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Soberbia película sobre el amor y su imparable deterioro en una pareja en la que no existe equilibrio, entendimiento ni comunicación más allá de lo físico y de las emociones primarias. Ryan Gosling y Michelle Williams, que también ejercen de productores ejecutivos nos dan un recital de interpretación ajustándose como guantes a los emocionales y románticos personajes. Derek Cianfrance logra evitar el melodrama a pesar de que el guión amenaza en varios momentos con desbordarse por terrenos non gratos. La justeza gestual del gran Gosling (The Driver, Brigada de elite o Los idus de marzo) tan escueto y eficaz como Brando o Clint Eastwood en su actual madurez, se ve excelentemente correspondida por la sensibilidad sensual de la Williams y ambos nos muestran el desolado panorama de una pareja donde al amor incondicional y primario de uno se opone la vulnerabilidad y el desapego de ella. Atrae la pureza emocional que muestra Gosling (que se refleja en el intenso amor de su pequeña hija hacia él, esa percepción profunda de los niños hacia la parte más débil y necesitada de sus progenitores). Cine indie norteamericano dotado de una escritura exquisita y una madurez conceptual extraordinaria (de hecho parece más un clásico europeo que un éxito  de la taquilla adulta norteamericana) logra atraer y al mismo tiempo herir al  espectador sensible, que en buena medida tiene todos los números para sentirse identificado en algún momento con esas vidas plenas de candor y tristeza que se desgranan sobre la pantalla con una delicadeza exquisita.

Hay una enorme sutileza en esa descripción del pasado y presente de una pareja, su amor y su desamor, mientras la cámara va deshojando la vida de dos personas, sin honduras ni complicaciones, sencilla en su drama intenso (esa mirada de dolorida incomprensión  de Gosling comprobando como su amor no es correspondido por su mujer, ese rostro atónico y crispado de no poder creer que su felicidad ha terminado y que la mujer idolatrada se convierte en una extraña de gestos desabridos y palabras duras) en el que se plantea la  vulnerabilidad de los sentimientos, la degradación del amor, cosa totalmente inaceptable para el ser puro y elemental que encarna Gosling. Hay una gran verosimilitud en esos dos personajes transidos de dolor e insatisfacción y expuestos con un enorme respeto en un discurso narrativo modélico que va saltando del pasado al presente con hilvanes a veces un poco confusos pero en general bien ajustados. Uno comprende que la cuestión básica que se plantea es la persistencia del amor o su disolucióin siempre despareja, el drama implícito en ese "siempre ha de haber uno que pierde más, que sufre más que el otro en la relación de pareja. Uno que domina y otro que es dominado, uno que quiere huir y otro que pasaría el resto de su vida ansiosamente unido a su pareja. El intento patético y poco eficaz de mejorar la relación propuesto por Gosling a su esposa (pasar el fin de semana en la habitación de un hotel temático, precisamente "la habitación del futuro") se convierte en la gota que desborda el vaso de la incomunicación sentimental en la pareja. El amor se ha puesto a prueba y no la ha superado. A resaltar el hábil comedimiento que Gosling pone a las escenas de violencia donde siempre hay más dolor y sufrimiento que violencia intrínseca (nunca aplicada a la esposa), convirtiéndose esta en una reprobable y sobre todo inútil muestra de amor desesperado. La rutina que ahoga a la Williams y el desencanto que manifiesta Gosling con su contención llena de fuerza reprimida, deja un poso melancólico y triste en el espectador, que comprueba en los personajes de este relato la carga lamentable que deja el amor desdichado en uno y el desapego y rechazo en ella (papeles no habituales en las relaciones hombre-mujer). Dada la simplicidad de ese planteamiento, las subtramas no acaban de ser meras anécdotas que añaden muy poco y obstaculizan el desarrollo de la cinta (por ejemplo, la del novio anterior de ella, padre de su hija, o la de la abuela en el asilo), meros brochazos patéticos que rompen el ritmo de la película y desconciertan un poco al espectador. Defectos mínimos que no restan valía a esta película valiente. que enternece con el personaje masculino y desconcierta con el femenino, cuyas claves de comportamiento no acabamos de ver de forma clara. Cienfrance ha dirigido una película notable. No se la pierdan. Película para adultos, por supuesto.

  Ya está en los cine la última película del Danny Boyle. "Trance" es un thriller psicológico y parte de una situación, el robo del cuadro de Goya "Vuelo de brujas", en el que está involucrado el protagonista, un empleado de alto nivel de una casa famosa de subastas de obras de arte, Simon (James McAvoy), su socio, el delincuente Franck (Vincent Cassel) y una psicóloga especializada en hipnotismo, Elizabeth (Rosario Dawson). Un triángulo con desarrollo erótico de alto calibre, en el que el sexo, el amor (?) y la violencia se introducen en una acción que va cambiando constantemente la información que el espectador cree tener, proporcionando sorpresas y aclaraciones que van hurtando una y otra vez los iniciales parámetros argumentales.

Danny Boyle, que obtuvo un Oscar con la interesante "Slumdog Millionaire" (2008) y dirigió en el 2010,la fenomenal "127 horas" (de la que ya hablamos aquí mismo) diseña en "Trance" una historia algo tramposa pero resultona que gustará poco a los psicólogos, pero que encantará al espectador medio y sobre todo a los aficionados al thriller psicológico (al estilo del "Origen" o "Memento"  de Christopher Nolan) en la variante bastante conocida de mostrarnos las interioridades de la mente de un sujeto que ha cometido un delito o un crimen. El objeto de tal delito es, como hemos dicho, el famoso cuadro de Goya que se convierte casi desde el principio en el mcguffin (el pretexto, según el gran Alfred Hitchcock) del argumento, aunque no se le saca la punta alegórica brutal que el lienzo goyesco parecía prometer. De hecho, Boyle hace lo contrario de lo que denuncia el genial sordo (cuando pintó este cuadro Goya estaba casi totalmente sordo, aislado y deprimido. "Vuelo de brujas" forma parte de la época oscura y dramática del pintor: el cuadro es una crítica demoledora contra la superstición) es decir, el cineasta galés parece complacerse en apoyar esa misma superstición hacia los poderes esotéricos, en este caso de la hipnosis.

Pero, dejando al margen consideraciones culturales, la película logra mantener el interés y la intriga en el espectador, le proporciona suficientes elementos de sorpresa y conduce dinámicamente --a pesar de ciertos despistes y excesos- hacia un final inesperado y travieso, con una secuencia abierta que deja una sonrisa en el patio de butacas.

La puesta en escena está bien calibrada, se repiten planos sorprendentes, el ritmo está casi siempre bien llevado y los actores principales, los tres, están bien metidos en su papel y consiguen sorprender al espectador  con las variaciones de sus actitudes. La complejidad personal del empleado de una casa de subastas (McAvoy) que oscila entre una aparente ingenuidad y una maldad casi psicótica, las argucias de la psicóloga, la bellísima Dawson, convertida en peligrosa diosa de  supuestos poderes, objeto del deseo de los dos hombres y, el dúctil e inteligente Vincent Cassel, siempre acertado en sus papeles de "malo" frío y elegante, conforman un trío perfecto, bien arropados por unos secundarios muy resultones que se mantiene en un discreto segundo plano, como corresponde.

Una historia, pues, con varios niveles de lectura y con una complejidad argumental que deja cabos sueltos o olvida explicaciones, pero que, en conjunto, deja una buena impresión y --cosa interesante-- provoca el deseo de volver a verla para "ajustar detalles".

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Basada en la obra de teatro del madrileño Juan Mayorga, "El chico de la última fila", de la que hace una  recreación casi en forma de thriller, el director francés François Ozon, (El tiempo que nos queda, Potiche, Jeune & Jolie),  realiza con "En la casa" un filme intranquilizador, obsesivo, áspero, que crea en el espectador una sensación incómoda pero fascinadora.

Apoyándose sobre todo en Fabrice Luchini, como Germain, el frustrado profesor de lengua en un instituto francés de enseñanza media y en Ernst Umhauer (un auténtico hallazgo) Claude, un prometedor alumno de literatura, Ozon nos relata la compleijdad de una relación morbosa casi patológica entre profesor y alumno. Pero que nadie piense en el socorrido elemento sexual: la complejidad de la relación entre un profesor descontento con su trabajo, aburrido de la mediocridad de sus alumnos ( y frustrado escritor) y el joven y prometedor alumno dotado para la narración que utiliza medios poco habituales, peligrosos e inmorales para lograr realizar su trabajo, lleva el nudo narrativo a una cuestión ética profunda, habilmente manipulada por el muchacho, que revela una capacidad innata para el mal.

El filme se llevó con todo merecimiento la Concha de Oro a la mejor película en el ultimo festival de San Sebastián. y el premio del Jurado al mejor guión. La soberbia metamorfosis de una supuesta comedia ligera e irónica sobre el poder de la literatura, las carencias de la enseñanza, los deseos de genialidad siempre frustrados, la defensa de la individualidad, las frustraciones de los letraheridos...se convierte poco a poco en un drama profundo y lleno de suspense en el que todo se trastoca y los errores y los excesos se encadenan hacia un final dramático y lacerante, donde se propone una tentación amoral, una obsesión voyeurista en la que la dignidad ya no tiene sentido.

Y asi se corona el juego perverso, metaliterario, que Ozon propone a sus espectadores, de una forma incómoda pero eficaz. Rodeado de grandes actores, Luchini (siempre excelente), Kristin Scott Thomas o Emmanuelle Seigner como objeto del deseo, Ernst Umahuer elsel auténtico rey de la función, sociópata con aires de àngel y miradas y sonrisas de demonio, un chico joven que tiene el aspecto y las maneras de ese vecino tan majo y educado que muchos hemos conocido.

Quizá se le ha ido la mano a Ozón en el final, con la reacción de Kristin Scott, tan excesiva que deja asombrado al espectador. El deseo y su ley es el motor que mueve a casi todos los personajes, pero no de una forma clara, sino matizada y a veces ligeramente perversa o inaceptable. Tal vez con la excepción importante de Claude, el joven mirón, que busca entrometerse en la vida del otro hasta casi sustituirlo: y aquí se precibe más bien una brutal carencia afectiva y emocional, que no justifica la desviada conducta del chico pero nos permite comprenderla. 

Excelente película ambientada en el mundo de las subastas de arte. con un recital magnífico de ese grandísimo actor que es el inglés Geoffrey Rush, capaz de integrar con absoluta convicción a un sobreactuado capitán Barbossa en la franquicia de "Piratas del caribe", como el logopeda fantasioso de "El discurso de el Rey" o el melifluo espía a la fuerza de "El sastre de Panamá", una especie de explosiva mezcla entre el histrionismo contenido de Sir Alec Guinnes o la elegancia natural de un Rex Harrison, deambulando con sofisticada presencia bajo la música sutilmente antigua de Ennio Morricone. Una historia de amor otoñal (el clásico enamoramiento goethiano de hombre mayor con jovencita) ambientada en el mundillo de las subastas, con toques de suspense, un sabor centroeuropeo, un reparto internacional y rodada en inglés. Virgil Oldman --encarnado por un soberbio Rush--, un subastador inglés, un obsesivo de la limpieza, el orden y la soledad, vivirá una profunda transformación gracias a una inesperada relación sentimental con una misteriosa joven (hacia la que siente desde el principio una mezcla de rechazo y curiosidad) enclaustrada por propia voluntad debido a supuestas dolencias.

 "Es una historia de amor contada un poco como un thriller pero sin detectives ni agentes de policía" ha afirmado el director, Giuseppe Tornatore, en una entrevista de promoción.

Curiosamente la película no acaba de aparecer en las carteleras españolas, pero en cualquier caso cuando lo haga (sería una irresponsabilidad no estrenarla) por poco inglés que conozca pásese a la versión original, podrá captar los matices increíbles que da a su voz ese actorazo. La historia tiene que ver con el amor y con la codicia, con el arte, el mundo de los coleccionistas y el de los técnicos y especialistas en pinturas, muebles y objetos artisticos. Resulta muy semejante, demasiado, al que nos pinta  la pelicula "Un Plan perfecto" (2012) interpretada por Colin Firth (otro espectacular actor británico, que acompañó a Geoffrey Rush en "El discurso del Rey"). De hecho el personaje central de Firth en "Un plan perfecto" es como una versión más joven del que interpreta Rush en "La mejor oferta".

Pero a pesar de esto, la película que comentamos es muy digna de verse y disfrutarse. Está muy bien contada, el plantel de actores secundarios (Jim Sturges, un extraordinario Donald Sutherland --otro actor que ha ganado con la edad, como Sean Connery-- y la bella Silvia Hoeks que logra dar un aire misterioso y vulnerable a su papel lleno de dobleces.

Escrita y dirigida por el italiano Giuseppe Tornatore, responsable de títulos como 'Cinema Paradiso', 'La desconocida' y 'La leyenda del pianista en el océano', creo que ha logrado superarse a si mismo y a mi parecer podría ser la mejor película de su filmografía, en la que ha evitado el sentimentalismo y la emocionalidad de su gran exito anterior, "Cinema paradiso" o el maniqueísmo elemental de otros títulos.

Le cinta guarda un mensaje con moralina que no acaba de apuntalar la fuerza de la película. Quizá lo más flojo sea el alargamiento excesivo del final, cuando el tasador, hundido, va descubriendo algunos detalles de la turbia historia en la que se enredó. Tal vez el final absoluto, con ese travelling inverso alejándonos del protagonista, sentado solo en un restaurante de moda, rodeado de gentre ajena e indiferente y sumido en una absurda espera que nunca tendrá reposo (el acierto estriba en contraponer esa imagen desolada con la inicial que nos presenta al estirado caballero en un restaurante lujoso comiendo solo en su propia vajilla, rodeado por la atención y la admiración del resto de los comensales).

Gran película, pues, donde todos los actores citados --Sturgess crea un personaje genial y contradictorio-- logran envolver al cauto pero vulnerable Geoffrey Rush en una danza de mentiras y tinieblas en la que destaca con fuerza propia todo el tema del autómata misterioso (que recuerda muchísimo al de "La invención de Hugo" de Scorsese). De verdad, no se la pierdan cuando llegue a nuestras pantallas.

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Para todos los lectores que ya veían cine en los años sesenta esta película es como un revival romántico, algo ñoño y magníficamente recreado ambientalmente del llamado "cine rosa" de aquellos años. Una especie de bienintencionada recreación de las comedias blancas en rabioso tecnicolor de las  juerguecitas sentimentales tipo Doris Day y Rock Hudson (aunque en esta hay una inesperada recreación de un acto sexual, eso sí muy circunspecto, con mucho "flou" y cortes anatómicos solo femeninos).

La cosa transcurre a finales de los cincuenta y se nos sirve, con la comicidad gala, una especie de mezcla de Audrey Toutou en "Amelie" y de Audrey Hepburn de "My fair lady" (de hecho la foto de esta actriz norteamericana sale en algunas escenas), envuelto todo con la colorista y algo quica estética de la época: una secretaria dotada de una gran velocidad mecanográfica es contratada por el jefe de una empresa de seguros que se obsesiona por convertirla en la mas rapida mecanógrafa del mundo de aquéllos años. Tan absurda pretensión, menos creible que la del profesor Higgins que pretendía hacer pasar a una pobre florista por una dama de alta sociedad solo perfeccionando su lenguaje, provoca una  relación que --con los altibajos normales en este tipo de comedias de superación personal y social,--acaba resultando un cuento de hadas sin demasiada magia y bastante previsible en general.

Prescindiendo de la poco convincente moraleja de la historia, que evoca las diferencias de sexos de aquellos tiempos (en los que a lo máximo que podía esperar una muchacha de la clase humilde era a ser secretaria)  pero trata de endilgarnos a base de humor un discurso más actual sobre esas diferencias, la película remite siempre a un mensaje edulcorado cuyo final está cantado desde la primera secuencia: una legión de aspirantes femeninas a un empleo que el jefe de la empresa debe evaluar con parámetros por lo menos confusos, en los que brilla el tópico de la mujer poco inteligente pero eficaz y ornamentada servidora del prepotente varón.

Regis Roinsard dirige esta su primera película con Romain Duris, un actor ligeramente acartonado pero adecuado y una Déborah François que recuerda en todo momnento los gestos e indefiniciones de la Hepburn frente al poder y la fuerza de su mentor, el profesor Higgins en la citada "My fair lady". Como suele suceder en el cine francés, apariciones de viejas glorias como Miou-Miou, el incombustible Eddy Mitchell en el rol del gruñón padre del protagonista o la agradable Berenice Bejo.

Así pues, película de buen pasar, comedieta romántica trufada de competición "deportiva" (la de los mecanógrafas, tal vez lo más conseguido de esta película) para facturar una historia llena de colorines, publicidad quitch de los setenta y ochenta y ninguna intención crítica, un anacronismo mucho menos logrado que "The artist", por ejemplo, (evocación nada gratuita debido a la ,presencia de Berenice Bejo) acercándose más a la línea de telefilmes como "Mad Men" aunque sin la mordiente crítica de esa excelente serie.  Colores pastel a gogó, música rockera de los sesenta, bailes de la época, vestuario calcado, todo suena a los sesenta y desgraciadamente también el listón de calidad no rebasa la de aquellas comedietas de programa doble de cine de barrio. Es una rememoración amorosa de las películas francesas que ponían furiosos a los de la "nouvelle vague" y que se realizaban como imitación de las procedentes de Hollywood y que arrasaban en el cine popular de entonces.