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Película suavemente transgresora cuyo desarrollo parece avalar y valorar la "espontánea" vulgaridad y zafiedad de un Benoit Poelvoorde en la plenitud de su habilidad interpretativa. Dotada de momentos entretenidos y francamente divertidos a pesar de su mensaje implícito desorientador, "Mi peor pesadilla" ("Mon pire cauchemar"), dirigida por Anne Fontaine, desvela una quizá involuntaria admiración por la virilidad algo brutal del personaje de Benoit en menoscabo de la educada contención de su marido en la ficción, André Dussollier, un editor culto y algo estirado. La secreta pero evidente admiración de la protagonista, una gélida Isabelle Huppert, por la viritlidad agresiva de Benoit y su desprecio burlón hacia las buenas maneras y la discreción de su esposo, a pesar del clasismo inherente en toda la película hacia la baja clase social de Patrick, un desvergonzado y arribista albañil que trata de llevar a su hijo a coelgios de barrios de clase alta para tratar de acercarse a sus envidiados y despreciados busgueses.

La historia es simple: Agathe es una ejecutiva cerebral y elegante, ligeramente clasista. Recibe en su casa a un compañero de escuela de su hijo, cuyo padre, aunque ella lo desconoce es un simple albañil que se dedica a apaños y chapuzas mal viviendo con tal de habitar en un barrio elegante, aunque sea en un cuchitril. Marrullero y descaradamente amoral, Patrick logra engatusar al marido de Agatha y provoca indirectamente que éste inicie una relación con una joven, aprovechando para , con excusas de unas obras que realiza en el piso de Agatha, irse metiendo en la casa y terminar ocupando el lugar del marido de la mujer, que ha cedido ante el "encanto" vulgar y sexualmente excesivo de Patrick. Un poco como la seducción de "El sirviente" (The servant") llevado a las relaciones heterosexuales y con más zafiedad que en la pelicula de Losey.

El problema es la indefinición moral de Anne Fontaine que lleva a las ultimas consecuencias el supuesto (o real) encanto de la bestia que seduce a la bella, degradándola, por el imperativo de la libido femenina que a pesar de todos los aditamentos de la cultura y el refinamiento termina (según el tópico masculino) cediendo a la franca fuerza sexual ,cuanto mas evidente y grosera mejor. Lo curioso es que es una mujer quien la sustenta en esta ocasión.

Buenas las interpretaciones del trio protagonista y bien logrado el ambiente de comedia critica que suaviza un tanto el esquematismo poco ético de la propuesta argumental.

Una comedia ligera aunque poco estimulante. Hora y media de bromas procaces y subidas de tono  en las que están involucrados elementos tan carismáticos como Diane Keaton, la genial Susan Sarandon, el incombustible Robert de Niro (mas de Niro que nunca) y una papelillo patético del otrora magnífico Robin Williams (aqui una gastada y senil copia de sí mismo).

Asistimos a la boda  del hijo adoptivo  (Ben Barnes, que ilustra su presunto origen latino poco convincentemente) del personaje de De Niro y de Keaton, que hace diez años están separados y se vuelven a ver para el evento. Llega Keaton al antiguo domicilio conyugal para sorprender una escena erótica de alto voltaje aunque nula representación visual entre su ex marido y la compañera de este (Susan Sarandon, espléndida), que fue su mejor amiga y la traicionó llevándose a De Niro.

A partir de ese "delicado" reencuentro, los malentendidos, los enfrentamientos y los problemas se suceden sin solución de continuidad, con diálogos explícitos y contundentes de clarisimo contenido sexual (aunque es lo máximo "hard" que ofrece la película, absolutamente casta en sus imágenes). El nudo principal surge cuando la madre y la hermana biológicas del hijo adoptivo  llegan para asistir al evento. No sería nada del otro jueves si la  buena señora (Patricia Rae, todo el tiempo haciendo de brasileira indigesta y frunciendo el ceño de forma desaprobadora y tiquismiquis) no fuera una especie de integrista religiosa (aparentemente) y por ello su hijo había decidido no contarle que sus padres adoptivos se habían divorciado esperando que no asistiera a la boda y que no viera que ahora uno de ellos vivía en flagrante amancebamiento con su compañera, que, para complicar las cosas, ha sido como una madre para el chico.

Aquí las lealtades y los amores familiares se enfrentan a un formidable reto y cada uno trata de salir lo mejor que puede sin dejar mucha sangre en el intento. Hay unas anecdóticas e innecesarias pocas secuencias de Robin Williams haciendo de cura católico ex alcohólico anónimo (¿era preciso nombrar la soga en casa del ahorcado, señores guionistas?) que no logran ni hacer surgir una sonrisa y la cosa acaba de la mejor manera posible, tan forzada y ortodoxamente que uno termina cuestionándose porqué los grandes actores se prestan a estas bobadas.

Una especie de "El padre de la novia" pero con pareja separada y obligada a aparentar que están juntos para salvarle la cara a su hijo adoptivo el dia de su boda, aunque eso obligue a la tercera en discordia, Susan Sarandon, a hacer infames papelitos en el entorno.

Todo suena a aquello que alguien definió como "comedia sexy sin sexo" y que inventaron los grandes del cine en blanco y negro, en películas como "La fiera de mi niña", "Historias de Filadelfia" o "Sucedió una noche". El problema es que el director, Justin Zackham, no es Billy Wilder, Howard Hawks o Frank Capra, ni siquiera se les acerca. Se le escapa el asunto por todos lados, le falta la saludable ironía con sus gotas de mala leche de aquellos gigantes del cine y los papeles que dicta a sus grandes actores les obliga a exagerar los gestos y sobreactuar. Y el publico aguanta por tolerancia, en memoria de los buenos momentos que nos hicieron pasar en tantas otras peliculas.

Y todo esto para un "remake", es decir una versión nueva de otra película, la francesa "Mon frére se marie", que no he visto pero sospecho que sera un poco mejor que ésta. La falta de ideas en el cine norteamericano en el genero de la comedia tiene aquí uno de sus ejemplos más sólidos. Tirar del prestigio de sus actores a falta de un buen guión es una maniobra que casi nunca sale bien. Y "La gran boda" no deja de ser "La gran equivocación".

No acaban de hacerle justicia a la magnífica y peculiar novela de Francis Scott Fitzgerald. Cinco versiones, cinco, de "El gran Gatsby" una obra icónica de la tópica "Gran novela americana" el sueño de realización literaria de todos los que escriben narrativa en el gran país americano del norte. La última que pude ver, la de 1974, dirigida por Jack Clayton e interpretada por un elegantísimo Robert Redford y Mia Farrow (mucho antes de casarse con el gran Woody), tuvo un enorme efecto de resonancia en la sociedad de aquellos lejanos años resucitando una "moda Gatsby" y provocando un "revival" de la música de los alocados años 20, principalmente del jazz. Recuerdo que en aquellos años me fastidió la manipulación que Clayton hacía de la novela, aunque en términos generales respetaba (como no podía ser menos) las líneas melodramáticas principales. La primera versión de la popular obra se hizo en 1926, un año después de publicarse la novela, fue dirigida por Warner Baxter, era muda y se ha perdido, excepto algunos fotogramas. La siguiente fue dirigida en 1949 por Elliot Nuggent, interpretada por Alan Ladd. La siguió la mencionada de Clayton y hace doce años, en 2001, se rodó una versión para televisión de la que no tengo noticia, hasta llegar a la actual.

La psicodélica versión de 2013 la dirige Baz Luhrmann, responsable de éxitos de taquilla (y alguno de crítica) como la versión de "Romeo y Julieta, de Skhakespeare" de 1996 protagonizada por un jovencísimo Leonardo di Carpio, "Australia" y "Moulin Rouge" (un asombroso musical sobre el famoso teatro de variedades parisino, trufado con canciones de los Beatles, Madonna, Nirvana y Queen).

Vuelve Leonardo di Caprio a ponerse a las órdenes de Baz y lo hace con esa gran calidad interpretativa que suele derrochar este actor de rostro aniñado y magnetismo y fuerza inesperadas. Él es el gran Gatsby y logra adueñarse de la pantalla desde su tardía aparición hasta el final. La versión sigue más o menos fielmente la novela, aunque se inventa la trasposición Nick Carraway (un ajustado Tobey Maguire, siempre eficaz en sus papeles de hombre sencillo, honesto y curioso) el narrador de lo que ocurre, con el supuesto autor de la novela, con una innecesari fórmula de confesión ante un psicoanalista como guión de la trama. Algunos cambios menores en el argumento ( en la película, Nick confiesa su admiración por Gatsby desde el principio, en la novela la cosa es distinta y más compleja) y desaparición de personajes secundarios (como el padre de Gatsby) no afectan esa linea de respeto que apuntábamos.

El problema viene del exceso de secuencias e imágenes del circo social desenfrenado y enloquecido que monta el director para contarnos las descocadas fiestas que Gatsby monta en su mansión y el clima de derroche, corrupción, adulterios, lucha social y pura superviviencia amoral que es propio de aquéllos años veinte en los que como decía Gertrude Stein "América había pasado de la barbarie a la decadencia sin conocer la civilización". Demasiada filigrana visual que recuerda los picados increíbles de cámara de "Moulin Rouge" y una fantasmagórica Nueva York entrevista por virtualidades de ordenador, unidos a la terrible miseria gris de los barrios pobres, presididos por un par de ojos de un gigantesco anuncio de una óptica, que uno de los personajes de la película llama "los ojos de Dios".

Luzhrmann nos muestra la desvergonzada ascensión de una forma de vida plena de superficialidad y apariencias que en unos pocos años terminaría en el estallido terrible del crack de 1929. Pero lo hace fiándose más de la imagen que del mensaje, de la desmesura de las fiestas, el vestuario y los ambientes que del profundo sinsentido de una forma de vida opulenta a espaldas de una creciente sociedad de la miseria. Rozando lo grotesco, se nos propone una visión exaltada de aquellos hombres y mujeres pero se nos hurta lo que el novelista sí hace, magistralmente, en su obra: mostrarnos la inercia moral, el vacío existencial, la desorientación anímica de unos personajes entre los que solo se salva la inocencia sentimental y emocional de Gatsby, que suena a algo abrumador y absurdo. Es como el Heathclift de "Cumbres borrascosas", menos violento pero igualmente obsesionado hasta la muerte.

Y además está otro exceso, el de la duración. Dos horas y media de opereta ruidosa, de melodrama un poco desfasado y anacrónico, no se pueden sustentar sólo en las buenas interpretaciones de Tobey y Leonardo y el resto del elenco, incluida la bella y lánguida Carey Mulligan y el austero Joel Edgerton.

Por esta razón, la brillante inanidad de esta película, les recomiendo en esta misma página, la novela en que se basa. Después de ir al cine, dénse el placer de leerla. La cosa mejora sustancialmente.

El director de "Tierra prometida", Gus Van Sant, tiene calidad intrínseca, nervio narrativo y conocimiento profundo del cine, acierte o no acierte en sus propuestas. En esta película se apoya en el cada vez más sólido bagaje interpretativo, escueto y austero en su gestualidad, de Matt Damon, un todoterreno que ya ha demostrado que es muy capaz de hacer cine de calidad intelectual y ética enfundado en su sólido cuerpo del incombustible agente Bourne. Aquí, Matt transita por los difíciles y emocionales caminos de un Frank Capra, encarnando un personaje de una bondad visible y sincera, una especie de referencia a las películas memorables de ese director, como "Qué bello es vivir", "Caballero sin espada", "Horizontes perdidos" "Juan Nadie" o "Vive como quieras". Cuestiones éticas servidas generalmente con humor y una fina ironía y siempre con el drama enroscado en la vida de sus personajes, como otro clásico, King Vidor, en "Y el mundo marcha".

Como en Capra y Vidor estamos ante un personaje íntegro que roza el mal y cambia para superarse a sí mismos dentro de la fragilidad de la condición humana, servido el mensaje casi siempre optimista con una perfección narrativa considerable y una calidad técnica sin mácula. La historia es un ataque, no demasiado vitriólico, contra el mundo de las grandes corporaciones, multinacionales y holdings que juegan con el poder financiero haciendo gala de una ausencia de ética proverbial e indignante. El provecho propio es lo primero y la vida y hacienda de los ciudadanos, sómo material de especulación sin límites. Aquí nos llevan a un mundo rural, un pueblo, que será la víctima propiciatoria de una gran empresa petrolera que desea esquilmar sus tierras en pro de un supuesto futuro mejor y en realidad de una ruina ecológica bastante probable. Aquí el héroe está alienado con los "malos" pero vendrá el momento clave en que cambia su visión de las cosas y debe tomar partido. Y lo hace por el bien aunque ello le cueste su cargo y su seguridad profesional.

Dos actores de primera, Matt Damon y Frances Mc Dormand, forman el equipo de comerciales que debe "conquistar" las tierras del pueblo para su empresa a través de la embaucación del dólar fácil. John Krasinski hace el papel del ecologista joven que quiere frenar a la petrolera con medios tan poco éticos como los empleados por ésta. Este joven actor y Damon firman el guión de la película (sobre una novela de Dave Eggers), que reserva una sorpresa en su desarrollo que será la causa del cambio en la conciencia del héroe. Bien arropados por secundarios excelentes como Hal Holbrook (soberbia la  secuencia del alegato del viejo profesor ante el pueblo reunido para escuchar las promesas vacuas de Matt) o Rosemarie De Witt, la película que no deja de tener unas estructura de telefilme pero alza el vuelo gracias al director, para convertirse en mucho más que una cinta para ver en el sofá ante el televisor. De todos los actores, un poco por encima del mismisimo Matt, sorprende una vez más la apabullante naturalidad y encanto de Frances McDormand. Pelicula apreciable, por encima de la media.   

Oscar Aibar es un director español de la nueva hornada, de esa que va buscando un lugar bajo el sol en un escenario practicamente dominado por el cine francés, italiano, alemán y, por supuesto, americano. Le hemos visto "Atolladero", "Platillos volantes" y "El gran Vázquez" un descacharrante "biopic" del dibujante de cómics "By Vázquez", retrato de una época y unos usos editoriales (la añorada Bruguera) que bordaba con su habitual desparpajo Santiago Segura. Todas ellas, propuestas realizadas con ambición e imaginación y con escasos medios.

Con "El bosque", basada en un relato de Alberto Sánchez Piñol, la idea motriz es interesante pero la realización, sobre todo al final deja mucho que desear, provocando involuntariamente que el espectador, por poco critico que sea, reaccione con risas o con rechazo a unas secuencias que pretenden todo lo contrario. Como cinta de género (lo fantástico tiene buena salud en este país), la película tiene un valor innegable: mezclar ese género de lo asombroso con un tiempo, la guerra civil en un pueblo catalán, pero inclinando la balanza contra --y eso es una novedad-- un sector de la izquierda republicana y dando una visión interesante y original de las brigadas internacionales. Se establece así una dicotomía algo artificial cuyo equilibro no se consigue en ningún momento: la historia de los habitantes de la masía y los del pueblo durante la hegemonía de la izquierda y la llegada de los nacionales y, como un pegote que no logra incrustarse en la narración, el fenómeno del acceso a otra realidad a través de las luces giratorias que aparecen en un bosquecillo diminuto en fechas muy señaladas ("Por San Lorenzo y San Blas de casa no saldrás"). Casi podriamos hablar de dos peliculas distintas y ni que decir tiene que es la primera la que nos interesa más. Además, la fantástica ofrece un final que roza el ridículo.

Es, resumiendo, un intento de crear algo parecido a "El laberinto del fauno", también con un "malo" tópico, en ésta un capitán sádico franquista y en la que nos ocupa, un jefecillo republicano supuestamente anarquista (un Pere Ponce muy seguro en su cabreado papel), mezquino, traidor y enamorado de la protagonista (una contenida y bella María Molins). Alex Brendemühl hace de masovero abducido y  el inglés Tom Sizemore creíble brigadista internacional.

A pesar de lo escrito y salvando ese final arriesgado --casi suicida-- la película de Aibar se ve con cariño y se aprecia sin duda el buen hacer técnico y la tensión mantenida por el director en una película fallida pero atractiva...