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El que va a ver una película de Sacha Baron Cohen (dirigido por Larry Charles, compinche y coautor visceral de todo este chispeante desaguisado) sabe a lo que se expone. Si ha visto "Borat" y la inferior pero aún estimable "Bruno" (no contemos con el papel excesivo y lleno de tics de policía de la estación de tren de Paris en el "Hugo" de Scorsese, esa maravilla del 7º arte que aprovecha todos los recursos técnicos para urdir uno de los mejores homenajes al cine) entrará en la sala para desternillarse de risa. Solo si uno es del nivel de los espectadores más sencillos; Se asombrará y divertirá ante la mala uva de lo que allí se cuenta, su no está entre los más entendidos; y gozará con la critica acerada e irónica de nuestra política y nuestra sociedad, si uno es de los que no se entusiasman con el humor de sal gruesa y escatología pero sabe degustar un plato zafio pero incisivo, valiente y original.

Esa polisemia del lenguaje de Baron Cohen pese a su aparente vulgaridad y simplicidad directa, es lo que convierte a "El dictador" en una película apreciable, aunque no sea una buena película. En esta ocasión, como en algunas --pocas-- otras, importa más lo que se dice --o se insinúa indirectamente-- que el cómo se dice.

Y el mensaje implícito --aunque fallido y luego les dire por qué-- de Cohen está muy claro: las despreciables dictaduras son el revés igualmente despreciable de las democracias que no cumplen con sus principios, es decir, practicamente todas. El desfile triunfal de Cohen por la 7ª avenida neoyorquina, representando al almirante general Haffaz Aladeen, dictadorzuelo de la república norteafricana de Wadiya, un remedo cómico pero letal de Gaddafi, Idi Amin Dadá, Mubarak y demás fantoches sanguinarios, unido a su barba inverosímil, montado en camello y rodeado de hermosas beduinas armadas hasta los dientes, mientras clama a pleno  pulmón su amor por la democacria americana, patria del sida, de las estafas financieras y del racismo y sexismo más intolerantes, es una imagen que ejerce de humoristico revulsivo de todo lo que no nos gusta de aquél gran país lleno de grandes defectos y de muchas virtudes.

No se trata de un remedo colorista y de humor fácil de "El gran dictador" de Chaplin como podria creer alguien que no conozca a Baron Cohen, pero también juega con la ambivalencia del doble con menos habilidad que Chaplin. Si en la pelicula de este queda claro el distanciamiento entre el dictador Heinkel y el barbero Chaplin, en la de Cohen el "doble" nunca de ser el animalejo sanguinario e inhumano que es el dictador, provocando que la gracia y la simpatía de uno se comunique al otro. Y la verdad encontrar algo positivo, siquiera sea el humor, en semejante monstruo, resulta innecesario y lamentable.

 Tampoco sabemos a quien se refiere Baron Cohen con su atrabiliario dictador, aunque se nos dan pistas evidentes de que nos habla de una mezcla de Saddam Hussein y Gaddafi. Heninkel-Hitler estaba bastante claro, aqui al perderse la referencia segura, el mensaje pierde algo de su contundente critica corrosiva, lo cual es una lástima dada la eficacia malévola con la que analiza los desmadres politicos, humanos y financieros que la sociedad occidental, a traves de sus políticos está provocando a sus cada vez más constreñidos ciudadanos, sin contar las aventuras neocolonialistas que llevan la guerra y el terrorosimo a todos los rincones del mundo. El problema es que este tono de burla y cachondeo irreverente por todos los estamentos y doctrinas hace que los contornos se difuminen y el mensaje pierda fuerza. Este es el tercer elemento negativo que Cohen no logra evitar.

Solo el enorme sentido del humor que se despliega permanentemente en "gags" frescos y descomunales, que en algun momento se vuelven reiterativos, logran evitar el cansancio en el espectador (quiza por la inteligente táctica de presentar una película no muy larga, no llega a los 90 minutos, cuya amplisima trama se comprime en esos gags encadenados que no llegan a impacientar o aburrir al espectador).

Escatología, grosería de baja estofa, vulgaridad, sexismo declarado en forma de bromas de dudoso gusto, tratan de hacernos tragar el anzuelo argumental de la película: el dictador arabe que viaja a Estados Unidos a hablar ante las N.U., es traicionado por su hombre de confianza (¿que hace un actorazo como Ben Kingsley, en un películo como este?) y aprende a conocer la sociedad que detesta desde su nivel mas humilde, hasta que logra volver al nauseabundo poder, naturalmente sin haber aprendido nada, excepto hipocresía y disimulo para seguir haciendo las barbaridades  que hacía pero menos descaradamente (es decir lo que hacen tantos desde el poder en nuestra descafeinadas supuestas democracias). En resumen, pelicula para cualquiera que busque diversión directa y algo vulgar pero eficaz, estudiosos del cine político en su rama de humor paródico y fanáticos --que los hay, como también los hay del infumable Torrente-- de Baron Cohen. Los demás, abstenerse.

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Primero fue una lucha entre la manera de hacer animación de la revolucionaria Pixar (la maravillosa y creativa empresa del flexo saltarín) y las demás firmas post-Disney, entre ellas la capitaneada por Spielberg (DreamsWorks) que inició en 2005 la saga de "Madagascar", sin lograr ni el éxito ni la fuerza creativa de, por ejemplo, "Up", "Toy Story" o "Walle-e". No habia mucha originalidad, pero sí ganas de divertir y hacerse con la franja menos comprometida del público familiar. Tras una bajada de interés con "Madagascar 2", la llegada de la tercera entrega de la saga, esta vez irrumpiendo los protagonistas en el escenario europeo, logra un nivel más alto, sin llegar a emular a las maravillas de Pixar, pero igualando por lo menos la saga de los Ice Age. Aun reconociendo que los personajes de Ice Age son más carismáticos que el león Alex, Marty la cebra, Melman la Jirafa y Gloria la hipopótamo, en esta tercera entrega los creadores de la serie,  Eric Darnell y Tom McGrath, dejan la batuta de dirección a Conrad Vernon, el guión lo firma Noah Baumbac y la música nada menos que  Hans Zimmer: el resultado es óptimo.

Desde las secuencias iniciales con el cumpleaños de Alex y el desembarco en Montecarlo de los amigos en busca de la troupe de pinguinos de acción y el batallón de los simios que están desbancando el casino de Monaco, la película se proyecta de una forma magnífica en dos direcciones, la del mundo del circo y la huida del grupo de animales ante la persecución de uno de los grandes hallazgos de esta película: una "mala", policía-cazadora "de animales", la capitana Chantal DuBois,  una especie de mezcla explosiva entre Cruella De Ville, Cat Woman, Marlene Dietrich, Bette Davis y con la voz y estilo de Edith Piaff, que intenta atraparlos para devolverlos al zoo de Nueva York.

Nuevos personajes se añaden a los ya conocidos, un león marino italiano que se parece al indolente Gooffy  de Disney, un tigre ruso en la mejor tradición de los tigres malos del "Rey León" o "El libro de la selva" y una jaguar llena de sex appel que recuerda a la tigresa de dientes de sable de "Ice Age 4". El rey lemur y su desternillante amorío con la osa saltibanqui (tal vez el animal más animalizado de la serie), el grupo de pinguinos (quizá el activo mas importate de esta saga, hasta el punto de que tienen serie en exclusiva) y los divertidísimos monos, el lider de los cuales logra una inquietante imagen disfrazado de Luis XIV, suman puntos a favor de la fuerza de esta entrega.

Guiños cinéfilos por doquier, desde el mismo principio con Alex haciendo de agente del Ethan-Cruise de "Mision imposible" o la feroz persecución que la policía motorizada --en vespa--y sus acólitos hacen de la troupe por las calles de Montecarlo. No se pierdan la imitación de "Matrix", con la sofisticada y dura policía evitando que las bananas disparadas por un mono desde el "avión a superpropulsión a monos" impacten en ella. Frenético ritmo que apenas deja respiro, aunque se remansa en las secuencias de la vida del circo, para llevar la historia a un brillante remedo de aquellos balbuceos de Disney en su por otra parte genial "Dumbo" (recuerden la secuencia lisérgica de la borrachera del elefantito). Brillantes apuntes de animación técnica de las ciudades de Montecarlo, Roma, Londres y Nueva York,  que dan una consistencia ambiental a la película muy por encima de las otras dos entregas donde este aspecto estaba muy descuidado. Y además el mensaje implícito es rompedor y liberal: a pesar de que toda la trama la mueve el deseo de los cuatro amigos de volver al zoo de Nueva York, una vez allí comprueban que el hogar sólo está en donde eres feliz y estás con tus amigos y por tanto hay que abrirse a la novedad y al cambio. ¡Toma ya!

Hay otro activo en la versión americana de "Madagascar" que no sirve para el doblaje español: las voces de Ben Stiller (Alex), Chriis Rock (Marty), David Schwimmer (Melman) o Jada Pinkett Smith (Gloria). Y por supuesto, la maravillosa, pérfida y psicótica Chantal  Dubois (Guiño de altura de los guionistas a la Blanche Du Bois de "Un tranvia llamado deseo") cuya voz original es nada menos que de Frances McDorman  una de las más sólidas actrices norteamericanas de los ultimos veinte años y la menos diva de todas. Cine familiar del bueno. Una película  divertida, psicodélica y algo gamberra 

Parece que esta muy apreciable película británica, "Cleanskin" , es decir "El limpiador" aunque aún no hay título ni distribuidora española que yo sepa,  no tiene fecha de estreno. Y es una pena porque comparada con muchas de las que se venden a bombo y platillo por las "majors" americanas tiene una calidad, un interés, un ritmo y una narrativa temática realmente por encima de la media.

Un atormentado Sean Bean, un ex militar de pasado oscuro y amargura relacionada con él, trabaja para una empresa privada paramilitar, evidentemente relacionada con el Gobierno británico pero lejos de la sofistificación y el glamour del MI-7. En los diez modélicos minutos de entrada, se nos narra el nudo del argumento: un terrorista islámico asesina a una negociante ruso de armamento en pleno hotel de lujo del centro de Londres y de paso mata a dos guardaespaldas y hiere a varias personas entre ellas a Bean.

A partir de esos momentos brillantes, la cinta decae un tanto en el ritmo debido a los continuos flash backs en los que nos ponen al corriente del pasado del terorrista, de su formación y de la preparación y la explicación de los atentados en los que interviene.

Sean recibe el encargo de "limpiar" el nido terrosita para evitar que sigan los atentados y a ello se aplica diligentemente. El ritmo se recobra en las secuencias de acción, que se van intercalando con los flash back, en los que con buena narrativa sabemos las motivaciones de los terroristas, su organización y los  peculiares lavados de cerebro a los que someten, desde la religión y la raza a los jóvenes que se inmolarán o asesinarán como protesta por la desgraciada y permanente guerra entre un sector fanatico del mundo musulmán y la sociedad occidental europea que da cobijo a supuestos respresentantes "limpios" del mundo islámico. Sumando a ello la actividad y las acciones de ese nudo ominoso de policias, servicios especiales y agencias semiocultas.

Hay mucho opficio en esta película, --bien por el director Hadi Hajaig, si esta es su primera película, habra que esperar lo próximo con interés-- que no tiene nada que envidiar a sus homologas americanas y trata de presentar una visión mas honesta y menos maniquea y radical de una situación pelkigrosa enquistada en occidente. A destacar la presencia de Charlotte Rampling, tan lejos de su "Portero de noche" o de "Zardoz"pero con la misma sofisticada complejidad gélida, haciendo un papel muy interesante y con final sorprendente.

Me ha gustado esta película --de presupuesto muy modesto y de valor muy ambicioso-- y recomiendo su visionado (y también su estreno en salas: sería una verguenza que la limitaran al mercado del dvd).

Las películas apocalípticas relacionadas con una fecha fatal o un acontecimiento cósmico abundan en los últimos años, casi siempre engrosadas en las listas de la serie B de la "ciencia ficción" con escasas cintas de auténtica valía y la mayoría deudoras de toda la parafernalia de los efectos especiales, cuanto más agobiantes y espectaculares, mejor.

No obstante en alguna ocasión surge alguna muestra de cine con ambiciones artísticas e intelectuales, con mayor o menos relevancia pero que, como norma, evitan los efectos especiales y dejan todo a la imaginación del espectador y sobre todo a la sugerencia y contagio que emana de las intervenciones de los actores y sus emociones y sentimientos.

Es el caso de la excelente "Melancolía" de Lars Von Triers (magnífico como director y un poco cretino como personaje público: véanse sus declaraciones en Cannes del pasado año) y de la película que nos ocupa: "4,44, Last day on Earth", es decir el tiempo de existencia de nuestro planeta acabará a las 4 horas 44 minutos de la madrugada. ¿Por qué? Algunas confusas razones se nos brindan, todas relacionadas con el agujero de ozono que nuestras actividades industriales descontroladas y abusivas han convertido en un agujero letal para la humanidad y todos los seres vivos. El sol nos va a, literalmente, derretir. Y será de una forma abrupta, a la hora citada de un día sin especificar en la película, pero que en todo caso es "mañana", es decir unas horas después de que comience la narración en el tiempo real de la ficción.

Como en "Melancolía", no hay secuencias espectaculares del horror, el ruido y la furia y desesperación de los humanos ante el fin, no hay escenas colosales de huidas multitudinarias hacia ninguna parte, ni grandes ciudades vacías (siempre recuerdo el Nueva York abandonado de "La hora final", el clásico que inauguró en los sesenta las cintas de apocalipsis "limpio", es decir mayormente intimista y emocional. Aqui somos testigos de las postreras horas de una pareja, un actor (el siempre inquietante Willem Dafoe) y una pintora (Natasha Lyonne). El primero obcecado por el final, tratando de encontrar una actitud equilibrada ante su vital rechazo al final y la segunda, enfrascada en su trabajo --pintar su último cuadro-- y aceptando ese final con tal de estar junto al hombre que ama.

Dirige un director  de primera línea artística, comprometido con un cine duro critico y a menudos de una cierta crueldad visual, Abel Ferrara. Prescindiendo de que la premisa básica de la película, sabemos el día y la hora, es bastante poco creíble y no tiene ningún posible fundamento científico, el director trata de cargar las tintas en dos formas irreconciliables de enfrentarse al hecho de la desaparición cierta en un plazo cierto e inamovible. Y ahí es donde la respuesta es poco o nada imaginativa, sobre todo con Dafoe, que se pierde en banalidades e intentos de algun tipo  de huida mental. La actitud de ella es también demasiado poco original pero algo más edificante, dadas las caracteristicas de la artista, su práctica budista y el  efecto distanciador que el arte concede a sus practicantes.

Para rellenar ese absurdo conjunto de ritos de adios, la película va dando entrada a secuencias de documentales (que se ven en la tele perennemente encendida en el loft donde vive la pareja) y entrevistas, como las de Al Gore, el Dalai Lama o un anonimo gurú que va desgranando tonterías con mujsica de sitar de fondo y, por supuesto, una bendición urbi et orbe del Papa ante una Plaza de San Pedro atestada. 

Como no podía faltar hay una larga secuencia (9 minutos, mucho tiempo de desencuadres, flou corporal, gestos esbozados y apuntes de movimientos y miradas)  del acto sexual entre Dafoe y Lyonne, amén de discusiones por celos, un paseo  del actor por una ciudad agónica en busca de droga, una escena de suicidio contemplada por este, y las noticias cada vez más aisladas de que el fin es un hecho en todo el mundo, hasta que tras un chasquido todo se apaga y queda en silencio, mientras una cortina luminosa fosforescente va cayendo sobre la ciudad.

Lo cierto es que Abel Ferrara,  con películas tan apreciables como "El rey de Nueva York" con un genial Chritopher Walken y "El teniente corrupto" con un no menos genial Harvey Keitel, ya parecía avanzarnos un cierto apocalipsis en el Nueva York que pinta en ambas películas, no como el de esta película, sino de tipo moral y social. Pero en ésta cinta, Ferrara se queda en algo descafeinado, blando, gris. Me temo que "Last day on Hearth" no llegará a convertirse como las otras dos, en peliculas de culto. Todo se puede resumir en ese corto diálogo entre los protagonistas. Dafoe desespèrado y quejoso musita "No sé que hacer" y ella le responde tranquilamente "Sólo quédate conmigo". Creo que no hacía falta más. Podría ser ese también el objetivo no explícito de Ferrara: en el caso de un fin anunciado, la gente respondería de una forma banal. Todo se reduciría a esperar el apocalipsis abrazando a la persona que amas. Cualquier otra cosa que quieras hacer, está fuera de lugar.

 Después de hablarles de Wes Anderson y de dos de sus filmes en dias pasados, "Viaje  a Daarjeling" y "Moonrise Kingdom", he buceado en las videotecas para ver y contarles algo sobre "The Royal Tennebaums", (2001) una de sus primeras películas, en la que nos narra la vida y naturaleza de una familia norteamericana de lo más atípica no solo en Estados Unidos, en cualquier lugar del mundo).

La ironía, el humor, la crítica inteligente --entre líneas o descarada según le convenga--, la cultura, el descaro y la originalidad (algunos le llaman  excentricidad) junto a sus ahora famosas secuencias en forma de cuadro artístico, su uso icónico del color y los encuadres y la ajustada utlidad de la banda sonora, casi siempre magnífica, van configurando un estilo de filmar tan propio de este autor como la habilidad en la elección de actores, muchos de ellos verdaderos adictos a este director, como hemos visto a posteriori.

.La historia encandila desde el primer fotograma: esa familia compuesta por supuestos genios, bajo la batutra de una madre omnipresente y creativa y un padre deshonesto, vividor y ausente. Vemos cómo crecen y se desarrollan esos genios, una estrella del tenis, un genio financiero y una dramaturga, todos triunfadores desde la mas tierna infancia, como era de esperar en unos genios, y en derivas personales más o menos agudas cuando llegan a la madurez, como también era de esperar. A esos maduros, aunque aun jovenes "ex" genios, les aparece una némesis en forma de su perdido padre ausente (Gene Hackman, en un papel cómico absolutamente memorable) que viéndose en supuesto peligro de morir por un supuesto cáncer, decide volver al hogar y tratar de recuperar a sus hijos (incidentalmente presionado también por el hecho de que no tiene un duro y le han echado del hotel donde vivia una suntuosa vida de farsante especulador).

Tras los lógicos enfrentamientos con su esposa, Anjélica Houston, tan certeramente histrionica y con sus hijos (Ben Stiller el financiero, Gwyneth Paltrow, la dramaturga y Luke Wilson, el tenista), y unas divertidas --y dramáticas-- peripecias. azuzadas por la desverguenza y vitalidad del "moribundo", la película va siguiendo un camino surrealista y divertido, con esos espacios breves, casi paréntesis, en los que Anderson muestra la amplitud de su sensibilidad cinematográfica haciendo un guiño estético o intelectual o solamente critico al espectador y que es una de sus carracterísticas mas personales y que más pueden despistar a los no avisados.

El guión de esta pieza llena de encanto y picardía está escrito a cuatro manos por Anderson y Owen Wilson, el actor, que tiene un papel episódico en la película, siempre en ese filo de la navaja entre la comedia y el drama, entre la seriadad y la broma, que es especialidad de Anderson. Todo queda en un brillante ejercicio cinematográfico rodado en clave compleja, desde el drama, a la critica social, la tragedia personal, el suicidio, el escape de las drogas y el alcohol, los engaños y las miserias de las parejas...Como un hibrido entre el Capra más familiar u dulzón, el surrealismo de Monthy Pyton, el descaro de los hermanos Cohen y la vistosidad de comic y realismo de un tarantino, todo ello bajo la capa intelectual de un Anderson que domina la cultura de nuestro tiempo y sus iconos mas representativos en el terreno del arte, la musica clásica o popular, la literatura y, por supuesto, el cine.

Mención aparte, la actuación de ese monstruo de la pantalla que se llama Gene Hackman, aun auténtico ladrón de planos, al que la camara parece adorar en detrimento de los actores que comparten plano con él (inclujida y es mucho decir, la soberbia Anjélica Houston). Lástima que no se prodigue Hackman un poco más en papeles como éste, pícaro, desvergonzado y vitalista.