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Enésima versión cinematográfica de "La isla del tesoro" la obra maestra de la novela de aventuras escrita por el escocés Robert Louis Stevenson (1850-1894). Supongo que el bueno de Stevenson podría alucinar con esta visión futurista de su extraordinaria narración si le fuera dado verla en alguno de los mundos de ultratumba donde residen los grandes espíritus literarios.

John Musker y Ron Clements, padres de la criatura estelar, han  tratado de mimetizar en lo posible "La isla del tesoro", respetando en lineas generales el argumento, con los consiguientes cambios para permitir que un relato que transcurre en el siglo XVIII se adapte a un escenario del futuro utópico, en un planeta habitado por curiosos seres antropoformes junto a personas (a terrestres) como una exposición de los planetas mixtos habitados por razas estelares desconocidas, al estilo de los mundos de "La guerra de las Galaxias".

Pues bien, en ese mundo de jóvenes surferos en tablas espaciales --todo el comienzo de la película es un exceso innecesario que hace pensar lo peor-- y decoración y vestuario del siglo XVIII en un entorno espacial, se desarrolla la historia de piratas y tesoros que Stevenson transformó en el imaginario juvenil de la aventura.

El joven Jim, grumete de una "Hispaniola" convertida en nave espacial con velas de captación de energía solar, habrá de cumplir una vez más su periplo iniciático, haciéndose hombre bajo la férula de un increíble John Silver, el Largo, convertido en cyborg, con una tripulación inenarrable de bichos extraños antropoformizados, una capitana estulazada de otra especie y un doctor perruno, blando y torpe.

El resultado es irregular. Pese al tramo final, digno de una buena película de aventuras espaciales --el planeta convertido en bomba de relojería es visualmente fascinante-- la película no acaba de hacernos atractivos al protagonista Jim, menos al doctor y sólo ligeramente a John Silver, el pirata rufían que descubre que tiene sentimientos. Sin embargo el diseño y las actuaciones de Silver, el villano Scroop y el viejo pirata Billy Bones (que como recordarán es el auténtico deus et machina de la narración) convertido en un robot enloquecido, resultan brillantes.

Quizá sea el ritmo lo que se resiente en una película en muchos momemtnos espectacular, muy en la linea Disney de perfección técnica y adecuación de la imagen y el sonido a la acción. La comparación con la versión de "La isla del tesoro" de 1934, o la de la propia Disney de 1950, incluso la de 1972 (con un Silver-Orson Welles, antológico) no es ociosa, y la idea de llevar a los personajes de la novela al ámbito de la fantasia y la ciencia-ficción podía haber sido memorable.

Desgraciadamente la versión se edulcora en demasía, busca hacer una impertinente función pedagógica y la moralina es demasiado abundante, con lo que una obra que trasciende el esquema juvenil para ser un clásico para todos, se va decantando hacia el sentimentalismo infantiloide. Así pues fallos de guión y fallos de ritmo --y la simplificación de la versión sobre la obra, cosa que indignará a muchos puristas literarios partidarios del respeto a ultranza del original--. Y así, mostrarnos la blanda secuencia del abandono del padre de Jim (en la novela muere, no le abandona) para justificar la carencia paternal del chico y su sensibilidad hacia le figura "paternal" del pirata Silver, es una trampa innecesaria y torpe.  Todo esto resiente la calidad de un filme  que tiene suficientes méritos para haberse convertido en una referencia más de las versiones de "La isla del Tesoro". Ahora queda más como una simple curiosidad, eso sí, divertida a veces.

Basado en la obra "The mill and the Cross" del crítico de arte y escritor, Michael Francis Gibson, el director polaco Lech Majewski, ha realizado una película del mismo título, "El molino y la cruz", en la que analiza argumentalmente la pintura del artista flamenco Pieter Brueghel "Camino al Calvario". Un maduro Brueghel, interpretado con gran concisión de gestos y su característica eficacia por el actor Rutger Hauer (tan lejos de su papel como replicante en "Blade Runner") está en proceso de creación de la famosa pintura, en el Flandes sometido al dominio español y las actividades bárbaras de la Inquisición contra una población atraída por la reforma protestante.

En el gran tablero lleno de color y escenas populares bajo un cielo dramático y la omnipresencia del molino (metáfora del molino de la vida regido por Dios, que desmenuza y muele las vidas de los mortales) se desarrolla la secuencia del camino de Cristo con la cruz hacia el Calvario, con los dos ladrones que serán crucificados junto a él y la presencia en primer plano de la Virgen transida de dolor, todo ello símbolizando en su conjunto el sangriento dominio español bajo la bendición del aparato represor de la Iglesia en 1564, año en que se pintó la obra.

Michael York y Charlotte Rampling (como la Virgen María) acompañan al actor holandés, en la muestra de las vidas de unas decenas de personajes que son escogidos entre el medio millar de figuras que pueblan el cuadro.

Lo primero que llama la atención del espectador es la bellísima plasticidad de las imágenes, la vitalización de fragmentos del cuadro que cobran vida ante nosotros en un alucinante ejercicio de maestría artística y técnica digital.

Asistimos a la creación de los primeros bocetos de Brueghel en los que se basará el cuadro final y al desarrollo de subtramas que de una forma a veces dinámica y otras estática, nos muestran distintas facetas de la vida familiar del pintor y de la vida cotidiana en el Flandes de la época, justo en el lugar donde Brueghel recreará la trama religiosa de la muerte de Cristo en el ambiente del Flandes del siglo XVI.

Como Akira Kurosawa, Vincente Minnelli (Van Gogh, "El loco del pelo rojo") y Robert Altman, entre otros, el cine ha mostrado en algunas ocasiones un intento de "penetrar" en el interior de cuadros famosos, pero a mi parecer nunca hasta este filme de Majewski se había llegado a tal perfección técnica y a una caligrafía fílmica tan hipnótica en ambiente, personajes, vestuarios y simulación de realidad del entorno pintado. El director polaco ha seguido un método revoluciuonario: mezclar o combinar digitalmente tres elementos diferentes en un mismo montaje. Secuencias con actores reales sobre la "chroma key" la pantalla azul famosa, imágenes que se integran con fondos recreados digitalmente del propio cuadro o de lugares reales semejantes a los paisajes que nos muestra el cuadro. Localizaciones en Polonia, Austria y Nueva Zelanda son incluidas en el montaje final, superpuestas o amoldadas a las del cuadro, dando como resultado una fuerte ilusión en el espectador que cree estar viendo al auténtico Brueghel en el proceso de pintar un cuadro, introduciéndose dentro de él. Del carácter de metaficción de la imagen resultante se nos da un prueba o guiño cuando en un momento dado, a petición de Michael York, --que interpreta  al amigo de Brueghel, Nicholas, colccionista de arte-- el pintor decide detener la escena, el cuadto dinamizado, que se desarrolla ante los ojos de ambos y que logocamente sólo está en la mente del pintor. Un juego visual y conceptual que no nos ahorra la dureza de algunas secuencias en las que se denuncia el durísimo, inhumano,comportamiento de los mercenarios españoles y de la Iglesia en la sufrida tierra flamenca.

La película, que atraerá singularmente a los aficionados al arte y que sorprenderá a los cinéfilos, es de visión obligada para todos los que desen conocer el proceso creativo de un artista que usa un gran episodio religioso para mostrarnos y denunciar una situación de injusticia y violencia enclavada en la historia de su país y en el momento en que ocurre (al estilo de Goya con sus terribles grabados sobre la guerra contra Napoleón). La explicación de los símbolos y sobre todo de la técnica utilizada por Brueghel, detalle a detalle, en la realización del cuadro. Por ejemplo, la analogía del trabajo de la araña y su concéntrica tela, asumida por el pintor, en la forma de disponer los motivos básicos que pueden verse en el cuadro, aunque para un ojo no informado o entrenado quedan ocultos por la bizarra variedad de la fascinante y gigantesca escena pintada.

Hermosa película que dignifica al cine y lo hermana con la potencia ilustrativa de la gran pintura. Una mezcla asombrosamente creativa de cine, pintura, fotografía, teatro y literatura. Por supuesto eso provoca en algunos momentos un cierto desconcierto en el espectador, secuencias algo confusas, soluciones arbitrarias sobre el punto de vista en que se nos narra la acción, rupturas de ritmo y tensión que no desmerecen el conjunto del filme (más de cuatro años de trabajo supuso para este director visionario dotado de un singular talento visual). Las únicas secuencias habladas corren a cargo de un pedagógico Hauer, una enfática Rampling, con su dolor y tristeza a cuestas y las indignaciones políticas y sociales del amigo del pintor, encarnado por Michael York. Película pues de varios niveles de "lectura" y visionado, que requiere la complicidad del espectador y una cierta rendición parcial al ejercicio de la libertad creativa del director.

 Llegó "El hobbit: un viaje inesperado", por lo que los fans de las criaturas de Tolkien (que somos legión) podríamos declararnos satisfechos. Aunque no es del todo así. Le película abre de entrada un interrogante sin respuesta por el momento: ¿Cómo es que Peter Jackson produjo "El señor de los anillos" en tres partes y 9 horas de duración, dejándose sin explotar bastante de los contenidos y personajes de las novelas --tres-- en las que se basaba y ahora necesita otras nueve horas para un librito de poco más de doscientas páginas? Si dejamos a un lado la disculpable codicia económica del gran director, nos quedamos sin argumentos hasta que veamos el conjunto, aunque ya nos empezamos a hacer una idea.

"El hobbit", narra las aventuras previas de Bilbo Bolsón (Iam Holm y el magnífico Martin Freeman como Bilbo joven) a lo que se nos cuenta en "El señor...", cuando el hobbit , en su juventud, encuentra a Gollum y le roba el anillo mágico, junto al viaje de aventuras con la comunidad de enanos comandados por Thorin, "Escudo de roble", y el mago, Gandalf el Gris,  que pretenden recuperar su patria, arrebatada por los orcos en el seno de Moira, la montaña del reino de los enanos.

¿Aporta algo nuevo y mejor a la trilogía precedente? Francamente, por el momento, no. Ligera decepción. "El Hobbit" sigue bebiendo de las cintas de "El señor...", de su ambiente mágico, de su dinamismo, con un menoscabo: los personajes, dejando aparte a Bilbo y a Gandalf (y, por supuesto a Gollum), carecen de la fuerza y el encanto de los de la trilogía anterior. Echamos de menos a Legolas, el certero elfo del arco y las flechas, a Boromir, el guerrero humano, a Gimli, representante de los enanos, a los tres compañeros hobbits de Frodo, entre ellos el gran Sam, y sobre todo al maravilloso  rey oculto en la viril presencia de "Trancos", Aragorn hijo de Arathorn, al que el actor Viggo Mortesen dio un inolvidable y adecuado aspecto físico.

Por tanto la nueva entrega de Jackson sobre el universo literario de Tolkien defrauda un poco, aunque complacerá a los espectadores adictos a las palomitas y al cine de acción legendario. Hay lentitud en este primer tramo de la nueva trilogía aunque todo sigue siendo atractivo visualmente y con un dinámico montaje con la maestría que conocemos en Jackson. Las secuencias de acción son trepidantes y llenas de emoción, aunque no aporten nada al imaginario de esta saga. Los enanos son divertidos pero no se vuelven imperecederos ni indiduos con personalidad propia y diferentes entre sí (quizá después lo logren) y la historia tiene el encanto de devolvernos a La Comarca, pero se apoya demasiado en lo precedente sin llegar a aportar nada que lo haga diferente: todo parece un "exploit" de la trilogía anterior.

El tópico y clásico esquema de las peliculas de acción, es decir, acercamiento al peligro, afrontarlo, estar a punto de perecer en él y ser vencidos, aparición de una fuerza amiga o un elemento nuevo  que da la vuelta a la situación en el último momento, victoria o aplazamiento de la crisis...se repite continuamente y en esta entrega es casi siempre Gandalf o las fuerzas que convoca el mago --caso de las águilas gigantes-- las que salvan a los héroes de ser derrotados y eliminados. Pero esto es lo que uno espera de estos relatos y es así desde siempre. En esa repetición argumental estriba el encanto de estas narraciones clásicas que han encandilado a los humanos desde los tiempos de las cavernas.

Sospecho que Gollum (representado --con la técnica de "stop motion"-- por el actor Andy Serkis, que también hace trabajos de director de la segunda unidad) es una figura esencial en esta nueva saga: recordemos que todo pasa mucho antes de lo que nos narra "El señor de los anilllos" donde Gollum morirá unido a la destrucción final del anillo de poder y de Sauron, el malo por excelencia de los cuentos. Por el momento la secuencia de los acertijos en la cueva donde se encuentran él y Bilbo, es lo mejor de la película por su humor y su tensión narrativa.

Por tanto, la película se envuelve en un aire de "dejà vu", de algo visto con anterioridad, con pocas variaciones. Justo es admitir una de las mejores novedades, aunque muy breve: la lucha de los gigantes de piedra en los peligrosos desfiladeros de la montaña, que están a punto de acabar con la Comunidad de los enanos y Bilbo Bolsón entre ellos. Otra, el proceso de aprendizaje heroico de ese personaje brillantemente interpretado por Martin Friedman.

La cinta resulta nuevamente deslumbrante y espectacular pero es algo excesiva y abrumadora. Bilbo carece del dramatismo interior de Frodo y a él no parece crearle demasiados problemas la posesión del Anillo. Parece pues que la rentable moda de franquicias (como las de Harry Potter o "Crepúsculo") condicionan también ésta nueva aparición de las sagas de Tolkien. Esperemos que además de la cuestión económica, Jackson logre dar fuerza propia a este "Hobbit" ,por ahora demasiado deudor de "El señor de los anillos". Esperemos.

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Meryl Streep y Tommy Lee Jones interpretan esta comedia amable y picante (lo indispensable) en la que se enfrentan ambos a un intento desesperado de salvar su matrimonio de 30 años, en los que el silencio, la incomunicación y el alejamiento físico y sensual se han convertido en una vida cotidiana aburrida, frustrada y sin alicientes ni ilusiones. Costumbrismo a tope en una familia media norteamericana y unas interpretaciones tan irreprochables como cabe esperar de esos dos gigantes de la pantalla.

El tercero en discordia es, naturalmente, un psicoterapeuta especializado en rehacer matrimonios (eso, si, todo muy a la americana, un poco alejado de lo que es la práctica profesional en estos pagos), papel que interpreta con su limitada gestualidad habitual Steve Carell, ese cómico que parece retornar a los modos de un Buster Keaton, por ejemplo. Con el rechazo y la renuencia descarada y quejica de Tommy, Meryl le convence para hacer un cursillo de una semana intensiva con un célebre terapeuta, a fin de recuperar la intimidad sexual y sentimental en la pareja. Irán al ficticio pueblo costero de Hope Spring (que da título a la película, aunque en realidad es Stonigton) en un entorno relajado y hermoso.

David Frankel (que ha dirigido otras comedias con éxito, como "El diablo viste de Prada" o "Una pareja de tres") nos cuenta con bastante comedimiento esta historia de sexo y amor en la edad madura, fiando más en la pericia de los actores principales que en la fuerza y gracia del guión (de Vanessa Taylor), bastante previsible y que sigue una linea tradicional sin permitirse ningun exceso (las secuencias de ejercicios sexuales están rodadas con extremo cuidado y delicadeza, empujando más por el lado del humor que de la crítica). Quizá lo más interesante de la cinta estribe en el hecho de que contemplamos la trama desde el punto de vista femenino (lo que era de esperar dado el sexo del guionista) cosa que permite un lucimiento mayor en la Streep y que Tommy Lee nos obsequie con otra de sus impagables actuaciones refunfuñantes, pero esta vez con el añadido de su destartalado y entrañable sentido del humor (¿se han fijado que cada año se parece más a Walter Mattahu?).

Película entretenida para todos, pero especialmente aconsejable para matrimonios que lleven más de diez años juntos.

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Con un presupuesto de unos 30 millones de dólares, “Si de verdad quieres…” se estrenó el pasado mes de agosto en Estados Unidos y en su primer fin de semana recaudó casi 15 millones —ayudó la positiva recepción crítica por parte de la prensa—. Su buena acogida se prolongó en la taquilla y hasta ahora lleva acumulados más de 62 millones en todo el mundo. Se estrenó el 28 de septiembre en España. 

Adam Sandler presta su voz, en la versión inglesa, a este Drácula en dibujos animados que protagoniza la propuesta  de Genndy Tartakovski para los pequeños y sus padres. Es como si el mal fario que contagia ultimamente las películas de ese actor histriónico y excesivo haga efecto en las películas de animación donde solo presta su voz. "Hotel Transilvania" parte de una buena idea que se estropea en la realización: un lugar donde puedan vivir los monstruos --todos los clásicos del mundo subterráneo y arquetípico del terror--unas buenas vacaciones en paz, al resguardo de los siempre peligrosos humanos.

La excelente trama propuesta, en la que el elemento catalizador es Mavis, la hija de Drácula, que abandona la adolescencia para convertirse en una joven adulta con todo lo que ese rito de cambio promueve, se pierde en un desarrollo argumental adocenado y sin brillo. Mavis quiere conocer mundo y no acaba de creerse los "cuentos de terror" que le cuentan sobre los humanos. Esa trasposición de términos y conceptos, la relación de los opuestos cambiados de lugar, hace que veamos las historias de terror "desde el otro lado". Es justamente lo que hacía brillantemente la magnífica "El alucinante mundo de Norman" (que comentamos hace unos días) y que "Hotel Transilvania" no llega ni siquiera a insinuar, perdiéndose en las evidencias y facilidades de la propia fuerza de los mitos que convoca.

El libreto, firmado por cinco guionistas, abunda en desmañados guiños al niño que hay en los adultos y en simplezas para los auténticos destinatarios, los niños. La anécdota básica, la libertad que requiere el desarrollo personal, la aceptación de las diferencias, no pasa de algo mil veces visto en la pantalla y con más gracia que aquí. Un montaje hiperdinámico, un exceso de excitación en el protagonista y unos personajes que no acaban de resultar divertidos, reducen "Hotel Transilvania" a una película sin huella. Los peques la pueden disfrutar levemente y los adultos acompañantes se aburrirán.

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