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Del amor y de la muerte. Dos temas, a veces entrelazados y si no que se lo pregunten a Freud. En "Amor", del austriaco Michael Haneke, Palma de oro de 2012 en Cannes, esos dos elementos tan humanos, demasiado humanos, están presentes en todo un metraje que nos relata una historia brutal y sórdida, la de dos octogenarios, marido y mujer, pertenecientes a la alta burguesía cultural francesa, ella profesora de piano, a los que una enfermedad imprevista y demoledora destroza el epílogo de una vida cultivada y razonablemente feliz. El autor de "La pianista" --otro desasosegante relato de sexo y degradación, contrapunteado también por la música-- y de "La cinta blanca" (que obtuvo otra Palma de Oro en 2009), nos habla de los límites y efectos de la decadencia de la edad en las personas, de los efectos de la enfermedad en los sentimientos, de la soledad de los ancianos, de la inicua y dolorosa falta de empatía de los hijos (la hija, interpretada por Isabelle Hupert, es un prodigio de frialdad y egoísmo) de la lucha cotidiana del anciano por ayudar y acompañar a su esposa, cada vez más reducida a un triste ser incapacitado y dolorido.

El mayor acierto de Haneke consiste en haber confiado los difíciles papeles de esos dos ancianos llenos de complicidad, respeto y amor, a Jean Louis Trintignant (82 años)¿lo recuerdan en "La escapada" de Dino Rossi, en los años 60, o en "Z" de Costa Gavras? y a la gran Emmanuelle Riva, con 86 años, en un  papel admirable por su crudeza y su dramatismo (Si han visto en la tele o en cinematecas aquella película extraordinaria "Hiroshima mon amour", la reconocerán cincuenta años más joven).

La película está rodada con estilo clásico, sin innovaciones, atenta a los gestos, miradas y diálogo de dos ancianos inteligentes y cultos que comparten el final de su vida, hasta que un accidente vascular cerebral aparece y ataca sin misericordia a la mujer. A partir de ese punto comienza un via crucis en el que el marido, Georges, va intentando superar las dificultades cotidianas que le provoca el cuidado de una enferma cada vez más discapacitada sin apenas ayuda, con una hija intrusiva más atenta a sus problemas personales que a los de sus padres y la ayuda pagada de cuidadoras que nos siempre están a la altura humana que se les exige para ese trabajo.

La importancia de esta película, que trata de evitar el tono de denuncia o el de documental de tema médico, se comprueba en el propio ánimo del espectador que se ve, pese a la dureza de muchas secuencias, atrapado hipnóticamente por el desarrollo de la historia, cuyo final es tan previsible como lamentable. Y que, prueba de oro, seguramente tardará en olvidar, si lo llega a olvidar alguna vez.

Las confidencias entre los dos ancianos en la primera parte de la película resulta sumamente conmovedora sin llegar a desbordarse en sentimentalismo. Todo ese mensaje de amor está contenido en la mirada afectuosa y amable de Trintignant o en el desamparo desolado de la Riva. El pulso de la vida de esas dos personas en sus últimos latidos llena de angustia y asombro al espectador, que asiste conmovido y turbado, a un recital de humanidad, de dolor y de amor profundo sometido a una prueba de entereza inhumana...y triunfante a pesar de la implacable crueldad del final.

Una cámara lenta, minuciosa en los detalles, acompañada de una banda sonora sensible, emotiva y profunda, excelente edición y dirección artísticas, y un movimiento calmo y magistral en las secuencias, fiado todo ello de la maestría mágica de los tres grandes actores en estado de gracia, de sus miradas y sus silencios, de sus diálogos a media voz.

Haneke nos obliga a abrir los ojos ante una puesta en escena sórdida, densa, pero al mismo tiempo clara, sencilla. Todo se desarrolla practicamente en el piso burgués que la pareja posee en París. No hay ninguna concesión, ninguna comodidad en las desoladas secuencias que se nos ofrecen. Pero sí hay una llamada intensa a los sentimientos y a las emociones más íntimas. Se podría pensar que el título, "Amor" es sarcástico, irónico. No es así. Hay amor profundo en la mirada de Trintignant, hay cariño incondicional en las manos de Emmanuelle acariciando las de su esposo, tras un episodio desagradble provocado por la enfermedad.

En toda la película no se menciona la palabra "Amor". No se trata de contarnos una historia de dulce y tópico amor otoñal. Sino las manifestaciones de un  amor profundo que no se parecen en nada a las tópicos. Que entraña la entrega sin condiciones y sin reserva de una persona a otra, en lo bueno y sobre todo en los malos y duros momentos de la enfermedad y la muerte. Hay, para terminar, una enorme dignidad en ese anciano que sueña o alucina con la imagen de su esposa, sana y activa, que le invita a partir. Y una entereza envidiable en los ultimos momentos de lucidez de ella compartiendo la descripción que su marido hace del entierro de uno de sus mejores amigos: nuestro tiempo ha pasado, parece sugerir la película. "Quizá no vale la pena vivir en un mundo tan diferente". El deterioro fisico, psicológico, biológico y emocional de la mujer amada, se refleja en una secuencia capital que no les contaré pero que reconocerán si van, como les recomiendo, a ver esta película incómoda que nos habla de que hay cierta esperanza para un género, el humano, capaz de reflejar sentimientos de delicadeza, respeto y amor en época de zozobras y de ruina.

Llevar al cine la vida de Thor Heyerdhal, el célebre aventurero, antropólogo y biólogo que se empeñó en demostrar que hubo habitantes de Sudamérica que colonizaron la Polinesia  en un pasado ancestral (en lugar de ser colonizada por asiáticos, que es la tesis que sostiene la mayoría de los antropólogos) cruzando el Pacífico del este a oeste más de siete mil kms en balsas fabricadas con árboles y unidos los troncos con cuerdas, sin más elemento moderno que unos aparatos de radio para comunicarse, puede resultar una película farragosa o fascinante. En este caso se ha apostado por una narrativa lo mas objetiva posible, sin entrar demasiado en detalles que no tengan que ver directamente con la expedición.

Comienza con unos retazos de la infancia de Thor en la que descubrimos que el célebre navegante tenía fobia al agua y no sabía nadar. Y también la enorme paciencia, arrojo, obstinación y audacia que caracterizaron al aventurero noruego. La película está muy bien filmada y ha sido interpretada por el actor noruego Pal Sverre Valheim Hagen, que ostenta un  enorme parecido con Heyerdhal. Dirigida por Joachim Ronning y Espen Sandberg, la pelicula tiene dos partes bien diferenciadas: los antecedentes del viaje, la busca de financiación, la relación familiar de Thor y la seleccion de los hombres que habrían de compartir la aventura, desde la fabricación artesanal de la balsa. La segunda y más atractiva narra la navegación por el océano, dese un puerto peruano, hasta embarrancar en los arrecifes de una isla polinesia, el 7 de agosto de 1947, tras un viaje de 101 días,  lleno de dificultades  y peligros.

La balsa estaba tripulada por Heyerdhal, Knut Augland, Bengt Danielsson, Erik Hesselberg, Torstein Raaby y Herman Watzinger. Tal como dice Thor en una escena de la cinta, "Los océanos no son una barrera para el hombre primitivo sino una vía de comunicación". Navegantes sudamericanos que, según la tesis de Heyerdhal, llegaron a Polinesia y colonizaron las islas. Se realizó un documental durante el viaje que obtuvo un Oscar en 1951.

Recuerdo haber leido el libro sobre la expedición escrito por Heyerdal durante mi infancia, en un ejemplar editado por Juventud, ilustrado con fotografías en color y blanco y negro de la expedición y haber soñado con  emular algun día al audaz y obstinado Thor. La película ofrece varias secuencias de la travesía, de una belleza increíble y logra mantener el interés y la tensión narrativa espigando en momentos significativos en el variadísjmo repertorio de sucesos inesperados y de rutina y plúmbea espera que dan de sí un centenar de días sobre una balsa en pleno océano, viviendo de lo que se pesca y evitando a los tuburones o sobreviviendo a las tormentas.  Película aconsejable a los aficionados a los deportes de riesgo y aventureros en general.

Steven Spielberg sigue dando muestras de su magnífico oficio y su habilidad comunicativa, convirtiendo una cinta política (como hizo por ejemplo en "Munich") en una película que interesa en cualquier país que se proyecte por su inagotable capacidad de seducción cinematográfica. En "Lincoln", este gran director desgrana la lucha política que tiene lugar en Estados Unidos, en la época de la Guerra de Secesión, bajo la presidencia del carismático Abraham Lincoln, a fin de que se apruebe la ley que declarará ilegal la esclavitud.Con una interpretación brillante, contenida, humana e intensamente emocional de Daniel Day-Lewis, uno de los soberbios camaleones cinematográficos de esta época (con la fuerza de un Brando y la ductilidad dramática de un Montgomery Clift) el Lincoln que nos propone Spielberg  --desde el mismo momento en que hace su entrada en la película, tras la brutal secuencia inicial en el campo de batalla Norte contra Sur-- convence desde el primer fotograma, logra atraer la mirada como un ejercicio de hipnosis y da la medida de la enorme tragedia que vamos a ver , la de una nación joven dividida por el odio. Todo ello, en el plano actoral, arropado por una cohorte de secundarios de lujo. 

Nada pues de "Indiana Jones" ni de "La lista de Schlinder" por citar dos extremos de este gran realizador, aquí hay una morosa, lenta a menudo, minimalista muestra de cine político de altura, que no desdeña la pedagogía de la historia a través de un permanente debate ético y político de los miembros del Congreso y el propio Lincoln. Conocemos las obsesiones del presidente más amado de la historia norteamericana, la tormentosa relación con su esposa, desde la dignidad y el sufrimiento, sus maniobras políticas del astuto abogado que fue, y el compromiso moral que ostenta en su lucha por la aprobación de la Decimotercera Enmienda, el apoyo del congresista Taddeus Stevens que, en realidad, fue antiesclavista antes que el propio Lincoln. El espectador, sobre todo si es de otro país como es nuestro caso, logra hacerse con una provechosa lección sobre cómo se desarrolló el problema más esencial y acuciante de la historia de los EE.UU : el final de la guerra de Secesión y la liberación de los esclavos, germen de la igualdad racial que, como dice uno de los personajes secundarios de la película, "tardará más de cien años en llegar". Vista desde el presente, con Barack Obama como presidente, el primer presidente negro de la historia, la película gana en profundidad pedagógica e histórica.

Escuchen con atención la banda sonora de gran John Williams, alejada de las alharacas habituales, sólida, serena, profunda. En ella destaca muy bien el talante que se nos muestra de un Lincoln atormentado por un gran dilema ético, personal, familiar, social y político, pero que se muestra como una persona bondadosa y respetuosa con los demás, con divertidos toques de retranca, gran sentido del humor y una sencillez desarmante, pero también con la lucidez y la compasión suficiente como para tolerar, gran lección de pragmatismo, las granujadas e intereses de una raza corrupta y sin moral, la de los políticos (¿les suena?).

Y para terminar, pasen señores pasen, y gocen de las memorables actuaciones de los llamados "secundarios". Gente de la talla de Sally Field, como esposa de Lincoln, Tommy Lee Jones como el senador Taddeus Stevens (creo que está aún mejor que Day Lewis, que ya es decir) con su peluquin inexpresable y el magnífico trio de granujas cazavotos al servicio de Lincoln, Tim Blake Nelson, John Hawkes y un James Spader que se sale con un histrionismo colosal. Gran película, vive Dios.

Un consejo de cinéfilo y para los apasionados a la historia: complementen el visionado de "Lincoln" con el de "La conspiración", la película de Robert Redford, que comienza en el punto histórico en el que acaba la primera. Me lo agradecerán.

 De vez en cuando resulta esperanzador que los realizadores cinematográficos de dos paises tan involucrado en el drama humano  y la tragedia política como Israel o Palestina traten de llevar a las pantallas del mundo un mensaje que abra alguna rendija en el muro de las lamentaciones que es el eterno conflicto de Oriente Medio, el pulso sangriento y desolador entre árabes e israelíes.

Es difícil, muy difícil, tratar de evitar el maniqueísmo del bueno y el malo, introducir una nota de humanidad en una guerra permanente en la que el objetivo principal son los ciudadanos pacíficos de uno u otro país.

Generalizaciones maniqueas, juicios de valor inmediatos sin reflexión, reacciones emotivas desatadas entre el odio y la repulsión, falta de conocimiento del supuesto "enemigo" y una dinámica brutal de atentados y respuestas bélicas indiscriminadas hace poco menos que imposible que pueda haber alguna vez ni un asomo de entendimiento o de diálogo sincero e igualitario. Y la sangre sigue manando por los dos lados y el abismo es cada vez más profundo e insalvable.

Películas como "Una botella en el mar de Gaza" tratan de tender un débil puente entre ambas escarpadas posiciones. Una chica franco-israelí, casi una adolescente, pide a su hermano, un soldado del ejército, que lanze una botella con un mensaje de amistad y diálogo en  su interior, en las aguas de la playa de Jerusalén para que, a favor de la corriente, la pueda encontrar cualquier arabe en las playas de Gaza. La botella es hallada por un grupo de amigos palestinos y uno de ellos, tras las burlas y descalificaciones de rigor, decide contestar a la dirección de email que se le brinda. Se establece un difícil --y peligroso-- intercambio de mensajes  con el que la chica logra vencer la reticencia del joven árabe y establecer un diálogo en el que los duros sucesos exteriores ponen frenos y añaden dificultades.

Thierry Binisti, que dirige la cinta, trata de no ocultar las realidades angustiosas en las que viven ambos jóvenes y las brutales diferencias que les separan. Tal y Naïm, comienzan a sentir que hay todo un mundo enfrente que desconocen y que se han acostumbrado a condenar como un movimiento reflejo. Entienden que el dolor está repartido entre ambas poblaciones y que hay un régimen injusto de desigualdad y prepotencia entre ambos países. Se cuestiona el sentido de la guerra y se rechaza el salvajismo que impregna la vida cotidiana de palestinos e israelíes. ¿Qué puede hacer una joven pareja mixta que además deben enfrentarse al rechazo familiar y a la suspicacia de la policía o el ejército de ambos paises? Difícil cuestión.

Binisti, que se basa en una novela casi autobiográfica de la franco-israelí Valerie Zenatti, propone una fábula con final abierto pero posiblemente feliz que nos resulta un tanto idealizada, quizá optimista en exceso, pero que de alguna manera es algo más que un "happy end" a la manera americana, sino más bien el reflejo de un deseo sincero de que las cosas puedan alguna vez ocurrir de esta manera, como el esperanzador inicio de un cambio.

Nace entonces, al finalizar de ver esta buena película, la pregunta del millón, la que debería ilustrar las relaciones difíciles entre arabes e israelíes, ¿por qué no  podemos hacer posible una relación semejante? El espectador se acongoja al ser testigo de los intentos de Tal, la joven actriz Agathe Bonitzer, por comprender lo que ocurre, el difícil mundo en el que vive Naïm, el actor Mahmoud Shalaby,   y en el recorrido de los emails que ambos se van cruzando tratan de acercar sus sensibilidades, su rebeldía, su miedo y su resistencia al odio sin más, a la descalificación del enemigo. Inocentes e inconformistas, los dos jóvenes tratan de elevarse sobre el muro que los divide, incluso fisicamente, para tratar de encontrar un clima de concordia, diálogo y quizá amor. Pero tal vez el personaje más entrañable es el de la madre de Naim, interpretado por esa fabulosa actriz palestina, Hiam Abbass, que presta su rostro surcado por el sufrimiento y la dureza, y la mirada tristísima de sus ojos al de una mujer tolerante, sabia y firme que da a su hijo todo el apoyo que éste necesita y lo ofrece a manos llenas a los que la rodean como médico de un hospital de Gaza.

El espectador acaba temiendo que el sueño de Naim, que quiere salir de Palestina para ir a Paris y estudiar un profesorado en francés, quede truncado por el odio y la desidia de unos y otros. A la joven pareja esa posibilidad abre una puerta a la esperanza, quizá en Paris un encuentro libre y prometedor sea posible.

Desde el comienzo, con un fundido en negro sobre el que se escuchan voces y ruidos de copas, risas y bromas en una cafetería seguramente, después una explosión y el silencio, para a continuación abrirse la secuencia a una toma del mar y la playa de Jerusalém en la que un joven soldado israelí lanza al mar una botella...Desde ese comienzo magnífico, la película transcurre de una forma intensa y coherente, bien dosificada la tensión, pasando de la zona palestina a la israelí, mostrándoos la vida de los dos jóvenes, tan cerca --setenta kms separan Jerusalén de Gaza-- y en realidad tan lejos como si uno de ellos estuviera en la luna.

Gran película y un buen tema de debate para quienes quieran sensibilizarse ante el espinoso problema palestino-israelí, germen patológico del problema global que enfrenta a occidente con el islamismo más militante.