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El director Neil Blomkamp se estrenó en el cine de ciencia-ficción con una película soberbia de bajo presupuesto y alta calidad: "Distrito 9 ", donde daba la vuelta al tópico de los alienígenas con una imaginación y osadía destacables. (Les recomiendo que acudan al "dvdclub" de la esquina y pidan esa película). Ahora reincide en el género "distópico", palabreja puesta de moda por los cinéfilos y autores del género, aún no reconocida por la RAE y que se contrapone a "utópico". Es decir, visión imaginaria de un futuro bajo una lente absolutamente pesimista pero, desgraciadamente, más creíble que la optimista utopía, tal como van las cosas.

 "Elysium" nos muestra un futuro que ya es presente en bastantes zonas de este hermoso pero lamentable planeta que nos vamos haciendo. Sino en sus términos absolutos, por eso es ciencia-ficción, si en muchos de los detalles sociológicos y éticos que se nos muestran.

Hay una fuerte denuncia social en la primera parte de la película, antes de entrar en la acción propiamente dicha. En "Elysium" el mundo que conocemos está dividido, un planeta hecho polvo lleno de miseria, carencias y violencia, hambre y dolor. Y una gran estación orbital donde vive la clase alta del planeta, un "guetto" espacial donde hasta la enfermedad ha sido erradicada. Es decir lo de siempre, un poco exagerado. Los de abajo sobreviven como pueden y trabajan como esclavos bajo el control de una policía de robots (que como dice un  colega, "han olvidado las leyes de la robótica que diseñó Asimov"). Los de arriba, los dueños, sumergidos en un ambiente de lujo, seguridad y ensueño, quedan como entre nubes, desdibujados y lejanos. La lucha de clases está servida y todo nos suena muy real y muy cercano a pesar de las distorsiones argumentales lógicas.

Digamos que la imagen que se nos ofrece de los de abajo suena mucho al apartheid de los sudafricanos (nacionalidad del director) como también lo hacía en el anterior película, "Distrito 9", donde viven, hacinados y en condiciones míseras los extraterrestres que se quedaron en la tierra y fueron casi esclavizados. La vida de los de arriba no la conocemos (quizá porque los pueblos felices no interesan demasiado) y Blomkamp casi se olvida de ellos, excepto por su naturaleza de objetos del deseo.

Y así llega la parte crítica de este artículo: la historia no convence, los personajes tampoco, los diálogos menos. El intento es bueno pero queda en intento. El protagonista, Max (Matt Damon) hace lo posible por hacer creíble un personaje diseñado a brochazos, pero la coherencia del argumento es inexistente y las cosas se le deshacen entre las manos. Es un protagonista deslabazado y patético, cuya heroicidad metida con calzador no respira emoción por ningún lado.

La historia al principio nos atrae y nos indigna por su "distópica" verosimilitud, ese clasismo vergonzante, la violencia gratuita, el esclavismo laboral, nos suena a todos. Diseño de producción, música, efectos, fotografía no tienen fallos. Las secuencias de acción están excelentemente filmadas y tanto Damon como Jodie Foster metida en un estirado papel de tecnócrata inhumana, sin olvidar a un "malo" antológico creado por Sharlto Copley, consiguen que el producto no caiga en el panfleto sarcástico pero limitado. Así pues, ponemos un aprobado alto a una película que dado el antecedente del director podía haber superado el notable. Quizá para la tercera película, Blomkamp debería compartir la pluma de guionista con un profesional mejor dotado, aquí el argumento hace agua. Y sin embargo, a pesar de lo dicho, esperaré con interés la aparición de esa tercera obra del director sudafricano-canadiense. Parece que tiene cosas que decir, sabe cómo decirlas, solo le falta decirlas mejor.

Si el lector es capaz de buscarse en los dvdclubs las dos películas anteriores de esta trilogía del director Richard Linklater, es decir, "Antes del amanecer" (de 1995) y "Antes del atardecer"  (de 2004) y después ir al cine para ver la última recién estrenada "Antes del anochecer", tendrá el privilegio de asistir a un proceso creativo brillante y sugestivo, cuya característica principal, el transcurso de la vida en una pareja, un joven norteamericano y una muchacha francesa está tan magistralmente presentado que convierte a las tres películas en un documento humano y psicológico de primer orden.

La maestría de Linklater está bada en un cine discursivo y dialogante, férreamente negado al tópico, con una cámara casi permanentemente enfocada a sus dos protagonistas y que juega sus bazas de realismo --diálogos interesantes, divertidos y agudos-- con el romanticismo de unas imágenes y una música que dan el contrapunto a la narración. Un estilo cinematográfico que bordea el sentimentalismo, la agresividad, el sarcasmo, la nostalgia depresiva o los excesos sin caer jamás en ellos, superándolos con un guiño dirigido al espectador y con los gestos y miradas de dos actores en estado de gracia, sobre todo Ethan Hawke, con una algo histriónica respuesta de Julie Delpy.

La posibilidad de ver las tres seguidas nos ofrece un magnífico ejemplo de coherencia fílmica y literaria: desde la vitalidad y el encanto romántico de dos jóvenes de veinte años, pasando por el pesar nostálgico de los mismos con algo más de treinta, pero aún con algunos sueños pendientes y un hijo de él con matrimonio-obstáculo, hasta configurar en la última,a los dos cuarentones, ya formando pareja y con dos hijas, en ese espacio difícil y peligroso que amenaza las relaciones, la agónica llamada de lo posible, del cambio, antes de la renuncia de la madurez excesiva. La crisis de los cuarenta como desafío irónico afrontado por dos personas aún jóvenes que comienzan a sentir el aliento en la nuca de lo irremediable, del fin de los sueños y la posibilidad inocente de equivocarse.

Todo esto a través de conversaciones de los protagomnistas, entre sí y con terceras personas, en las que ambos se desnudan con humor e ironía, con sus contradicciones y sus temores, con sus asignaturas pendientes y sus carencias. Buen elenco de secundarios en las tres películas y la elección acertada de sus lugares de acción: Viena en la primera, Paris en la segunda y Grecia en la tercera. Lugares emblemáticos para ofrecernos un auténtico tratado en formato de comedia de los avatares, intereses, encuentros, pérdidas, hallazgos y contradicciones entre una pareja rabiosamente actual.

Evidentemente las películas pueden verse por separado y "Antes de anochecer" tiene entidad y valía suficiente para ser disfrutada sin ocuparse de las dos anteriores (de hecho, en estas tercera --cosa que no ocurre en la segunda, que usa imágenes de la primera-- las referencias al pasado son sólo dialogadas y bastante vagas, como si se hubiera producido un relativo olvido de lo ocurrido. La sensación de fresca autenticidad en todo cuanto dicen o hacen esas dos personas, es el valor que comparten y destilan por igual las tres cintas. Y ese detalle es sólo privativo de grandes directores (como Howard Hawks, Allen, Leo McCarey o Lubitsch, cuyas sombras se adivinan en muchas secuencias de esta trilogía). Tanto es así que cuando Julie Delpy ha dirigido varias de sus películas a imitación de Linklater (sobre todo "Dos días en París" y "Dos días en Nueva York") el resultado, partiendo de idénticos presupuestos argumentales y de estilo, resulta de lo más banal, irritante y aburrido.

En "Antes del anochecer", Linklater lleva su sabio equilibrio a los extremos más osados. Demuestra su dominio de la cámara en los diálogos, la de tipo coral en secuencias de grupo, la del pausado movimiento del paseo o la algaraza de un juego, y siempre logra resolver la secuencia sin que se produzca ningún momento de desmayo, de vacío, de banalidad. Todo nos interesa y sabe hilar secuencias como una tejedora prodigiosa que nos ofrece al final un fresco que engloba tres modestas obras de arte de la comedia romántica y realista. No se la pierdan. O mejor, no renuncien a la pequeña travesura de ver las tres seguidas. 

Una película con una Nicole Kidman en sus mejores momentos que estuvo a punto de ser gratificada por un Oscar hace dos años (se lo llevó Natalie Portman por "Cisne negro") y que da la medida de su creciente madurez como actriz aunque, por uno de esos fenómenos que conciernen a las distribuidoras y a los cupos de exhibición ha estado a punto de quedarse en el limbo del mercado de dvd. Se trata de "Rabbit hole" que en España se titula "Los secretos del corazón" y que fue estrenada en 2011 y nombrada por Time mejor pelicula del año..

Se trata de un lacrimógeno drama familiar que tiene que ver con la traumática experiencia de un matrimonio joven cuyo hijo pequeño, de cuatro años, muere a consecuencia de un atropello fortuito y casi inevitable.

Toda la problemática psicológica que tal golpe produce en los padres se nos muestra a través de unas muy medidas secuencias en las que vemos cómo la pareja asiste a infructuosos y tópicos cursillos de apoyo a los padres que han perdido hijos y su diferente manera de ir siguiendo el duro proceso de duelo, muchas veces sin llegar a cerrarlos o viviendo a través de carencias y renuncias emotivas más mal que bien llevadas.

Las duras y sentimentales secuencias tópicas en este género de películas, el padre visionando una y otra vez los videos de epocas anteriores al accidente, la madre retirando los obejtos y las fotos del pequeñin, estrategias de autoocultación de los dos, absolutamente desgarrados por el dolor e incapaces de hallar consuelo en su entorno, la indiferencia de la vida que sigue  alrededor y en consecuencia la mayor incomunicabilidad en la pareja, las culpabilidades secretas, la imposibilidad de encontrar un resquicio de paz o de aceptación.

El punto original del guión estriba en el encuentro del joven autor del atropello y de la Kidman cuyo dolor no le impide comprender que fue un accidente y seguramente propiciado de forma inconsciente por el niño, que persigue a su perro huido y cruza una calle sin mirar. Tanto Nicole Kidman como ese magnifico actor perdido en filmes de acción, Aaron Eckhart, se muestran convincentes en su dolor y en su rabia y sobre todo en el alejamiento entre ellos que provoca su distinta manera de encarar la brutal pérdida. Realista, al margen de los excesos sentimentales, manteniendo una seria y austera visión neutral, sin entrar en juicios de valor o en éticas del comportamiento, la película se vive como lo que es, la desgarradora vivencia de una pareja joven sometida a una de las pérdidas menos comprensibles de la existencia, la muerte de un hijo. Como decía Shakespeare, "Ningún padre debería sobrevivir a la muerte de su hijo".

Película para cinéfilos que también gozarán todas las personas que comprende la hondura de ese drama  que produce tantos y tan fuertes reacciones que envuelven a las victimas en un estado en el que la rabia, la culpa, las recriminaciones, el dolor y la desesperación crean un ámbito familiar tan cruel que cualquier dislate es posible, incluso el fin de la relación de dos personas que se han amado hasta el aciago dia del accidente.

La solvencia con la que semejante escenario nos es narrada es fruto del excelente guión, basado en una obra de teatro de David Lindsay-Abaire, galardonada con el premio Pullitzer y la cuidadosa dirección de actores de John Cameron Mitchell (que hace unos años dirigió la divertida "Shortbus", una comedia coral sobre el sexo) , que rezuma respeto por el drama y ofrece un realismo sin sentimentalismos y unas gotas de humor que ennoblecen la película. Aparte de los dos protagonistas observen la magnifica y humana interpretación de Dianne West (¿recuerdan "Anna y sus hermanas"y "Balas sobre Broadway?, esta madura actriz se llevó dos Oscars)  y el actor joven que interpreta al conductor del coche que mató accidentalmente al chiquillo. Creo que se llama Tammy Blanchard. Es una película que merce la pena ver, si no en el cine, en los clubs de dvd o en las webs de pago por visión. 

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Realista y amargo pero enternecedor film con las interpretaciones impecables de un anciano Michael Caine y un niño de diez años (Bill Milner) dirigidos por el británico John Crowley con pericia y respeto, sin sentimentalismos y con un sentido de la realidad acre pero intensamente emotivo. El viaje iniciático de un niño hacia el conocimiento y la aceptación de esas tres nobles verdades budistas que son la enfermedad, la vejez y la muerte, tiene momentos de una profundidad humana que clava al espectador en el asiento, con sabios ramalazos de humor y detalles de ternura.

Crowley, que ha estrenado este año el thriller "Circuito cerrado", firmó en 2009 esta película interesante que no he visto en el circuito normal de exhibición y que seguramente, por esos misterios de las distribuidoras, ha pasado directamente al mercado de DVD. Bueno, en este caso, mejor, así podrán pedirla a su videoclub  y gozar de una excelente película que desborda humanidad en todos sus fotogramas.

La historia acontece en la Inglaterra de los ochenta. Un matrimonio de mediana edad, con unnhijo de diez años, ha arreglado su hogar para convertirlo en una residencia de ancianos. Edward, el niño, crece lleno de preguntas ante la presencia de aquellos devakidos y extraños seres, con sus manías y su precariedad física. La madre, Anne Marie Duff, una tierna y enérgica dama, se cuida de los ancianos derrochando amabilidad, afecto y respeto. Su marido, David Morrisey, la ayuda a regañadientes y aprovecha la presencia de una auxiliar joven para tratar de seducirla y el niño, que se automargina en la escuela, ha desarrollado un morboso interés y una curiosidad macabra por la muerte (que vive como una presencia cercana en los viejecillos). Cuando alguno de ellos fallece, el niño instala una grabadora bajo la cama y trata de sorprender el momento del final con un esotérico despliegue de conjuros y objetos. Pero a la residencia llega un nuevo anciano, enérgico, inteligente y amargado. Un  hombre del espectáculo que se habia ganado la vida como mago en compañía de su amada esposa ya fallecida. La interelacion entre el mago y el niño, que comienza mal pero se va afinando con el paso de los días y empezamos a compartir una serie de hechos que acercan al anciano y al niño  pero también desequilibran al matrimonio y se convierten en uno de esos viajes iniciáticos de la niñez a la adolescencia bajo el signo drmático de las tres verdades humanas que mencionábamos al principio. No les cuento más. Busquen el filme y véanlo. Es aleccionador, duro, inteligente y tierno. Y con un papelazo de Caine que merecería por sí solo uno de esos Oscar que tantas veces le han hurtado al gran, enorme actor.  

Una película baladí. Amable, divertida en momentos, de verguenza ajena en otros, se ve con agrado pero no deja la menor huella. Muy en la linea de la comedia italiana clásica de episodios, un poco de sexo, otro de costumbrismo algo casposo, tópicos a manta y ganas de que el respetable lo pase bien y que más o menos se vea regflejado en la pantalla,  sino en sus vivencias personales,  si en sus oscuros deseos. Tanto éxito de cines de barrio y tardes de domingo debe haber provocado la anterior cinta del mismo director, Fausto Brizzi,  "Mujeres contra hombres", también en formato de plurihistorias definidas por un común denominador, la supuesta "guerra de sexos", que se ha atrevido a añadir más historias en esta segunda parte con los términos cambiados de lugar. En esta un plantel de casi los mismos actores de la anterior se enfrenta a cuatro episodios pretendidamente divertidos e ilustrativos de la citada "guerra". (en casi todos, la parte mas vergonzante corre de parte de los hombres, cosa que, vaya por Dios, refleja bastante la realidad).

Dejamos de lado la identidad de actores y actrices, que en general interpretan con convicción y buen humor y pasamos a una ligera descripción de los sketchs o episodios. No están  montados como independientes entre sí, sino que van turnándose y tienen un elemento común, "ellos" se conocen todos entre sí. Y así vemos la historia del entrenador de un equipo de voleibol femenino, Walter, que tras una resistencia inicial y dado que el reciente parto de su mujer lo tiene a dos velas en sexo, acepta enrollarse con una jugadora de su equipo. El donjuan de barrio Diego mantiene un permanente enfrentamiento con su vecina feminista, culta y comprometida politicamente, hasta que una disfunción sexual le obliga a buscar la ayuda de esta vecina y acaba enamorándose de ella. Andrea y Marta, buenos amigos, se enamoran de una misma chica, que parece corresponderle a los dos,¿qué pasará? Y por fin, la madura funcionaria Nicoletta se enfrenta a la crisis de la media edad cuando es abandonada por su marido por una mujer más joven (quizá el episodio más divertido y menos vulgar, aunque como ven no muy original).Lo dicho, una pelicula para ver y olvidar.