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Terry Gilliam es , a condición de que te guste su cine siempre un poco desmesurado pero incontestablemente creativo, rompedor y surrealista, uno de los grandes directores actuales. Con cintas que se convierten en puntos de referencia como "Brazil" o "Doce monos", inexcusable para todos los amantes de la ciencia ficción o del thriller, o maravillas inclasificables como "El imaginario del Doctor Parnassus", "Miedo y asco en Las Vegas" o "Tideland". O esa joya literario-referencial que fue el documental sobre el frustrado y accidentado rodaje de "Don Quijote", hemos de convenir que estamos ante un genio visual. un creador único siempre atenazado entre las exigencias de la libertad creativa, el dogal de la industria del cine y el asombro -a veces rechazo- de un público nun ca indiferente . "The Zero Theorem" podría visualizarse como una adelantada revisión del caos brillante de "Brazil", enfocado esta vez al mundo atosigante de la publicidad y la presión brutal y poliédrica de las redes sociales, con carteles publicitarios intrusivos, pantallas de plasma y el ordenador como forma y estilo de vida. Su protagonista, un irreconocible Christophen Waltz, logra tan magnífica y elaborada actuación que se supera a sí mismo (a mi entender aún más inquietantemente atractivo que en "Gloriosos bastardos" y "Django encadenado", ambos de Tarantino, por las que obtuvo sendos Oscars). Seguro que esta vez no le caerá la estatuilla, incluso a pesar de merecerlo más. Cualquiera premia en Hollywood a Terry Gilliam. Y ahora pasemos al conjunto de la cinta: no es una película memorable, ni una gran película, pero es una cinta estimable, distinta, honesta y revolucionaria que merecería mejor destino del que sin duda va a tener: proceso habitual en creadores rebeldes con el sistema. El planteamiento es interesante, pero nos parece de que esta vez el ex Monthy Piton no es capaz de sacarle todo el partido. Quizá sea cosa del guión de Pat Rushin, que promete y sugiere mucho y luego se olvida a desarrollar las ideas. Pero no deja de ser una película de Terry Gilliam con todo lo bueno (o malo, para quien no le guste) que esto conlleva: personajes estrafalarios, una imaginería visual notable, una música lucida y unas interpretaciones llenas de histrionismo pero ferozmente adecuadas al mundo que se nos muestra. No es el mejor Terry Gilliam, pero tampoco el peor. Cine estimable, pues. Apostemos porque siga provocándonos.

Basada en un relato del doctor Oliver Sacks sobre un paciente suyo ("El último hippie") narra la conmovedora historia de un joven con un tumor cerebral que recupera alguna de las funciones de la memoria y un comportamiento más o menos normalizado gracias al amor y la influencia que la música pop de los años 60 y 70 tuvo para él. Drama humano, drama de las relaciones paterno filiales, drama hospitalario, tres figuras esenciales, el chico, y sus dos padres, la madre cariñosa pero poco asertiva, el padre dominante y tradicional encastillado en sus recuerdos, los nexos musicales de unión entre padre e hijo y la ruptura generacional con la fuerza del vendaval de los sesenta, el mundo hippie y la guerra de Vietnam. La marcha de casa del hijo rebelde y el reencuentro veinte años después con el muchacho, treintañero, convertido en un vegetal sin memoria y sin pasado a consecuencia de un tumor cerebral invasivo.

En la línea de "Despertares", la cinta de los noventa de Penny Parshall, con Robert De Niro y Robin Williams, también basada en un libro del neurólogo, se trasciende el simple drama hospitalario para devenir una reflexión sobre la fuerza inmensa de cierto tipo de vivencias y recuerdos de la psique humana para proceder al rescate de la personalidad encerrada por la enfermedad en una cárcel de la que casi nunca se puede salir. En este caso, es el poder de la música en una psique joven e impresionable: Bob Dylan, Rolling Stones, Greatfuld Dead y The Beatles en uno de los momentos inaugurales más emotivos de la cinta. Canciones unidas a incidentes clave en la formación de l psique: el primer amor, el primer beso, la amistad profunda, un espectáculo inolvidable, ligados a determinadas músicas, y el poder de esos sones para arrebatar a una persona de un forzado estado catatónico, una mirada vacía y un gesto congelado.

En este caso y paralelamente a ese despertar propiciado por la sensibilidad y el acierto de una psicoterapeuta musical (una de las especialidades estudiadas por Sacks) resulta magnífica la conversión del padre condicionante y ensimismado en sí mismo, en un padre responsable que busca la comunicación y el amor de su hijo como prioridad absoluta, asumiendo pasados errores y esforzándose por aceptar la cultura hippie de su hijo.

Película irregular y previsible, no obstante resulta emocionante y sugestiva. No se la pierda. Magníficas interpretaciones de los tres protagonistas. Y si le gusta la música pop de los 60 y 70, se emocionará. Y como complemento literario, además de leer el libro de Sacks sobre la musicoterapia (publicado por Anagrama) léase también --me lo agradecerá-- el "Viaje en torno a mi cráneo" (mal título pero extraordinario contenido) de Frigyes Karinthy, que ha editado Galaxia Gutemberg.

"Emperador" es una austera cinta norteamericana sobre el final de la Segunda Guerra Mundial en Japón, tras el lanzamiento de las dos bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki. Las fuerzas de ocupación del rendido, humillado y semi destruido país, comandadas por el singular y teatral general Mc Arthur, debe decidir si hacer responsable al Emperador del comienzo de la guerra y Pearl Harbour o exonerarle de un crimen de guerra. En esa decisión vital para el futuro del país pesan muchos argumentos a favor y en contra, más la presión política de Washington que busca por razones electorales un escarmiento. Un general joven, que mantuvo una relación con una japonesa antes de la guerra, es el encargado de dirigir las investigaciones para aportar argumentos a favor del perdón. La concisión y economía de las imágenes se ajustan al inicio documental de la película y muy pronto, planteado el nudo principal, se diluye de vez en cuando en una sub trama romántica, con escenas empalagosas que no aportan nada a la trama principal e incluso le restan la firmeza documental que muestra al principio y en su desarrollo político. En esos tramos del film la historia funciona perfectamente, con Tommy Lee Jones (el general Mc Arthur) que sigue robando cámara cada vez que sale con su tortuoso rostro sardónico y un poco de histrionismo que el actor se permite de vez en cuando. Se huye de los tópicos, no se disimula la zafiedad de los americanos y la cortesía social nipona (los actores japoneses son todos muy buenos. Brilla el oficio del director, un correcto artesano, Peter Webber. Y saca el mejor partido posible de ese impasible y medio robótico Matthew Fox, como general investigador.

La moraleja, el horror de la guerra y su difícil justificación, es evidente y sorprende en una película norteamericana dedicada a esos hechos históricos: hay una justificación histórica de uno de los ex ministros japoneses sobre las invasiones de su país, una secuencia en la que recuerda a un sorprendido, enojado y mudo Fox, que británicos, norteamericanos, holandeses, franceses y españoles precedieron a Japón en su política de conquista unilateral. La fotografía y música, ambientación y guión bien resueltos (con algunos ¿fallos? como la condena al ministro Tojo por el ataque a Pearl Harbour cuando en realidad la acusación mayor fue el asesinato de 8 millones de personas bajo su mandato), perfilan una película de modestas pretensiones digna de ser vista.

En su día (año 1999) me divertí con una cinta modesta y que hacía pensar, a pesar de su aire de comedia, en una típica película de choque de culturas, con sus estereotipos y sus tópicos. En este caso, una familia pakistaní radicada en Inglaterra, con todos los elementos dramáticos que suelen provocar la escasa comunicación y comprensión entre una cultura musulmana de una sociedad tradicional y anclada en el pasado y los usos y costumbres de una sociedad opulenta --es un decir-- del cristianismo civilizado (también es un decir). Se trataba de mostrarnos los problemas de identidad de los numerosos hijos del paquistaní George Khan, que contrajo matrimonio con la inglesa Ella y se trasladó al Reino Unido. El choque entre la dos culturas.la de Pakistán y la inglesa provocaba las esperadas y más o menos dramáticas chispas.

"Occidente es occidente" es una secuela de aquella película, rodada diez años más tarde (en 2010) pero que ha aterrizado ahora en las pantallas españolas. El guionista inglés de origen paquistaní Ayub Khan Din repite temática en su guión mostrándonos al hijo pequeño de Kahn, Sayid, un mozalbete maleducado y grosero que esconde con esa violencia verbal el malestar que le producen sus origenes y que sus compañeros de escuela no se cansan de repetir en forma de insulto racista. Esa violencia verbal y negatividad revierte en todo lo que suene a pakistaní, incluido el padre del joven, que decide afrontar el problema yéndose a pasar una temporada con su hijo a Pakistán a casa de la familia que abandonó 35 años antes por su matrimonio con Ella (la aparición de Ella en la casa familiar de Khan provoca las consabidas tensiones con la primera esposa del emigrado y sus hijas. El drama está servido, aunque no por mucho tiempo..

Dirige Andy de Emmony y repiten papeles el gran actor Om Puri y a la magnifica Linda Basset como su mujer británica. Aqib Khan borda el rol del joven agresivo y malhablado que va cambiando de comportamiento y se va impregnando de los valores positivos de su propia cultura, moraleja previsible en este género. Película pues de diferencias generacionales como elemento añadido en la crítica dinámica del choque de culturas. Las tramas secundarias cumplen su función y el director mantiene un equilibrio acertado entre ellas y la trama principal sobre la educación sentimental del joven "paqui" que está recuperando su orgullo de raza, sus raíces tradicionales y se encuentra cómodo con ellas. Algunos personajes, como el viejo maestro que encarrila al muchacho con su sabiduría y su humor, está muy conseguidos. No perderá el tiempo yendo a verla.

El director de "Amelie", Jean Pierre Jeunet, firma esta sorprendente, divertida y encantadora película, con sus defectillos y sus virtudes. Bueno, en este caso no importa demasiado que a la postre sea una película bastante floja, es tan encantadora su vestimenta gráfica que uno se apunta enseguida a seguir viéndola y en bastantes momentos disfrutarla. Las representaciones gráficas, dibujos, anagramas, filmaciones que van acompañando a las secuencias, explicándolas ingeniosa y festivamente (la representación de unos razonamientos en el cerebro de la hermana del protagonista en forma de consejo de administración de los distintos "yos", es de una comicidad apabullante). ¿De qué va la cosa? De las andanzas y tribulaciones de un niño de once años que es un genio ignorado por todos, sobre todo por su familia, un portento del dibujo y de la mecánica. El niño vive en una aldea remota norteamericana y gana el premio del famoso Instituto Smithosian al mejor invento, con una máquina del movimiento perpetuo. La película nos narra su accidentado viaje, solo, como pasajero ilegal en un tren de mercancías, no sin antes mostrarnos a la familia y el tipo de vida que el pequeño genio lleva, con drama incluido.

La soberbia "MicMac", la magnifica "Delicattessen" o el premio gordo de público que fue la almibarada "Amelie". certifican un creador con notable talento. En este caso hace la versión cinematográfica de la novela de Reif Larsen, "The selected works of T.S.Spivet", una desternillante muestra del ingenio visual aplicado a una historia emotiva, critica y humana, una mezcla de Tom Sawyer y Huckleberry Finn, que narra el viaje de un niño a través de Estados Unidos, ilustrados los márgenes del libro con los inventos y elucubraciones racionales y técnicas del niño para resolver sus problemas.

Claro, el pequeño genio, es un científico y su mirada es, como tal, adecuada a la finalidad al margen de cualquier sentimentalismo o emoción y esa mirada es la que resta emotividad a la película a pesar de que no faltan momentos emocionales (aunque se evita el desgarro, como en la muerte del hermanito de TS.) Trama pues muy ajustada al argumento descriptivo, a la que le sobra cierto mecanicismo, algunas secuencias poco verosímiles, datos dejados al aire y problemas sin resolver, y le falta un poco de emoción compartida. Magnífica Helena Bonham Carter enfrascada en un delicioso papel de madre experta en bichos, pintoresca la aparición del actor fetiche de Junot, Dominique Pinon e irreprochable del pequeño actor que protagoniza la cinta, Kyle Cattlet. No se engañen, no es una película especialmente destinada al publico infantil, hay una fuerte tendencia sombría en los personajes que no agradarían a un niño (que no entendería nada). Y eso a pesar de la habilidad digital y los momentos de humor y tipos interesantes, servidos por una cámara aficionada a tomas, enfoques y contratomas de lo más rompedor (que recuerdan las películas de Wes Anderson, otro visionario del cine) todo lo cual hace recomendable esta película para los buenos gourmets fílmicos.

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