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Magnífica y angustiante película con un Robert Redford clamoroso: una lección para los divos del mundo del cine. Redford se comporta como lo que es, un anciano de mas de setenta años con un físico excepcional para su edad y enfrentándose con valor e inteligencia a una situación límite. Segunda película de J.C. Chandor, tras la magnífica ópera prima “Margin Call”. En esta nueva película además es guionista y se atreve con una historia simple, sin apenas más datos que los que genera un presente conflictivo. Vemos a un navegante solitario que está descansando en el interior de su barco. De pronto hay una sacudida y un ruido penetrante y comienza a entrar agua en el barco. Este ha chocado contra un enorme contenedor metálico caido seguramente de uno de los grandes navíos que cruzan los océanos cargados hasta los topes de varios pisos de containers apilados en  cubiertas más grandes que campos de futbol.. Una voz en off nos ha avisado de que va a haber problemas de vida o muerte. Pero de momento ya tenemos la causa, el container-iceberg, el elemento  ambiental un océano, y el protagonista humano, Robert Redford, simplemente un hombre, del que solo sabemos que es navegante y que está solo. Algún dato más se deduce por las actividades del hombre durante su trágica odisea. Pero no hay palabras, muy poca música, silencio generalizado y el ruido del agua al caer, de la lluvia, del oleaje, de la tormenta. Sólo escuchamos la voz del protagonista ,un desesperado "joder" cuando las cosas se ponen demasiado feas y los gritos de auxilio ante el paso de los enormes barcos con los que se cruza. Somos testigos de una lucha pura de supervivencia en un medio hermoso pero hostil. Un hombre habilidoso aunque mayor, que trata de salvar su vida y tiene tiempo y fuerzas para extasiarse ante una puesta de sol en la inmensidad solitaria del océano.

Una especie de Crusoe que no toca tierra pero tiene la misma mentalidad laboriosa y la fuerza vital de no darse nunca por vencido, hasta que le fallan las fuerzas. La película es modélica en su concisión conceptual, en sus planos subjetivos, en los fundidos y elipsis, en detalles como dejar ver el chocante contenido del container causante del drama, el desapego de lo material y en la persistencia en la lucha por sobrevivir, o la impotencia de ver muy cerca la salvación y ser incapaz de alcanzarla. Redford hace una actuación modélica, mostrando en su cuerpo y su rostro el desgaste, el cansancio y la angustia de su situación. Sorprende el control de sí mismo del personaje, pero me supongo que esa suele ser la catadura psicológica de los navegantes solitarios: ¿para qué perder energía y tiempo en enfadarse con lo que ocurre? Solo  queda hacer lo que se pueda para evitar las consecuencias o minimizarlas.¿Tiene sentido indignarse contra un contenedor o maldecir una tormenta? Las miradas de Redford son todo un poema de resignación. Y la inexprisividad estoica de su rostro durante los duros momentos que le depara el guión, podría parecer excesiva, pero él logra que aceptemos que hay hombres así. Él es el centro de la película  durante 106 minutos, apoyado en el trabajo magistral de J.C. Chandor tras la cámara, que mantiene  la tensión durante todo el filme, entremezclando silencios naturales con un muy bueno apoyo musical en ciertas secuencias. Cercana temáticamente (la soledad) a "127 horas". "Enterrado" o "Gravity", da una cualitativa vuelta de tuerca al tema, a pesar de la concesión del final o el muy "british" detalle del afeitado previo a la tormenta (y la curiosa ausencia de barba en el resto de los días). 

Recital de Cate Blanchett, a años luz de la hermosa reina de los Elfos en "El señor de los Anillos", bajo la batuta  vieja pero aún firme del gran Woody Allen que parece sacudirse un poco la modorra que supuso sus tres últimas incursiones en el celuloide (aunque ahora ya no se puede hablar así: no hay celuloide en el cine). Aunque evidentemente Allen es al cine lo que Tolstoi a la novela, es decir siempre detras de la cámra o de la pluma pero dentro de la obra, bien visible, está el creador y todo lo tiñe con su ideología, sus creencias y sus manías (que nadie se rompa las vestiduras, no les comparo en términos de calidad, sino de proceso de reflejo en el propio trabajo). Pero aun así, todas son distintas aunque se parecen en el fondo, tienen un aire de familia. banalizado algunas veces y son las obras menos logradas y llevadas al colmo de la neurosis y estas son las mejores. "Blue Jasmine", a  mi parecer, es de las últimas.

Aquí no aparece Allen, ni ese personaje torturado e ingenioso que le sustituye de una forma casi gemelar, sino que parte de los fantasmas interiores de Allen que tiene una magnífica propnesión a hacer autoterapia con sus películas. Toda l inseguridad, los saltos al vacío, la inteligencia morbosa y el borroso sentido de culpa de raíces judías aparecen encarnados en los personajes de Blue Jasmine, sobre todo en la protegonista que se encuntra en el border line de la patología. Hay un irritante y catártico abuso emocional en lo que la pobre Blanchett se ve obligada a hacer para conformar su personaje. No hay complacencia en la mirada de Allen sobre sus personajes, ni siquiera humor, aunque su acido ingenio siga disparando aqui y allá. La mediovridad de nuestra sociedad, su absurda escala de valores, su maniqueismo hipórcita, su estupidez y el bochorno de la tontería que nos invade, son diseccionados con pulso de cirujano por Woody a través de unos personajes sin alma, con obsesión por el dinero, la avaricia y la representación del ego a través de firmas comerciales de dudoso gusto y alto precio.

No se la pierdan. Es un Allen corrosivo y una Blanchett agónica, excesiva pero real como la --alta y lujosa-- vida --desaprovechada y mezquina--misma. Basta con mirar las revistas de sociedad para ver muchas Blue jasmines en ciernes o ocupando las portadas. No diremos nombres.

Vi la pieza de Tracy Letts (ganadora de un Pullitzer en 2008) en el Teatro nacional de Cataluña hace dos años, interpretada por los mejores actores y actrices de la escena catalana del momento y el año pasado en el montaje de la Compañía de Tetaro Clásico, en castellano. En ambas ocasiones con un éxito enorme de crítica y público. Y es que la obra de Letts tiene toda la fuerza, el descaro, el ingenio y la fuerza humana de los grandes dramas. Era cuestión de (poco) tiempo que alguien se atreviera a llevarla a la pantalla. El hábil y multifacetal actor, guionista y productor John Wells, dirige su primera película contando con un excelente plantel de buenas actrices y actores y con el apoyo de producción de George Clooney y Grant Heslov y un guión que también firma el autor de la obra.

El resultado está a la altura del desafío. La agobiante, crítica, oscura y al tiempo brillante trama responde bien en la pantalla como lo hizo en los escenarios, con una sola reserva: los gritos y excesos actorales de la obra, en el escenario son más aceptables que en la pantalla, donde los primeros planos y la ficticia cercanía del espectador requería una cierta contención que se adaptara más a un medio que tiene sus propiao código, grandezas  y servidumbres. No es así y Wells permite que sobre todo las dos protagonistas principales de la obra, una madre adicta a los fármacos y una hija dominante y seca, ambas con una dramática historia personal a cuestas, se desmelenen al conjuro de sus frustraciones, su dolor y sus mezquindades.

El disminuido patriarca de la familia desaparece y ante el conjuro de esta huida, las tres hijas del matrimonio, más la hermana de la protagonista y sus respectivos maridos (todos elementos de segundo orden: es un drama de mujeres) se reúnen en la casa familiar para afrontar esa desaparición que pronto desemboca en un presumible suicidio. Pero Wells es un director de rara madurez dado que es su primera pelicula como director. No hay grandielocuencia en las imágenes, todo tiene un aire cotidiano, banal y vulnerable que redunda en la credibilidad de la trama. Las imágenes panorámicas, lentas y hermosas de las llanuras de Oklahoma, le sirven a Wells para contrapuntear la claustrofóbica vivencia coral en la finca aislada. Entonces, cuando pasa de la belleza de un atardecer a la rabiosa afloración de pasiones y sentimientos, de secretos de alcoba y de miserias humanas, al director se le va la cosa de las manos y el espectador parece quedar inmerso en la "hybris" de la tragedia griega, donde todos los desastres son posibles.

Y es que resulta muy difícil poner un cierto coto a la desmesura de Meryl Streep (con su aspecto patético y rabioso de enferma de cáncer de boca) o de la dura y exasperada Julia Roberts. Chris Cooper, Dermot Mulroney, Ewan McGregor o Benedict Cumberbatch (lejísimo de su fabuloso Sherlock Holmes de la pequeña pantalla) da ajustada réplica a las feroces bacantes que integran el elenco, además de las dos grandes citadas, una no menos brillante Margo Martindale, en el papel de hermana de Meryl, Abigail Lewis y Juliette Lewis. Combates interpretativos que dejan al espectador exhausto, mecido o sobresaltado por la magnífica banda sonora firmada por Gustavo Santaolalla.

La corrosiva historia familiar, en la que los vínculo paterno-filiales o los fraternales son sólo la excusa para abrir la caja de Pandora de los reproches, la mezquindad y el odio, "Agosto" se configura como  una película que atrae como atrae una hermosa flor venenosa a los insectos y que no llega a ser una cinta excelente debido a que le sobra una pizca de exceso interpretativo. Uno se pregunta qué hubiera hecho Liz Taylor y Richard Burton  o Dustin Hoffman con un guión como este y con el tipo de director que les hizo triunfar a ellos. Pero, en todo caso, no es el guión el responsable de los excesos. Y, en definitiva, vale la pena (y nunca mejor dicho) sentarse ante la gran pantalla y dejarse llevar por este dramón excesivo, al que le sobran aspavientos y le falta un poco de contención.

El excelente actor Billy Bob Thornton firma no sólo la dirección de la película sino también el del guión, a medias con Tom Epperson y hace un singular papel de héroe pirado y masturbador en "Jayne Mansfield`s Car", cinta que seguramente se titulará en España (que nadie pregunte por qué) "Infierno en Alabama". Se trata de una comedia bastante negra que habla de lo que ocurre cuando el funeral por una señora muerta en los años sesenta reúne en el profundo sur norteamericano a la familia inglesa del segundo marido de la dama y a los semiracistas retrógrados familiares del primer marido, con sus hijos correspondientes. La confusión, las críticas irónicas a estereotipos culturales y una cierta violencia están servidos en una película que juega con sal gorda y habilidad cómica con todos esos ingredientes haciéndonos pasar un buen rato ante la pantalla. Muy cercano al cine de los hermanos Cohen, Billy Bob demuestra que es tan original, austero y desmadrado al mismo tiempo como director que como actor. Todo transcurre en los años sesenta y eso le da pie al bisoño pero ´prometedor director a mostrarnos una galería de tipos disparatados, hijos de aquélla época y del entorno. La comicidad que resulta de la comparación entre los educados y pomposos ingleses y los americanos vulgares y desenhibidos, van produciendo las imágenes más sonrientes de la película. La rivalidad entre  el ex maridos y el viudo, magnificamente interpretados por dos primeros espadas como Robert Duvall y John Hurt, soldados de la 1ªguerra mundial con sus hijos, Kevin Bacon o Billy Bob, heroes heridos de la 2ª, es más seria y reflexiva de lo que parece tras su vestimenta de humor. Con ciertas desmesuras casi de vodevil casposo, la película resulta interesante aunque la critica norteamericana se ha cebado contra el pobre Billy Bob, cosa que me parece injusta. ¡Ah! ,y el guiño del título (el americano, no el español) una acerba critica a la feroz mitomanía comercializada del norteamericano medio, me parece de lo más divertido. En resumen, una película apreciable, pese a los cambios de ritmo, algunos excesos de guión y ciertas incoherencias.   

     

 Comedia fresca, inteligente y con diálogos y personajes humanos e interesantes. Dirigida por Nicole Holofcener, una especialista en comedias, hay mucho oficio en el excelente guión --de la misma directora-- y en la dirección de actores. Tanto con el malogrado James Gandolfini y su compañera protagonista Julie Louis -Dreifus, la narración ha encontrado dos actores que logran empatizar inmediatamente con los espectadores. La corriente historia de los dos divorciados de mediana edad que buscan una segunda oportunidad está tratada en esta ocasión con una incidencia irónica y traviesa notable que genera momentos magníficos de comicidad y humanidad a raudales. La masajista Julia se relaciona, sin saberlo al principio, con el ex marido de una de sus clientes --una poetisa encantadora-- con la que mantiene una amistad intima llena de confidencias. El problema surge cuando Julie se da cuenta de que "su" Albert, es la "bestia parda" de su admirada poetisa y decide seguir con las dos relaciones, guardando el secreto. Como cabía esperar, la cosa termina estallando en el momento mas inesperado y entonces...pues eso, sobran las palabras.

Realización correcta y una puesta en escena sumamente agradable, de una firmeza contextual muy divertida y unos diálogos aparentemente banales pero que resultan brillantes en ocasiones. A pesar de su título en castellano --esta vez tan apropiado-- lo cierto es que es tan verborreica como las comedias de Woody Allen y con parecido desparpajo e ingenio. La solidez de los personajes da ocasión a que se cumpla la regla de oro de la comedia: es difícil no sentirse identificado con alguno de ellos y con muchas de las situaciones divertidas o ridiculas que se nos ofrecen. Historia banal en apariencia, lo cierto es que entre bromas y veras se dicen verdades como puños y eso es lo que la hace entrañable, mas que la capacidad de sorpresa o innovación en algo tan manido como las relaciones entre hombres y mujeres, los divorcios, la edad mediana, los hijos que levantan el vuelo, los vacios emocionales y las necesidades afectivas. De todo eso casi todos sabemos algo. Y si ademas nos lo sirven en un mensaje agradable y entretenido, pues miel sobre hojuelas. Un apunte: maníficas apariciones de Catherine Keener en su papel de ex esposa de Gandolfini y cliente de Julie. Los demás secundarios, sin excepciones, a la altura de sus papeles.