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 Cinco películas, cinco, de las aventuras del teniente de la policía de Nueva York, John McClane, en la saga "Jungla de cristal",desde 1995, dan para muchos excesos y en este caso, para dos muy definidos. Si la trilogía inicial fue un magnífico "in crescendo" de habilidad narrativa, emociones y retos intensos muy bien resueltos casi como modelos del cine de acción, ya en 2007 "La Jungla 4.0" con un Willis prejubilado y sobre todo en la actual, "Un buen día para morir" con el consabido retoño del protagonista rivalizando con su padre (que no deja de quejarse con el sonsonete "yo estaba de vacaciones"), la característica eficacia narrativa de acción pura y dura, con el sarcasmo de Willis, de la trilogía inicial solo tiene presencia en dos secuencias principales que se sitúan en los dos extremos de un ranking de bondad cinematográfica: la inicial, con la persecución automovilística por las calles de Moscú y la final con el helicópteto artillado tratando de convertir en carne picada a padre e hijo. La primera, pasable aunque excesiva y la segunda desdeñable por excesiva.

Como suele suceder en las sagas, la aparición del hijo mata un poco, o bastante, al padre., siguiendo la regla psicoanalítica. Indiana Jones lo padeció en "La calavera de cristal" y ahora el destructivo McClane apenas puede sobrevivir a la experiencia y deja al espectador tan cansado y plano como el actor, al que uno le desea un retiro menos agitado y más productivo. La edad no perdona, amigo Willis, y ya sólo nos falta que acompañes a tu nieto en una aventura tan deslabazada como ésta a fin de hacernos ver que llevas muy bien la sesentena.

Esta "Un buen dia para morir" no pasa de ser un buen día para hacer una película reiterativa y con vocación clónica. Uno casi no recuerda al arrogante McClane enfrentándose a malos con bastante sentido del humor (negro) , el de ahora parece un abuelo cachas que no acaba de creerse lo que está haciendo. El director, John Moore, no tiene ni el talento, ni las agallas, ni el sentido de la acción y la parodia que tenía el director de las otras cintas de la saga, James Mc Tiernan. Lo unico bueno es que Moore no supera los 90 minutos de disparate, cosa que es de agradecer, ya que se permite dispendios absurdos como los diez minutos iniciales, tras el aperitivo de acción, con Willis metido en un taxi de Moscú mientras el taxista le canturrea "New York, New York". Luego como compensación no le cobra la carrera. Sería bueno que los productores de la quinta secuela de la saga de "La Jungla de cristal", devolvieran el dinero de la entrada a los espectadores que han sufrido con esperanza y nula emoción el regreso del héroe Mc Clane.     

 Como decía, John Moore dirige con mano indecisa y poco  fascinadora esta película que sólo encantará a los fans acriticos del actor Willis o del héroe a la fuerza siempre humanizado, Mc Clane. Jai Courtney tampoco ha sido una buena elección como vástago de Willis, ya que no logra dar ese tono de cierto humor, autoparodia y sentido del ridículo  que sería preciso para hacernoslo simpático o tan atractivo como al padre (a pesar de que la cámara, cosa interesante en el "star system", se demora más en él que en su famoso progenitor ). Detalles como  el malo tratando de bailar claque mientras canta, roe una zanahoria y se dispone a matar a la pareja, puede sonar un poco al viejo McClane de la trilogía, no abundan en una película en la que el teniente de la policia neoyorquina casi desaparece en la memoria del espectador y la barahúnda de estallidos, disparos, muertes, explosiones podría pertenecer a cualquier película menor de las que se hacen ahora. El negocio se ha impuesto a la coherencia en esta saga memorable en el género de acción. El humor socarrón que Willis imprimía a su personaje casi ha desaparecido y las protestas de amor paternal suenan a falso y a diálogos baratos para relleno de pelis de acción. Producto indolente que no acaba de levantar el vuelo a pesar de la eficacia de Bruce Willis para vestir cualquier pelicula. Mal montaje, oscuro en ocasiones, guión regular con momentos gratuitos y algunas incoherencias, unido todo ello a unos villanos poco creíbles y sin el encanto de los malos de la trilogia inicial (¿se acuerdan de Alan Rickman como Hans Gruber en "Jungla de cristal" o de Jeremy Irons en la tercera? Qué lujo de villanos). Por tanto, película escasamente atractiva excepto para los aficionados al estruendo y la destrucción cuanto más masiva mejor.

Bellísima historia de amor entre un Romeo y una Julieta de dos mundos distintos, uno del "de abajo" y otra del "de arriba". Dos planetas unidos y brutalmente separados por gravedades opuestas, formando una dicotomía de mundos contrarios, rico y materialista el de ella, pobre y explotado el de él. Una fábula de ciencia ficción, maravillosamente creada por la magia de la técnica virtual cinematográfica que saca en esta cinta todo su esplendor y un sueño de posibilidades expresivas de una estética apabullante.

Pura poesía visual, a pesar de las lógicas limitaciones y excesos de un argumento  previsible que se acomoda a la moraleja del cuento, de todos los cuentos de amor: la superación de barreras imposibles por la fuerza del amor. Juan Solanas es, para mi, el desconocido director (argentino) de esta pequeña joya, que lleva con buen pulso la dramática historia de amor entre Don Sturgess y Kristen Dunst, las peripecias de una relación revolucionaria que atenta contra la férrea división de dos mundos. Romeo y Julieta llevados a un escenario de sueño y de pesadilla al mismo tiempo. Coproducción franco-canadiense con dos buenos actores y  un argumento ingenuo y algo enrevesado que va desarrollándose con un ritmo excelente manteniendo el interés del espectador, clavado ante una pantalla de imágenes mágicas, oníricas, con momentos de cierto exceso. Una apuesta arriesgada que se resuelve de una forma tramposilla en busca de un final feliz que ya cae en lo  estrafalario. Los dos mundos, el explotador y el explotado están unidos por una inmensa torre corporativa (una solución semejante a la de la nueva versión de "Desafío total") y sólo hay una substancia que soporta y vence la oposición esencial de las dos gravedades opuestas: el polen de unas abejas que polinizan las flores de los dos mundos. Eso da al director el elemento que faltaba para producir la ruptura de la situación y permitir el desarrollo argumental.

El problema es que se trata de un filme independiente, alejado de las "majors" de la industria del cine, por lo que es posible que se convierta en una de esas películas de culto (sin llegar a ser una gran película) sólo por su previsible condición de película "maldita". Persíganla en los dvdclubs en cuanto tengan noticia de su presencia en el mercado. Estén atentos a la presencia y actuación del gran Timothy Spall, ese actor secundario cuyo difícil físico le convierte en un actor generalmente desaprovechado pero magnífico en todas sus apariciones. Disfruten con ella, con sus momentos mágicos y sus imágenes increíbles. Incluso perdonen los fallos de guión y la precipitada busca del final feliz. La verdad es que merece la pena.

Dirigida por Jordi Faura, "Groenlandia" es una propuesta ambiciosa que no logra sus objetivos, desconcierta al espectador y se pierde en divagaciones y provocaciones sin demasiado interés. La escena nos muestra un paisaje helado, desolado en Groenlandia. Una joven indígena se desnuda para buscar en las entrañas de una foca muerta. Hace un ritual hermoso de desagravio (por lo visto es común en muchas culturas aborígenes: el respeto por el animal muerto para alimentar a la tribu), pero se detiene asombrada y asqueada: en el interior sangrante del animal encuentra una botella de plástico. La escena cambia y una pareja madura de turistas llega a ese lugar inhóspito  acompañado por un antropólogo. La mujer, muy prepotente aclara que no es una turista sino una buscadora y lo que busca es una extraña flor que se encuentra en un extremo de Groenlandia. Solo esa flor es capaz de detener una rara y mortal enfermedad que padece. Estamos en el inicio de una historia que promete...pero no tardará en convertirse en un recital de despropósitos con más o menos fortuna, desde una canción rap cantada por uno de los protagonistas acompañado de un videoclip, hasta la aparición de  los personajes del drama, cada vez más absurdos e improbables.

Todo circula en torno a una propuesta ecológica en forma de denuncia y de tópicos humanistas, que ambicionan ser símbolos y no pasan de ser máscaras y estereotipos.

Se trata de una evocación de la cultura de los "inuit", aborígenes de Groenlandia, con incesantes aportes de misticismo ecológico enfrentado a la presencia del capitalismo salvaje y depredador personificado en el matrimonio maduro (propietarios de una empresa petrolífera) y de sus dos hijos, un rapero que busca inspiración y un halcón agresivo, pedante y elemental. Estos responden al nombre de Rómulo y Remo, su madre es Roma y el marido César. Se trata de lograr un nieto para la enferma Roma o serán desheredados.  También está el desorientado antropólogo, un cazador inui que les acompañará y su hija, la joven inui que debe aspirar a ser la esperanza de una nueva vida y quizá una oportunidad para que las cosas cambien. Alterándolo todo, el clima brutal del país y las tormentas de nieve y frío insoportable que acabarán con casi todos los personajes y casi con todos los espectadores (no de frío, sino de aburrimiento).

Escenas tan originales como el "acto sexual" del magnate con la tierra (una metáfora desvelada por el mismo actor que en su penoso acto proclama que va "a joder" al país en busca de petróleo) o las luchas entre el cazador y Rómulo o entre éste y su hermano, van llevándonos hacia el previsible final que deja al respetable ni caliente ni frío, sino todo lo contrario.

 Francamente la conversión de la magnífica --y folletinesca-- novela de Victor Hugo "Los miserables" en un producto de consumo de masas, un musical archirepresentado en el que los recios caracteres huguianos se diseminan en la edulcoración y el cartón piedra, siempre me ha dejado más bien frío y desalentado.

Para que no se diga de que el prejuicio ha sido superior a la curiosidad cultural, accedí a la obra de teatro en su día (en el palacio de Deportes barcelonés) y ahora a la película, una superproducción nutrida de buenos intérpretes. En las dos ocasiones el asunto me dejó tan escaso poso que ni ganas tuve de reseñar la obra y ahora cojo la pluma para cerrar el círculo y reconocer paladinamente que, a pesar de los oropeles de una superproducción y las caras conocidas invistiendo los personajes y una banda sonora nada deleznable, por algun fallo de mi percepción sensible, no me conmueve lo más mínimo la dura aventura vital de Jean Valjean, cuando sobre el papel y en los viejos días de la lectura adolescente, sí me fascinó.

Incluso la película de 1998 dirigida por Bille August e interpretada por Liam Neeson y el gran Geoffrey Rush, (y mucho más la versión francesa de los años cincuenta) me hicieron vibrar. Este musical que nació a finales de los 70 y ha sido visto por 60 millones de espectadores de 42 países, con una antiguedad de más de 20 años de representaciones consecutivas en Londres, me deja, perdonen ustedes, absolutamente indiferente. Cosas de diván, supongo.

Jean Valjean adquiere en esta película los rasgos duros de Hugh Jackman, el comisario Javert es Russell Crowe, la dulce Fantine es Anne Hathaway, Isabelle Allen su hija. Helena Bonham Carter y Sacha Baron Cohen, prestan su desbordado histrionismo a sus personajes excesivos. Dirigidos con mano poco coherente por Tobe Hooper (mucho más acertado en "El discurso del Rey") , quiza deslumbrado por la grandiosidad del empeño, la mastodóntica producción de casi tres horas le viene demasiado grandesa un director que parece naufragar ante las exigencias espectaculares  de la obra que, casi en ningún momento, parece superar su condición evidente de producto industrial destinado a masas de provincianos culturales. Francamente, para este viaje no hacían falta tales alforjas. Por favor, dejen a Victgor Hugo en paz. Limítense a leerlo.   

Noche de Teatro en el Goya barcelonés (el recinto dirigido por ese actorazo llamado José María Pou, al que acabamos de ver bordando un papel histriónico y de trazo grueso en "Blancanieves").  La trama ya la conocen los que siguen este blog (hace unos días les hablé de la película francesa del mismo nombre dirigida por los autores de la obra teatral, Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patellière). ¿Recuerdan? Un tipo cuarentón, bromista, triunfador, visceral y prepotente, Vicenç, está a punto de ser padre primerizo. Al contrario que en la película, en la que la acción es narrada por el otro macho-alfa de la obra, Pere, el intelectual abusón, egoísta e irascible, en la versión muy inteligente que ha preparado Jordi Galcerán, es Vicens quien nos cuenta lo que ocurrirá en esa cena de amigos que acabará como el rosario de la aurora. Pere, profesor universitario, pedante y mezquino, está casado con Isabel, la hermana de Vicens. A la cena acude otro invitado, el melifluo Claudi, amigo de la infancia de los tres anteriores y se espera a la embarazada Anna, compañera de Vicens, que suele llegar tarde a todas las citas. El gran tema de la cena marroquí que Isabel ha preparado será la proxima paternidad de Vicens. Todo transcurre de forma divertida y previsible hasta que alguien le pregunta a Vicens cómo van a llamar a su hijo. Y aquí comienza la debacle inesperada pero planteada como una bomba de relojería: Vicens asegura que van a llamar "Adolf" al niño y aquí fue Troya: encabezados por un irritado y agresivo Pere todos tratan de convencer a Vicens de que poner el nombre de Hitler a un niño no es algo aceptable. Como en "Arte" o en "Un dios salvaje", ambas obras tetrales de gran éxito de Yasmina Reza (con una magnifica versión cinematografica de la segunda dirigida por Polanski) es un detalle mínimo, baladí, el que motiva que, como cuando se destruye un dique, una masa violenta de palabras, insultos, razonamientos, ataques y rencores salgan a la luz en un entorno aparentemente culto y civilizado. Hay que decir que aun siendo el esquema teatral muy semejante, aun hay distancia cualitativa entre la pareja autora de "El nom" y la genial Reza. No  obstante, es una obra que hay que ver, reir con ella y pensar en ella. En el escenario, dirigidos por Joel Joan, que también interpreta a Vicens con gran dominio de  la vis cómica y un poco excesivo como siempre, un Lluis Villanueva como Pere, más contenido en el gesto aunque demasiado gritón, Xavi Mira como Claudi, y las damas, Sandra Moncús como Isabel (la mejor del elenco) y Mireira Piferré como la preñadita futura madre.

La version catalana es hábil, graciosa e inteligente. El traspaso a circunstancias locales ha sido realizado con mucha habilidad por Galcerán y se puede considerar una versión a la altura de la francesa en el cine, aunque mantiene los detalles poco conseguidos de la primera (el tema del "asesinato" del perro y la culpabilidad, por ejemplo) mejora sin duda algunas intervenciones (como la perorata de importancia capital que Isabel elabora para cerrar la infausta noche).