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Deliciosa comedia británica de la época de los Estudios Ealing de los 50 y 60, dirigida por los Hermanos Boulting. Un jovencísimo Peter Sellers, en un papel poco habitual en él: un sacerdote anglicano inocente y sabio que cree en las personas y que es lo suficientemente inteligente para permitir que abusen un poco de él. Una especie de Idiota de Dostoievski. Sin abandonar el tono de comedia de costumbres, la película somete a una crítica demoledora, precisamente por su bondad y humor, de la iglesia como institución en general, y de la Iglesia Anglicana en particular. Sin dejar por ello de aportar detalles tan sarcásticos y jugosos como el del monaguillo que mientras ayuda al vicario Smallwood (Sellers) en el oficio religioso lee "Lolita", de Vladimir Nabokov, mientras toca el órgano de la iglesia. Curiosamente Sellers acababa de encarnar al malicioso seductor de niñas en la versión cinematográfica de la novela. En "Cielos arriba", como en algunas películas de Buñuel o en novelas de Greene o Maugham es posible ver como intentar aplicar la doctrina cristiana en toda su pureza se convierte en un despropósito en el mundo que nos rodea y los que lo intentan son tratados como locos o algo peor. De alguna forma se reproduce la anécdota moral de "Un enemigo del pueblo" de Ibsen o de aquella otra pelicula clásica del humor inglés que se titulaba "El hombre del traje blanco", también interpretada por Sellers, creo recordar. El final resulta ser una metáfora de la moraleja que se respiraba en toda la película: el mensaje evangélico puro es una cosa que sólo tiene cabida en los espacios siderales lejos de cualquier sociedad humana, esencialmente imperfecta y alejada de tales mensajes.. Es una cinta escasamente conocida y que merece una revisión por su honestidad, su sarcasmo y su valiente mensaje irónico pero realista.

El respeto de los mexicanos por los muertos y toda la parafernalia de liturgias, celebraciones y festividades varias articulan una jornada (la de Todos los Santos en el calendario católico) en el que en vez del tétrico y morboso comportarse de las familias en el orbe católico hay una suerte de explosión de vitalidad, humor , canciones y música, gastronomía y bebidas (seguramente heredadas del sincretismo religioso entre las festivades propias de los indios y aztecas ancestrales y el mestizaje) que caracteriza a ese país entre todos los de inlfuencia cristiana.

La película "El libro de la vida" es una esmerada celebración en dibujos animados de toda esa tradición con una historia evidentemente de amor en la que ese sentimiento se triangula entre dos chicos y una chica en torno al tópico del país: un torero incipiente al que no le gusta matar toros y un generalito carismático y bracuvón. Historia que recuerda básicamente a la magnífica "La novia cadáver" de Tim Burton y que circula entre los mundos de los vivos y los muertos (con el submundo de los muertos "olvidados") y se basa en el prijncipoio sentimental de que una persona no muere del todo mientras persista su recuerdo en los que los han amado) y el valor de la familia como elemento de cohesión y de identidad.

Producida por Guillermo del Toro y dirigida por Javier R. Gutiérrez, un experto en cultura mexicana, la cinta divierte y atrae no solo por su defensa de los elementos básicos de la tradición de México y sus costumbres, sino un festivo homenaje hacia su folclore, olvidando las sombras terribles de un país que siempre es excesivo, en lo bueno y lo malo, abocándose a mostrar la alegría de vivir, sin demasiada originalidad y con algunos baches de interés. Potente uso del color y acentuado esquematismo simbólico y tópico de los personajes, mas una técnica de realización que recuerda la stop-motion sin llegar a serlo, termina en conjunto siendo una cinta más irregular que lograda. pero aún así aceptablementge distraida, a pesar del uso poco conseguido del mito de Orfeo, esa potente simbología de la vida implicándose en el desafío de la muerte y del amor como motivo vertebrador.

Traten de conseguir esta vieja película del gran John Ford, el rey del western y que además dejó múltiples películas deliciosas en otros géneros, en muchas ocasiones secundado por su irreemplazable John Wayne. "Siete mujeres" es la última de sus películas (130 sumó) y en ella el viejo director del parche en un ojo hizo gala de su maestría y su sentido del sarcasmo (tenía 71 años). Puesto que había sido considerado siempre un misógino, dedicó su ultima obra a siete --en realidad son ocho-- mujeres y un solo varón que sólo al final se comporta como uno de los héroes fordianos. Por múltiples razones la película tuvo poco éxito y no se le dedicó casi publicidad. En realidad por la crítica acerba y absolutamente valiente que hace sobre las iglesias en general y las "colonialistas" (las que buscan trasmitir su mensaje apostólico en los lugares más exóticos) en particular. Presentar a una genial Anne Brancroft como una mujer médico competente, deslenguada y con fuerza interior y convicciones propias, fue nun regalo de Ford a sus admiradores como director. Los más conservadores, en materia de religión y de usos sociales, la consideraron un ataque irrespetuoso, casi una soflama, ahogando a los que se atrevieron a tildar de "fascista" a ese director que ensalzaba la virilidad, la nobleza y el valor como testimonios de una época u una manera de ser (eso sin olvidar los detalles heterodoxos de tipo sexual que dejó desperdigados por la cinta). Para ello hay que situarse en la óptica de los años sesenta: atreverse a olvidarse de los convencionalismo y tratar la psicología de las mujeres con notable acierto. Hay que ser muy miope para llamar misógino y machista a este director.

La película, que podría ser una obra de teatro filmado, transcurre tras una empalizada en una frontera china amenazada por mongoles, donde las mujeres y el único hombre muestran ante la barbarie y la crueldad la auténtica ley de sus temperamentos e ideas, la capacidad de sacrificio, la generosidad pero también la mezquindad, la cobardía y la malevolencia. Gran película y digna despedida de Ford como director. para quienes sepan entender.

Correcta comedia de Curtis Bernhardt en la que en clave de humor se pone en solfa las diferencias hombre-mujer en la sociedad norteamericana de los años sesenta y las contradicciones internas de la política norteamericana en una época en la que aún se seguía el absentismo internacional de los años de postguerra y están por empezar los grandes desastres de Vietnam y el racismo combatiente. Es un humor crítico, a veces duro pero con talante amable. La sonrisa y el buen hacer de Fred Mc Murray (que podía encarnar tanto a héroes como a granujas con la misma seguridad) y Polly Bergen poco conocida en España pero también precisa en su gestualidad. Una mujer como presidente del país es el elemento básico de la trama junto con el papel que dicho hecho provoca en las actitudes del marido de la presidente. La historia no analiza con ninguna profundidad los hechos y se limita a explotar humorísticamente la anécdota. Añadiendo caricaturas críticas, como el senador corrupto y el visitante extranjero, un dictador sudamericano interpretado con exceso de teatralidad por el gran Eli Wallach. Película anecdótica que despierta algunas sonrisas pero que orilla cualquier complicación de seriedad y análisis político o social.

Reconozco que tenía mis reparos. Una historia de amor entre post adolescentes, con esa pesadilla llamada cáncer entre medio, me figuraba una cinta complaciente, irreal, reflejo de esa mala conciencia del mundo ante esa horrible enfermedad. Edulcoración, lágrimas a gogó y moraleja de manual de autoayuda. Pues no. Me equivoqué. La vi a petición de mi hija y solo por eso debí sospechar que no se debe juzgar sin ver. No he leído el libro en la que se basa por las mismas prevenciones apuntadas. Ahora me propongo leerlo. "Te fault in our stars" de John Green. Pero la película me ha conmovido, a pesar de ciertos pequeños excesos y la inevitable literatura (que en el cine puede rozar la inconveniencia: es un arte distinto y lo que convence en un libro puede traducirse de manera confusa o manipuladora en el cine). En este caso, está sobre todo en los diálogos y en la voz en off que nos cuenta la historia, pero la traducción en imágenes es correcta, austera y bastante realista, sin perderse la fuerza de esos dos jóvenes condenados y ejemplarmente fuertes y sensibles.

Su mejor virtud es la falta de pretensiones, el esfuerzo de normalidad por el que luchan todos, los enfermos y sus familias, que tienen claro que las circunstancias por feas y duras que sean solo son eso circunstancias, y el ser humano que las sufre con tal entereza y ambición de vivir es otra y la misma cosa, una persona con sueños, ideales y proyectos "a pesar de todo". Como prueba de la vocación realista de la cinta, la magnífica (y odiosa) interpretación del gran Willem Dafoe, en un desagradable papel de "gurú" aparentemente fraudulento. La chica Shailene Woodley logra una interpretación notable, bien secundada por la magnifica Laura Dern como su madre. El chico Ansel Elgort y el resto de secundarios cumplen bien con sus papeles, elevando el listón emotivo de la película y su honestidad. Nada de falsa trascendencia, de heroísmos, de sufrimientos silenciosos y abnegados: hay de todo eso, pero no suena a falso. Suena tan sinceras como las lágrimas de la actriz. Quizá cuando se acerca el final se nos pase un poco el director, pero lo cierto es que lo que nos cuenta es para llorar, pero con dulzura, sin desesperación o rabia. Pues muy bien.