático lector -y espectador-- de las obras, incluida poesía, del llamado "Cisne de Avon". Junto con Cervantes --curiosamente es su contemporáneo-- los dos  autores que tengo en mayor estima y no dejo de revisitar al menos un par de veces al mes desde que con doce o trece años comencé a leerlos.

Por tanto ver en vivo y en directo lo que el TNC ha perpretado en su neoclásico edificio, la joya de la Corona de la riqueza cultural catalana, con una de las obras más delicadas y sensibles de W.S. (en el sentido de que en estos tiempos actuales la figura de Shylock y por extensión el odio, rechazo e insultos a todos los judíos, no es un plato de fácil acomodo: por lo que dándole un aire actual a la acción, el asunto queda aún más fuera de la etica social actual que en los tiempos de Shakespeare en lo que casi era un  lugar común considerar socialmente que los judíos eras unos apestados).

Ramon Madaula hace un Shylock contenido, indignado, sujetando el histrionismo de la figura, no rozando en absoluto el ridículo que exagera Santi Pons en su papel del otro judío, amigo de Shylock. Alex Casanovas hace un Antonio sin garra, pijo e inconsecuente, Anna Ycobalzeta una Porcia excesiva y cabaretera en ciertos momentos y los demas actores y actrices cumplen su ingrata labor, con la excepción sobreactuada de Pep Ambros como Lancelot Gobbo y Joan Díez como el Príncipe de Marruecos. ( ambos servirían de ejemplo de lo que no debe hacer un actor aunque el director se lo pida de rodillas).

Pues bien, añadan a estas actuaciones mediocres --seguramente debidas al sesgo "modelno" de esta producción PELB ("Pour epater le bourgueois", es decir "exagera a ver si asustamos al espectador clásico")-- algunas escenas añadidas al respetable original como la orgía homosexual estilo nazi --con una coyunda bajo una manta-- o una actuación vodevilesca de Porcia, cuya insensatez no parece tener nada que ver con el  momento del juicio, en la que, vestida de hombre, aplica el recto pensar y la inteligencia con la que Shakespeare la vistió.

No me ha gustado la versión de Rafel Duran ni me parecen convincentes las razones que aduce en el programa de mano por su atrevimiento (de las que les hago gracia aquí, por no aumentar mi enfado ni exagerar mi rechazo). Así que, insisto, si van  a verla, en los momentos más hermosos de la obra, cierren los ojos y escuchen la voz de Shylock o los argumentos de Porcia. Lo demás es sólo ruido.

Por fin una película  que trata el tema del cáncer sin aspavientos, con humano dolor y naturalidad, evitando los tópicos y el sentimentalismo, aunque no las emociones. Un ejercicio cinematográfico que desborda la ficción para mostrarse como lo que es, un documento personal de unos padres cuyo bebé padece un tumor cerebral y la lucha de la pareja en su medio ambiente familiar y social para afrontar la tremenda, desequilibradora, brutal prueba.

Por todo eso, este crítico pone en suspenso parcial su bisturí --muy subjetivo, no se olvide nunca-- de analista feroz y aunque hay momentos en la cinta y plateamientos argumentales  que chirrían quizá por ingenuidad de principiante, quizá por el afán de desmarcarse del cine de tópicos sanitarios al uso, me dejo llevar más bien por la autenticidad que respira este documental-ficción que logra momentos de una rara emotividad, precisamente por la voluntad declarada de no dejarse llevar por las emociones, el instinto desatado o lo socialmente correcto.

Jeremie Elkäim y Valerie Donzelli (que en la película se llaman--innecesariamente a mi entender, por la intencionalidad que muestran-- Romeo y Julieta) es una pareja enamorada y dotada de unas personalidades libres, abiertas y exigentes que descubren horrorizados que su hijo de meses Adan (Gabriel Elkaïm) padece un cáncer cerebral. Deciden luchar con todas sus armas contra la enfermedad pero también luchar contra el tremendismo personal, psicológico , familiar y social que esa enfermedad concita, tratando de salvar no sólo su amor, sino su dignidad como pareja y la felicidad y bienestar que han logrado al unirse. Hay un rechazo absoluto a la condescendecia, a la fácil y epidérmica lástima social y una decisión igualmente firme de arrostrar con todo lo que suponga de incomodidad, dolor, molestias y enfrentamientos familiares debido a  su actitud ante la enfermedad del hijo.

La película está dirigida por Valerie Donzelli y el guión escrito por ella en colaboración con su marido Jeremie (ex, al rodar la pelicula) y la dura historia que nos cuentan es la suya propia, la historia de la enfermedad de su hijo que también participa en la película, cuando años más tarde logra superar el tumor. Esta dura cadena de tratamientos, medicaciones brutales, recaídas, años viviendo en ambientes hospitalario oncológico infantil, lugares desgarradores por definición, acaban realmente con la pareja, pero es una derrota comprensible y asumible tras lograr la victoria final de la curación (la secuencia final con la familia, los padres y el niño, corriendo felices por la playa, a pesar de que ellos están ya separados, para celebrar el alta--condicional, la espada sigue pendiente-- de su hijo.

Mensaje de optimismo para el espectador, muy especial para los que padezcan episodios parecidos o los que los han vivido de cerca, una historia que rezuma vitalidad, rechaza la autocomplacencia y propone una via de lucha y aceptación de una realidad que constituye una de las causas de angustia más inevitables. Esa lucha por la felicidad de la pareja, de cada uno de sus elementos por separado y en conjunto, es de una humanidad  desconcertante por lo inusual y en definitiva una lección ética de valentía personal, llevada al cine con una digna corrección, sin que los defectos técnicos o de dirección sean visibles para un  espectador fascinado y emocionado con lo que ve, conmovido con la entereza de los padres, sus momentos de debilidad y sufrimiento y su instinto salvador y sano de mantener sus hábitos de felicidad en todo momento, en cualquier circunstancia (por ejemplo en la escena de la fiesta de los amigos, donde rien y bailan, pero en un momento dado dejan aflorar su enorme angustia y su desconcierto vital). Esa secuencia y otras parecidas forman parte de la apuesta de la directora por tratar el angustioso tema argumental con una cierta frivolidad formal que crea un producto sorprendente.

Una voz en off va acompañando las secuencias con una narración despersonalizada, fría y objetiva, que da un tono documental de verismo a lo que vemos, desdramatizando momentos en los que las emociones desbordan a los intérpretes.

La relación argumental con el momento histórico en el que ocurren los hechos, nace del ajuste entre la fecha en que los padres "declaran la guerra" al cáncer de su hijo , con la declaración de guerra a Iraq del presidente Bush en su particular y discutible lucha contra el cáncer del terrorismo.

Una película que debe verse, dejando a un lado la consideración de sus evidentes excesos y presunciones, salvados por su valentía, su vitalidad y su autenticidad.

Con los dibujos de la escuela simple, trazos diáfanos, pocos detalles, colores planos, "Chico and Rita" es una propuesta española de animación dirigida por Fernando Trueba y con los dibujos de Javier Mariscal.  En ella se destila música ligera, ritmos afrocubanos, personificados en Chico (un trasunto del genial Bebo Valdés) y en su difícil y accidentado amor por Rita, una mulata bellísima dotada de una sensual voz.

Desde la vejez de Chico en La Habana de los ochenta o noventa, una ciudad hermosa que se deteriora velozmente, el lápiz de Mariscal y su equipo dan una imagen sucinta, intencionada y colorista de la gran  ciudad cubana y de sus habitantes, sin escatimar apuntes de suave critica, como los apagones o la dificultad de encontrar articulos de primera necesidad.

Estamos con Chico, es limpiabotas de turistas, en su cuartucho de un repleto edificio comunal en La Habana de ayer mismo. Pero, através de las voces y musica que salen de un transistor --un programa dedicado a la musica de antaño--volvemos con Chico joven a La Habana de los 40. No dejan de tener encanto las imagenes en las que el dramatismo melodramático de lo que ocurre queda atenuda por la alegría y sensualidad del trazo y el movimiento (al parecer Trueba hizo rodar a actores reales las escenas para que los dibujantes copiaran gestos y movimientos) con los actores desplazandose sobre fondos estáticos de un perfilado surrealista e imaginativo.

Otra cosa es la historia y la psicologia de los personajes, aquí Trueba se rinde a lo manido ,un melodrama barato de un amor imposible y fatalista, pleno de detalles absurdos y tópicos de la novela y el cine. La presencia de personajes reales en la trama, sobre todo en la mitad de la cinta dedicada a la estancia en Nueva York (Charlie Parker, Nat King Cole, Tito Puente) mantiene el interés casi desvaido del espectador, aunque el final resulta previsible y forzado. A pesar de todo esto, interesante propuesta (de hecho lo mejor de Trueba en los últimos años).

Película canadiense bastante apreciable pese a que combina  unas magníficas escenas bélicas (con una visión dantesca de la guerra de trincheras que pone la piel de gallina y que sin duda fue imitada por Spielberg en su reciente "Caballo de batalla") con una trama doble sentimental  con formato casi de telefilme y un guión político social de un certero sentido crítico (el mezquino ambiente antialemán en los pueblos de Canadá, incluso contra descendientes de alemanes, ya nacidos ciudadanos canadienses). Dirige Paul Grass (un apreciable hombre-orquesta, ya que además protagoniza la película y es autor del guión y de parte de la música) con un  elenco de actores del país donde sólo descuella Caroline Dharverne en el papel de la joven Sara Mann (descendiente de alemanes, cuyo padre combate en las trincheras bajo la bandera alemana a pesar de haber vivido décadas en Canadá, donde nacieron sus dos hijos), no convence tanto Joe Dinicol, como su hermano David y bastante más convincente el actor que da vida al oficial británico de reclutamiento en el pueblo canadiense de nuestros héroes.

La película está rodada en el bello país del norte americano, en Calgary y los bellísimos parajes del Heritage Park en Alberta. Recoge la participación de las fuerzas canadienses junto a los aliados, Francia y Gran Bretaña, en la Primera Guerra Mundial y en concreto en la famosa batalla de Passchendeale (Bélgica) donde murieron cinco mil soldados de esa nacionalidad. Esta batalla está considerada como uno de los más penosos ejemplos del absurdo y futilidad de algunas célebres batallas, cuyos logros están en apabullante minoría respecto a su precio en vidas humanas. De hecho la toma de Passchendeale no supuso ningun avance en la situación  bélica para los contendientes y pasó de manos a los cuatro meses de la batalla sin que generara ninguna consecuencia en la marcha de la guerra.

Paul Grass trata de hacer con Passchendeale lo que Peter Weir hizo magistralmente con "Gallipoli". El resultado, siendo respetable, no está a la altura. Las  secuencias bélicas son realmente impactantes, empezando con el episodio bélico que dramatiza la vida del protagonista con una imagen difícil de olvidar, cuando el sargento Michael Dunne (Paul Gross) mata de un bayonetazo en la frente a un jovencisimo soldado alemán que se habia rendido y le tiende una mano musitando "Camarade". El sargento acaba de vivir como matan a tres compañeros suyos, cuando se estaban rindiendo, a pesar de gritarles a los alemanes "Camaraden" para que no dispararan (estos acaban disparando porque uno de los aterrorizados soldados canadienses, que se esta despojando de su uniforme y armas,  sin percatarse tiene una granada en la mano).

Toda la mitad  de la película se dedica a la vida en Canadá durante la guerra, donde se recluta a los jóvenes y hay un ambiente social lleno de patriotismo, cuyo aspecto más degradado dará lugar al drama del sargento y la enfermera --que le cuidó tras las heridas recbidas en el primer episodio que hemos comentado y luego la encuentra --bendita casualidad que desvaloriza un poco al guionista-- en su propio pueblo, hermana del otro vector dramático de la historia, el joven asmático David, que va a la guerra para que el padre de su novia le permita casarse con ella).

La tercera parte de la historia, las trincheras llenas de cráteres de los obuses, agua de lluvia, barro, lodazales, muertos y miembros humanos esparcidos por la artillería, es la mas sólida de la película. Con un sólo reparo, el final de la cruz (que no revelaremos) y que recuerda muchísimo a la secuencia del caballo aprisionado entre alambre de espino de la citada película de Spielberg "Caballo de batalla". Un poco excesiva la secuencia, pero que no desmerece la calificación notable de la película. Y, por favor, no se pierdan el final, con los títulos de crédito, en el que bajo las notas inspiradas de la canción de amor del filme, se compone una sucesión de instantáneas reales, tomadas entre las fuerzas expedicionarias canadienses, allá por los ultimos meses de 1917, en plena ofensiva de una guerra atroz que llevó a 600.000 canadienses a las pantanosas trincheras europeas, de los cuales uno de cada diez jamás regresó a casa.

Por esas extrañas casualidades que Jung llamaba "sincronicidades" y que revelan un orden de las cosas que no somos capaces de descifrar en el momento en que se producen, aunque si más tarde, ha coincidido la lectura de la novela de Lorenzo Silva "Niños feroces" con el visionado de esta película de Gerardo Herrero, "Silencio en la nieve". Ambos productos culturales, la novela y la película, nos hablan de vivencias históricas ancladas en la segunda guerra mundial. Eso sí, vivencias relacionadas muy íntimamente con nuestro país y la presencia española en el mundo. Y así tanto Silva como Herrero (que se basa en la obra de otro novelista, Ignacio del Valle, "El tiempo de los emperadores extraños" para filmar su película) nos hablan de la famosa "División Azul" integrada por soldados veteranos de la guerra civil y falangistas fanatizados que han declarado una guerra gremial contra el comunismo internacional y ven en la guerra en Rusia una especie de Cruzada evangelizadora y punitiva.

De la novela de Silva ya he hablado aquí y de la película de Herrero, protagonizada por Juan Diego Botto (un soldado divisionario, "voluntario" obligado para tapar deudas ideológicas, que fue inspector de policía en la vida civil) y el siempre magnífico Carmelo Góimez en la piel de un sargento al que le ordenan que ayude al soldado-inspector, destaco en primer lugar la garra del argumento (un thriller con asesino en serie incluido, en plena campaña de la División en las heladas estepas rusas) y en segundo lugar la frialdad, quizá sea un contagio ambiental,  de la realización que logra congelar la necesaria química entre los dos protagonistas para empezar y que a pesar de una ambientación bien lograda --con algunas tomas donde huele a decorado o a cartón-piedra-- y alguna secuencia excelente (la de apertura, con los caballos congelados en un lago, como trágicas marionetas o piezas de un destruido tiovivo) no consigue hacer vibrar al espectador y acaba provocando bostezos y sonrisas fastidiadas cuando tiene todos lo ingredientes para mantenernos en ascuas.

Una pena, pues, porque la película podría haber logrado mejorar aquella "Saigón" de los 80 con Willem Dafoe y Gregory Hines, en la que el asesino hace de las suyas en Vietnam en lugar de en Rusia.

Las víctimas del asesino aparecen degolladas y con los versos de una canción infantil grabados con un puñal sobre el pecho, aquella que habla de "Mira que Dios te mira..." y sigue "mira que te está mirando" para acabar recordándote que puedes morir en cualquier momento.

Pues bien, no les cuento por dónde van los tiros (o mejor, los degüellos) para no fastidiarles la película que, eso sí, a pesar del productor-director que le ha tocado, merece la pena que la veamos, siquiera sea por protenciar nuestro cine. El producto es digno, aunque fallido.

Decepciona un poco que Herrero no haya sabido lidiar con tan buen material y con unas imágenes que en algunos momentos rozan la excelencia y en otras nos hunden  en el aburrimiento a causa de un ritmo indigno de su nombre y una serie de subtramas mal desarrolladas, como con desgana, que acaban lastrando la trama principal (a pesar de contar con atractivos suficientes, como el asunto de los rituales masónicos: con menos de eso se montó ese fraude literario llamado "El código Da Vinci".

Tampoco los actores están como deberían estar, empezando por Botto, desaprovechando a Carmelo y con secundarios demasiado secundarios. Como nota positiva, le negativa del director de entrar en la fácil simbología de la guerra civil, dejando sólo algunos apuntes esbozados, pero obviando los mensajes en pos de un sólo interés, la trama policial, dejando como punto secundario (por ese solo hecho, lo convierte en una virtud) el que todo acontece durante la intervención de la División Azul en la guerra entre nazis y rusos stalinistas. Magnífica la secuencia de la ruleta-rusa, el macabro y sangriento juego que jalonaba secuencias inolvidables de "El Cazador" y el acierto de vincular los asesinatos a una canción infantil, al modo de Fincher o algunos autores de la dura saga nórdica de novela negra.