El blog de diariodemimochila.over-blog.es

Rian Johnson es el artífice de esta excelente película de ciencia-ficción que, con aires de modernismo rompedor se ajusta como un guante a los parámetros del cine y la literatura clásicas de la SF. En un desasosegante futuro no muy alejado estética y visualmente de nuestro presente se nos propone una historia que parece surgida de las mentes del Murakami de "1Q84", el "Soy leyenda" de Richard Matteson, el "Blade Runner" de Philipp K. Dick o el "12 monos" con el que Terry Gilliam pobló nuestra angustia por un futuro incierto.

"Looper" tiene categoría, pese a algunos excesos (aun no comprendo la pertinencia de la escena de sexo entre dos de los tres protagonistas, Joseph Gordon-Levitt y Emily Blunt) para convertirse en un referente en el cine de fantasía con ambición y categoría, a la altura  de Shyamalan, los ultimos Nolan o los Wachonski, que sobrepasan los límites del género sin ceder a los efectos especiales y a la linealidad de los personajes. El bucle, el reencuentro de la persona consigo mismo, pasado y futuro, en un presente lleno de resonancias literarias y ambiguedades éticas.

Bruce Willis, ese actor de acción con profundidades metafísicas, vuelve por tercera vez en su filmografía a personalizar el bucle de los viajes por el tiempo y se encuentra con su propia  persona treinta años más joven en un duelo en el que está en juego no sólo la supervivencia sino el sentido ético de la vida ( cosa singular habida cuenta de que se trata de un asesino mercenario en distintas fases de su vida). Se nos habla de un dilema entre el amor y el sacrificio que a la postre debe resolverse siempre en un acto de amor teñido de sacrificio.

Sin abandonar la premisa básica de este tipo de cine, el entretenimiento,la película nos muestra un mensaje inteligente y turbador. Y eso constituye la fuerza y la ambición renovadora y clasicista del filme. Por esa razón la historia de un asesino que debe matar al hombre que será en el futuro y con ello limitar su propia vida o morir y volatilizar al hombre que será, trasciende la irrealidad de la esencia paradójica del bucle para convertirse en una historia de contenido ético en el que el género adoptado, la SF, como en la "Melancolía" de Vans Triers, no es más que un escenario posible. Película pues para no perderse. Persecuciones, escenas de acción y elementos añadidos (la mutación de algunos humanos a poderes telequinésicos) devienen elementos curiosamente secundarios frente a las actitudes de los protagonistas, en los que parece latir los dilemas éticos de los héroes de John Ford entre el bien, el mal, la entereza o el sacrificio. La evolución de los personajes, presentada con claridad y sin complejidades innecesarias, resuelve con habilidad el reto de acercar al espectador a un personaje en distintos momentos de su vida que no atraen la empatía del espectador pero que le seducen por el drama personal que encierran. Y eso sin desdeñar la fuerza hipnótica de dos personajes secundarios interpretados por Paul Dano (ese chico merece una atencion especial) y un Jeff Daniel irreconocible pero efectivo en su madurez como actor.  

Al fin una historia de amor inteligente, original y atractiva, con inesperadas dosis de dureza psciológica, como si de un thriller metafísico se tratara. "Ruby Sparks", algo así como "La chica de tus sueños" baraja el realismo chispeante de una relación amorosa entre dos personas inteligentes y sensibles con unas gotas de magia imposible y una trama donde el amor es diseccionado en sus componentes básicos a través de una anécdota que ronda lo sobrenatural con tonos de desenfadada comedia joven.

Un escritor genial pero inseguro sueña con una mujer inexistente, producto de sus deseos y su imaginación. Un día esa mujer aparece literalmente de la nada en su propia casa convertida en su pareja. Ante el miedo y desconcierto del joven novelista se inicia una historia de amor con la mujer soñada y se establece un mágico y a veces terrorífico lazo entre la escritura del novelista y la realidad. De manera que todo aquello que escribe sobre la muchacha se cumple en la vida real, con sus elementos de amoral manipulación y su soberbio encanto teórico ("en nombre de todos los hombres del mundo, no estropees esta maravilla", le pide el hermano del protagonista cuando logra percatarse de que lo que el escritor le cuenta es, inexplicablemente, real).

Pero la dinámica humana, irregular, contradictoria, la libertad humana con sus oscuridades, temores y carencias también hacen presa en la relación y la muchacha comienza a comportarse realmente de una forma que la acerca al ser humano libre y la aleja de la marioneta sentimental. Y ahí nace el horror y el insano gancho de la trama.

Interpretada por ese excelente actor demasiado poco conocido que es Paul  Dano, una especie de Woody Allen, tan vulnerable, sensible y patético, al que solo le falta el ingenio humoristico y por una muchacha increíble-- al menos para el protagonista--, Zoe Kazan (además, no se lo pierdan, es la guionista de la película. Esta chica dará que hablar, no en vano es nieta del gran Elia Kazan), con secundarios de lujo como Annette Bening, Antonio,Banderas y Elliot Gould (en un breve pero jugoso papel como psiquiatra), el elenco está a la altura de la propuesta. He disfrutado viendo esta película y estimo que admite unas lecturas menos complacientes y de filosófica profundidad que dejaremos para otra ocasión y otro lugar.

No sorprende la eficacia romántica de esta película, un poco indie, si anotamos que los directores, Jonathan Dayton y Valerie Faris, son los mismos de aquella pequeña joya que se tituló "Pequeña Miss Sunshine" (donde también trabaja Paul Dano, como adolescente obsesionado por entrar como piloto en las Fuerzas aéreas norteamericanas, al que un defecto visual se lo impide). La oscilación de cuento romántico a versión del "Pigmalión" de G.B. Show en su grado más patético (la cruel y angustiosa secuencia de la manipulación directa de los actos de la chica por el escritor, que llega hasta la humillación) está llevada con maestría. La criatura que toma vida y se enfrenta a su creador  produciendo dolor y ruina (recordemos al Frankenstein de Mary Shelley) es un tema recurrente en la literatura y aquí brilla con todo su esplendor si no nos dejamos engañar por el tono ligero de comedia amable y encantadora. Y ni siquiera el final dulce que se nos propone logra disminuir la valizez y belleza del producto ofrecido. No se la pierdan

.

.

 Hay ocasiones, pocas, en las que un  documental sobre un tema muy específico y original, aparentemente demasiado especializado para ser de interés general ,está realizado con tal solvencia e inteligencia que su ámbito de influencia y de sugestión se amplía en progresión geométrica y se convierte en un  paradigma de algo mucho más trascendente que el tema sencillo o banal en el que teoricamente se apoya. Es el caso de "Jiro, sueños de sushi".

La cámara, técnicamente impecable, luminosa y manejada con maestría paciente, nos adentra ya de entrada en un rostro oriental. Un hombre anciano, de expresión ligeramente asombrada y astuta y sonrisa indescifrable nos es presentado. Es un anciano "Shokunin" (maestro en jefe de elaboración de sushi). Se llama Jiro Ono, tiene 85 años, y aun dirige activamente y con amable  pero exigente autoridad su restaurante, Sukiyabashi Jiro, en un pasadizo del metro de Tokio. Un pequeño local con solo 10 asientos que posee tres estrellas Michelin y esta considerado como uno de los mejores del mundo.

La lista de espera es de meses y entre los clientes se cuentan muchos de los personajes más ricos y poderosos del mundo asiático (los precios son también exclusivos, unos 300 dolares cada plato). Jiro se coloca frente a sus clientes y está atento a las expresiones y comentarios que estos hacen de lo que les preparan ante ellos.

Jiro nos cuenta su vida mientras se van intercalando secuencias del restaurante, de un viaje a Jiro a su tierra natal, de charlas con los hijos, los empleados o el diario viaje al mercado para adquirir el pescado --atun sobre todo-- más perfecto, al precio que sea necesario pagar. Jiro nos habla de sus principios éticos, los que han moldeado su vida: disciplina total, entrega en el trabajo, honestidad, paciencia, determinación y osadia comercial, respeto profundo al oficio y entrega al ritual de la buena cocina. Y una aspiración permanente: mejorar cada día la calidad del sushi que prepara para sus clientes, sin permitirse ni un solo fallo.Y ese sueño inalcanzable (no tiene limite) es el que anima el relato de la vida y la etica de Jiro que él trata de comunicar a sus hijos (ya que, confiesa, nunca pudo ser un padre cariñoso o protector, el trabajo siempre ha sido lo primero). El pequeño ya ha abierto restaurante propio y el mayor heredará el de Jiro cuando este fallezca (nadie habla de retirarse)

Especialmente didáctico y apasionante de ver es el proceso, paso a paso, de la preparación del sushi, desde el mercado a la mesa. Las exigencias de calidad y de trabajo bien hecho son constantes y conforman un estilo de vida que podria ser aplicable a cualquier trabajo, a cualquier actividad, muy lejos de la simple elaboración de sushi.

Propondría que se pasara este documental en las escuelas, (¿hay todavia clases de etica o ya las han eliminado por "poco practicas" en los planes de estudio actuales: curioso que en esta epoca sin moral la ética ya no se enseñe en las escuelas, ¿o es logico?) y que se pidiera a los chicos que sacaran conclusiones de lo que han visto (seguramente entre bostezos).

Un apunte mas: este magnifico documental ha sido realizado por David Gelb, un director joven de Nueva York, al que deberiamos ver más en las pantallas. .

 Bueno, parodiando la novela de Isaac Rosa, se trata de "otra maldita película sobre la guerra civil". Dirigida con cierta frialdad por Imanol Uribe, "Miel de naranjas" trata de aportar sabor de "thriller" a una historia previsible y con una iconografía antifranquista que abunda en la archisabida salvajada que el régimen aportó a la historia española del siglo XX, sobre todo en los duros y aciagos años de la inmediata postguerra.

El ambiente militar en sus altos estamentos --un teniente coronel juez-- y en los más bajos, un soldado perteneciente a una familia represaliada que mantiene una historia de amor, de cuyo improbable nacimiento no sabemos nada, con la sobrina del juez, una pieza clave aunque oculta en la trama.

Las fantochadas de los llamados juicios militares sumarísimos (la justicia militar es a la justicia, lo que la música militar a la música) y los especímenes chulescos y bastante inhumanos que muestra la cinta, ya nos saben a algo reiteradamente mostrado en anteriores películas de esta temática.

La originalidad unica que ofrece la cinta de Uribe es un aire dinámico y por supuesto maniqueo que ofrece momentos de tensión muy bien administrados por el director, pero que se resuelve de una manera elíptica y seguramente bastante irreal. Tal vez lo mas brillante sean las secuencias del equipo falso de No-Do que atraca a un ingeniero militar en su propio despacho oficial o las dos escenas finales, el garabato del cuerpo del juez asesinado (que forma una esvástica grotesca) o el acertijo resuelto de las naranjas que el personaje de una avejentada Molina (madre del protagonista, que ya ha perdido dos hijos y el marido en la guerra y está internada en un psiquiátrico) va mostrando durante todas sus intervenciones.

Tanto los entresijos de la lucha guerrillera clandestina o las infiltraciones de éstos en pleno juzgado militar tienen un punto de novelería poco creíble, que no logra cargarse de emotividad y suena, a estas alturas, un poco postizo. No hay lectura más compleja de la situación: todo acaba siendo tan soso como las actitudes del protagonista, el soldado (Iban Garate) que no está a la altura de su compañera (Balnca Suárez) uno de los personajes más improbables de la narración, pero que tiene fuerza y resplandece en cada secuencia.

El problema es que la pelicula seguramente llega ya un poco tarde para la sensibilidad del espectador actual. Todo parece reducirse a la anécdota de la pareja protagonista y el escenario brutal y demoledor que fue la postguerra española queda desdibujado y no aporta nada especial al imaginario fílmico que rodea la guerra civil española. 

Melancolía. Más que con la cinta de Van Triers, ese estado de ánimo emana en su estado más puro y sencillo de "El Ilusionista", esta excelente película de animación realizada por Sylvain Chomet (quien en su haber solo tiene la no menos magnífica "Bienvenidos a Belleville"). La película deviene un ejercicio virtuoso de filmación animada, con unos dibujos apastelados y simples en la linea del Tintín pero con una complejidad de trazo y dramatismo superior, que dejan asombrado al espectador desde la primeras secuencias. "El ilusionista" es un genial homenaje a Jacques Tati el imperecedero director e intérprete de "Mi tío" o "Las vacaciones de Monsieur Hulot" cuyo humor elegante y comedido representa la quintaesencia de los gags que hizo clásicos en el cine Keaton, Chaplin y llevó al histrionismo el absurdo y trepidantemente destructivo Mr. Bean.

Es un espejo de la comedia slapstick de Tati, donde el diálogo queda en un segundo plano y se impone la gestualidad, los sonidos ambientales y la finura de los detalles. El director, Chomet, introduce una secuencia de "Dia de fiesta" uno de los clásicos de Tati, en su primera película (de 2002) y debido a ello conoce a la hija de Tati, Sophie, quien le habla de un guión no publicado de su padre, que diez años más tarde llevará este director a las pantallas. Se trata de "El ilusionista", un libreto en el que Tati destila la profunda y humanista melancolía del mundo del espectáculo, un poco mezclando los hallazgos de Chaplin en "Candilejas" y "El chico", pero cambiando al pequeño hombrecito del bigote y el bastón por el larguiducho, comedido y ceremonioso Tati, aquí menos torpe que M.Hulot, más tierno en su pasividad y aparente inexpresividad y más cercano a Keaton que a Chaplin.

Esta pequeña joya del cine animado recurre al paisaje lluvioso y nostágico del Edimburgo y la Escocia rural de los años cincuenta  o sesenta, como lugar y ambiente de fondo. El protagonista, un ilusionista venido a menos que malvive con actuaciones poco o mal recibidas, que lleva el apellido de Tatischeff, verdadero nombre de Tati, es un mago en el ocaso al que se le acerca una jovencita simple y pobre que trabaja de criada en una aldea de los higlands rurales escoceses donde hace una memorable actuación ante los lugareños. La chica, maravillada por los trucos y la bondadosa amabilidad del mago, le sigue a Edimburgo y se va a vvir con él, en una relación paterno-filial que acaba cuando ella encuentra a un joven a quien amar. Luego, la soledad y la marcha del mago, quien  deja a la chica una nota que dice: "Los magos no existen".

La trayectoria epigonal del protagonista se inserta en las ultimas boqueadas del music hall, cuyos artistas van desapareciendo en la ruina y el alcohol, retratos dolorosos y patéticos de unos personajes a los que ya nadie quiere, el payaso que busca suicidarse, los trapecistas que pintan carteles o el ventrilocuo que se ve obligado a empeñar a su muñeco y se abandona a la muerte en un callejón.

No hay complacencia, ni tampoco tragedia a gritos, son lacerantes dramas en sordina, sin gradielocuencia, casi de reojo, a hurtadillas. Esta absoluta maravilla de la animación estaba nominada al Oscar el año en que venció "Toy Story 3", animación por ordenador, ni de lejos comparable pero también efectiva y sobre todo mas acorde con los tiempos. Un paralelismo no deseado con ese mago que fracasa ante el grupo de musica pop del que es telonero. Para redondear el transparente paralelismo, una secuencia de la cinta nos muestra al Tati animado entrando en la sala de un cine donde proyectan la citada escena de la pelicula del Tati- Hulot real.

Por tanto el final era el esperado, el coherente con la trayectoria de Tati por un lado y la de su falta de ubicación en una cultura que ya le sobrepasa: no hay amargura, pero si decepción en ese adios sin palabras y sin contacto entre el mago y la jovencita protegida, a la que deja esa nota en la que con afecto paternal le advierte de que no cabe esperar maravillas y magia en la vida y en el tiempo que viene, sino el realismo hirsuto y exigente de la simple supervivencia. Lo dicho, melancolía en un vehículo bellísimo de dibujos animados realizados con sensibilidad extrema. Absolutamente de visión necesaria.

.