El blog de diariodemimochila.over-blog.es

 Hace muchos años, en mi irredenta adolescencia, cuando buscaba libros baratos en las librerías de viejo y en el mercado de San Antonio  o en los quioscos que existían detrás de la Universidad barcelonesa, encontré precisamente en uno de esos quioscos un librito encuadernado en rústica procedente de una editorial sudamericana, creo que Novaro de México. La portada, tipo cómic, me fascinó: una enorme planta de ramas sarmentosas y vulvas carnosas arrastraba un cuerpo humano y a la vez, aprisionaba a una rubia exuberante, visiblemente viva, con la intención, no se sabe bien, de besarla o de morderla. La escena era de lo más sugestiva, encarnaba el horror y el misterio del mal, el erotismo femenino y la incógnita de lo que iba a suceder después.

Se trataba de "El día de los trífidos"  del inglés John Wyndham (publicada en 1951) y un subtítulo de letras rojas añadía: "La Humanidad en Peligro, las plantas se alimentan de los seres humanos a los que han dejado ciegos". Bueno, así expuesto, el argumento se llenaba de interrogantes acuciantes que solo la lectura podría resolver. Pagué su precio, no llegaba a diez pesetas (!Que tiempos!) y me dispuse a pasar una tarde de lo más entretenida. Lo leí de un tirón y jamás la olvidé. Algunas célebres películas actuales recordaban uno u otro detalle de esa novela y creo que en el 62 se hizo una versión en blanco y negro que no he podido encontrar. Mas tarde comprobé que la inefable BBC había versionado la novela, primero en la radio en 1953 y más tarde en formato de telefilme.

Por fin ha llegado a mis manos (y ojos) un telefilme de dos partes, dirigido por Nick Copus e interpretado por Joely Richardson, Dougray Scott y Vanesa Redgrave (casualmente, madre del productor de la cinta). Copus ha variado algunos elementos de la novela y ha incluido otros con mayor o menor fortuna. En la película vemos como unas llamaradas solares dejan ciega a casi toda la población humana y un ecologista estúpido y fanático libera a los trífidos que estaban concentrandos en granjas para aprovechar su aceite (gracias a ello se habia resuelto la crisis energética y su amenaza de calentamiento de la tierra, sin imaginar que eran un peligro mortal).

 En la novela son unos cometas verdes (presuntamente enviados por la civilización de los trifidos que pretende colonizar la tierra) los que ciegan a la mayoría de los humanos  para asi dejarlos indefensos ante la depredadoras plantas (que pueden moverse, lentas pero seguras)

Las secuencias de inicio de la película ( y de la novela) son de las que no se olvidan. El caos, el horror y el miedo contagioso de los pobladores de Londres ante una ceguera total (circunstancia que comparten con el resto del mundo, excepto algunas personas como el protagonista, un biólogo que justamente habia sido atacado por un trifido en una granja y estaba convaleciente de una operación en los ojos, por lo que los tenía tapados cuando se produce el terrible resplandor), es una de las circunstancias trágicas globales que constituyen el acerbo oscuro de nuestra cultura apocalíptica.

Pero después el desarrollo argumental es de una complejidad fascinante y un excelente ensayo de proyección sociológica. ¿Como se organizará una sociedad formada por una mayoría de personas ciegas y unos pocos videntes? Toda la infraestructura, instituciones, organismos, departamentos, que sustentan nuestra civilización ha desaparecido. La tecnología se ha detenido brutalmente y apenas quedan líderes intelectuales o sociales que tomen el mando y la dirección, aunque abundan los caudillos y los psicópatas.

En la novela, el protagonista, Bill Masen, se arranca los vendajes para ver conmocionado unas escenas en el hospital y las calles londinenses que describe como "El infierno según Gustavo Doré". Es mucho más que eso y los benditos efectos especiales nos brindan la posibilidad de ver el alcance del desastre, aunque nos hurtan la reflexión y el intimismo psicológico que nos impresiona en la novela. Tampoco en el filme se ahonda en la relación entre los protagonistas, el biólogo y la periodista popular (en la novela es una escritora de renombre) y la película, muy bien realizada, se convierte más en un thriler de supervivientes de excelente factura, pero que aún así siembra cierta inquietud en la mente del espectador. La finura literaria de la novela deja su marca en el argumento cinematográfico y su traducción en imágenes. No es una película más de ciencia ficción. Y más si uno se toma el agradable trabajo de leerse previamente la novela. Allí interesa muchísimo el análisis de las diversas formas de reorganización que van probando los humanos ciegos dirigidos por líderes ocasionales después de la catástrofe. Unos se aferran a la religión y los valores morales, sin llegar nunca a advertir la magnitud del cambio; otros se aíslan en grupos minúsculos de supervivientes, sometidos a la ley básica de la supervivencia y la auto defensa; los de allá rechazan violentamente a otros grupos humanos, y otros pretenden instaurar un régimen feudal de características autoritarias. Luego quedan los que tratan de crear un modelo de sociedad fundada en la racionalidad y la necesidad de preservar la especie, como una prioridad forzosa que no admite vacilaciones éticas.

Lo dicho, no dejen de leer la novela,-- hay una edición asequible, Clásicos Minotauro, Planeta 2008-- y después acudan a un deuvedé club o en las webs de cine alquilado en internet para lograr la película. Para 2012 parece que se estrenará una versión para la pantalla grande. Hollywood ha olido una suculenta presa. Veremos.

Bueno, en esta amable y bienintencionada película hay que tener en cuenta la historia detrás de la pantalla. Está dirigida por Emilio Estévez, el director y actor, hijo de Martin Sheen (que en realidad se apellida Estévez y es hijo de español, gallego a más señas) al que recordarán los cinéfilos como el oficial ejecutor de "Apocalipsys now" de Francis C. Coppola, una de las mejores cintas bélicas de la historia del cine. Pues bien "The Way" es la historia de un oculista de California, de 70 años, que pierde a su hijo de 43, mientras este realiza el Camino de Santiago, a causa de un accidente. Tom, marcha a España para recoger las cenizas de su hijo, con el que tiene una asignatura pendiente de comprensión pero no de afecto, y decide hacer el Camino que había empezado el fallecido.

Y ahí empieza la versión fílmica, parcial y escogida como es inevitable, del desarrollo, moroso, pintoresco, agotador y estimulante del Camino de Santiago. Si alguno de ustedes lo ha realizado, ya sabe de qué les hablo. A los que hemos recorrido aquellos senderos, trochas, pistas y conocido a la flora y fauna que lo recorre y lo habita pues, bueno, "The Way" le traerá recuerdos muy vivos y ciertas dosis de escepticismo y paciencia ante algunos de los inevitables (?) tópicos con que los cineastas norteamericanos cocinan sus visiones de nuestro país y más de algo tan fuertemente peculiar como el Camino.

En ese aspecto, sobran las referencias y anécdotas relacionadas con los gitanos y los toreros (parece que no hayamos avanzado nada desde la época de Washington Irving y Prosper Merimée), mientras que las referencias  religiosas (católicas) que podían haber sido un lastre, están tan contenidas y justificadas --desde el respeto-- como el alejamiento de teorías esotéricas y magias varias relacionadas con el simbolismo del Camino (apuntadas brvemente por el personaje de Jack, el escritor irlandés sin  ideas, que es uno de los compañeros de Tom-Martin). Además del citado, se unen a nuestro desazonado padre norteamericano --que lleva las cenizas de su hijo todo el Camino y las va depositando en lugares del recorrido-- un holandés fornido que camina para adelgazar y para de esa manera volver a gustar a su mujer, y una mujer muy sexy y muy amargada y agresiva que pretende dejar de fumar pero en realidad arrastra el trauma de un aborto obligado.

"The Way" se estrenó el año pasado, en pleno año Jacobeo, y la verdad es que puede añadirse con honor a una eventual lista de películas que tratan directa o indirectamente las historias del Camino  (Buñuel entre ellas). De hecho la película se basa, parcialmente, en un libro de Jack Hitt "Off the road", que no tengo el gusto de conocer. Ha sido coproducida por Mel Gibson y nace --y aqui viene la explicación del principio de esta crónica-- de una experiencia que tuvo Martin Sheen durante un viaje a Galicia a fin de ver a su familia, en la que hizo un par de tramos del Camino. Entusiasmado por la experiencia convenció a su hijo, Emilio Estévez, de que realizara una película sobre ese "viaje al interior" que supuso para el actor ese par de semanas de caminata.

La enseñanza que se desprende es fácil: la vida no se elige, se vive. Carpe Diem y todo eso. La última secuencia muestra al oftalmólogo, con la mochila al hombro, paseando por Marraquech. Es decir, ha decidido vivir su vida como su hijo hizo (ante su rechazo y su incomprensión), .

Ángela Molina, Joaquin Almeida y Simon Andreu, dan vida a algunos de los personajes que se cruzan con Tom, mostrando las diversidad de registros que proporciona una experienca tan íntima y a la vez tan comunalmente humana, que es caminar por el milenario sendero que lleva al Apóstol...y a veces al conocimiento de uno mismo.

Con unas secuencias de acción fascinantes, muy a la medida del incombustible Bruce Willis, comienza una película que trata de no dar respiro al espectador (con tal de que este pida a esta película sólo lo que puede dar: diversión). Dirigida por el  alemán Robert Schwentke (el mismo de "Más allá del tiempo", un drama bastante notable del que ya hablaremos), demuestra su oficio y lo pone al servicio de sus estrellas, Willis, Helen Mirror (resulta jocoso ver a la circunspecta reina Isabel manejando con soltura un lanzagranadas), el gran Morgan Freeman (nunca me canso de admirar su enorme convicción como actor) y el más histriónico pero no menos grande John Malkovich, en un papel enloquecido que le va de maravilla.

El argumento, basado en un cómic famoso de Ellis y Hammer, no es nada del otro mundo: un agente retirado de la CIA, aburrido de su vida, se enfrenta a un intento de asesinato. Lo alarmante es que los asesinos gastan maneras de la CIA. Asi pues el enemigo está dentro, casi sentado en el despacho Oval. Ahí es nada. Por lo tanto Willis se pone en acción, a su manera tosca y eficaz, y recaba la ayuda de sus amigos citados, también jubilados. Es un festival de estrellas. Casi nos sobra el idilio forzado entre una joven funcionaria tomada como forzado rehén por Willis (para protegerla) y su captor.

Un digno producto de acción, a un paso del cine de palomitas (nada de censura a ese maravilloso y evocador cine que tantas satisfacciones nos dio, años ha) y con un tono crepuscular muy elegante, a la medida de las edades de nuestras estrellas.

Me siguen divirtiendo estas películas, con una violencia que no se cree nadie, puros estallidos de efectos especiales y especialistas, como aquellos combates de lucha libre que a mediados del siglo pasado encantaban a nuestros padres.

Si además los actores hacen su trabajo con el gesto amable del que sabe que está jugando a la acción desmedida y poco creíble, en la lucha épica tradicional de los buenos contra los malos, pues miel sobre hojuelas.

Y para terminar no se pierdan las breves apariciones de un grande de la pantalla norteamericana, Ernest Borgnine, en lo que creo fue su último  papel ante las cámaras. Enternecedor. Adiós "Marty", adiós gran "malo" del cine, con su sonrisa de dientes fronteros separados que irradiaba bondad, paradójicamente. En fin, cine, cine, cine.

Federico Luppi y Norma Aleandro, son dos actorazos argentinos que transmiten una naturalidad sin fisuras. Los disfrutamos en aquella delicia que se tituló "El hijo de la novia" y ahora volvemos a verlos juntos dando un recital de sensibilidad y buen hacer, de vis cómica y seducción emotiva, en una palabra, de dignidad profesional y profundidad humana. Se trata de "Cuestión de principios" que dirige Rodrigo Grande, sobre un guión que firma él mismo y Roberto Fontanarrosa, basado en un relato corto de éste último, un buen escritor ya desaparecido, apodado "el negro".

Un relato sencillo de esas situaciones laborales y humanas que son el pan nuestro de cada día en muchas empresas. Recuerda la película del expresionismo alemán, "El Último", en la que los avatares e injusticias de una empresa hotelera en crisis que dejan fuera del trabajo a un empleado modélico, un portero con un uniforme de gala, causa una toma de partido penosa del pobre individuo con tal de preservar su castigada dignidad humana. En fin, no hace falta contarles más. Como dice el título de la película, se trata de una cuestión "de principios". De una cuestión de dignidad, por encima de dinero y poder, tan difícil de preservar en una sociedad donde priva la ganancia por encima de todo y la convicción denigrante de que todo tiene un precio, que todo se puede comprar y que el que no se ajusta a esto principios amorales es un pardillo y un idiota que no merece más que la humillación y el desarraigo.

Sin embargo lo notable de esta película es que trata de huir del maniqueísmo simplón, ni el tiburón ejecutivo es tan desalmado e inhumano como marca el estereotipo (de hecho tiene los pies de barro, en forma de una ex y de una niña, su hija) ni el íntegro currante medio jubilado es madera noble y sin nudos: de hecho bordea la frontera estúpida de la obstinación innecesaria.

Tal vez mi único "pero" tenga que ver con el final, innecesario sello de moralina discurseada al mejor estilo Frank Capra, soledad del malo y premio al bueno, feliz y contento con su victoria. Es una comedia que toca elementos tan sensibles y profundos que acaba molestando la simplicidad maniquea de su desenlace. Pero bueno, esto son manías de purista. Y muy subjetivas. Lo cierto es que el espectador pasará  casi dos horas --demasiado tiempo, hay que reconocerlo--  de a menudo placentera convivencia rioplatense con una matrimonio envejecido pero dinámico y una lucha, entre el viejo empleado y el nuevo y joven director gerente de la empresa (magnífico y convincente Pablo Echarri). Un cierto defecto de ritmo, hace pensar que un montaje menos despacioso, un poco mas de nervio e intensidad narrativa, y el adelgazamiento de ciertas escenas un poco superfluas, hubiese redundado en un producto más redondo. Dignidad y principios siempre causan una simpatía especular en los espectadores: todos nos sentimos concernidos, a todos nos emociona la persona que pierde o corre peligro de perder algo valioso por tal de defender su dignidad. Pero como dice el amigo izquierdista de Luppi, "los principios son un reflejo condicionado. Los mantienes por los demás. Aprovecha la ocasión y olvídate. Saca lo que puedas". Pero no es tan fácil llegar a un compromiso tan obvio socialmente cuando hay un buen guionista por medio. Y asi puede suceder que cuando el moralista cede, su sacrificio no le sirve de mucho y así pierde dignidad y precio al mismo tiempo. O no. Y en esa vuelta de tuerca es donde anida mi queja. ¿Era necesaria?

Silvia Bel compone una magnífica Natalia en la versión que Josep María Mestres presenta en el TNC barcelonés del clásico de Turgueniev "Un mes en el campo". Todas las contradicciones, la perplejidad interior, la locura emocional que embarga a esa aún joven aristócrata rural rusa, casada, con un hijo, pero enredada en una semiplatónica relación (por parte de ella) con un amigo de su marido, el intelectual Rakitin (un contenido y excelente Josep Manel Casany) y al fin enamorada por primera vez del joven profesor de su hijo, un hombre de extracción humilde,  Beliaiev (Robert González), resulta un embriagador catálogo de las emociones amorosas humanas, con toda su carga de celos, tristeza, desconciertos, crueldad y dolorosa vulnerabilidad.

Desde una de las primeras filas pude asistir emocionado a un recital sorprendente sobre todo de la protagonista y de su zarandeado cortejador Rakitin. En uno de los momentos clave de la obra, cuando Natalia se siente perdida antes las emociones que la invaden y la desequilibran, sin saber qué es lo que le ocurre y su amigo Rakitin le aclara, con dolor contenido, que todo ese océano de emociones se debe a que está enamorada por primera vez, y no de él, de un joven de otra clase social y mucho más joven que ella (doble escándalo social en la Rusia zarista, en un medio rural de una rigidez social medieval), en ese momento, el rostro que Silvia Bel dirige al espectador, hurtando la mirada de su despreciado amante nunca real, es un rostro donde anidan emociones contradictorias y un dolor tan sincero que sus lágrimas conmueven a quien logra verlas.

Hay que felicitar al TNC que ha reducido el aforo de su Sala Gran para acercar a todos los espectadores el detalle de las actuaciones.

La obra está ilustrada musicalmente por Lluis Llach, tiene una escenografía y vertuario acorde con la época en que se escribió,1872 (gracias aDios en esta ocasión no ha llegado la maldita moda de la "contemporanización"), y los actores cumplen en general con sus papeles de un forma muy aceptable, con las dos excepciones perfectas que apunto.

Se dice que Turgueniev escribió "Un mes en el campo" evocando su propia experiencia personal, amante de una mujer casada, la cantante de ópera de origen español Paulina Viardot García, también casada con un amigo del escritor. En la obra se diseccionan los sentimientos humanos con la habilidad del escalpelo de un cirujano, principalmente en aquéllos que provoca y remueve uno de los temas predilectos de Turgueniev, sino el principal: el amor, en una visión nada idílica, realista y lúcida, pero también pesimista.

En sus principales obras: Primer amor, Torrente de primavera, La vispera, Humo, Padres e hijos, Relatos de un cazador, Turgueniev siempre tiene una lucidez emocional brillante y una exposición bellisima llena de elegancia y de hallazgos expresivos. Es el precedente de Chejov, quizá menos profundo que éste, pero también más divertido y cercano. Para mí es unos de los más atractivos exponentes de los dramaturgos que analizan el amor, sentimiento complejo que, como él mismo dice, "aunque lleve o no, a la bondad, limpie la piel y la haga resplandecer o gratifique la propia vanidad, no suele conducir a la felicidad".