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 El Liceo hasta la bandera, expectante, clima de las grandes ocasiones, esta vez no sólo por las voces, también la galanura de la ópera, "El cazador furtivo" de Carl Maria von Weber, una música excelente al servicio --como suele suceder en la ópera, con la excepción de Mozart, algunas de Verdi y otras de Wagner y que me perdonen los puristas-- de un argumento bastante mediocre, infantil y pretencioso (aunque proceda de una leyenda popular). Pero bueno  uno cierra los ojos, se olvida de las traducciones y se regodea con música y voces.

La puesta en escena la firma Peter Konwiyschny, director de la ópera de Leipzig, y llama la atención desde antes de empezar la función con un hipnótico ascensor rojo con lucecitas que queda fuera de telón, junto a una pasarela sobre un lateral del foso de la orquesta. Cosas de la "modernidad" escénica que muchas veces hemos aprendido a lamentar los escarmentados fieles del Gran teatro de las Ramblas.  

Tres actos, dos seguidos y uno tras el largo entreacto. El cazador furtivo cuenta con libreto de Johann Friedrich Kind, y se estrenó en 1821 en la Schauspielhaus de Berlín, y no llegó al Liceo hasta 1849. Se trata de untradicional "singspiel" en el que los números musicales alternan con los diálogos y como queda dicho se basa en una leyenda popular, con elementos fáusticos, es decir de comercio con el diablo en busca de éxito amoroso, honor y gloria. Es una historia de bosques, cazadores y guardabosques, entreverada de diablos y servidores oscuros e ingenuos y botarates guadabosques y lugareños en la Bohemia del siglo XVII (el ascensor queda muy propio, claro está en esta historia). La acción trata de los esfuerzos del diablo Samiel, ayudado por un malvador cazador, Kaspar,  por llevarse el alma del guardabosques Max, al que le promete ganar un concurso de tiro a cambio de su alma, para así poder casarse con Agathe hija del jefe de los guardabosques.

Puro romanticismo alemán para el que viene de perlas los bosques oscuros y dramáticos, los malos amenazadores y la lucha eterna entre el bien y el mal, con el amor como motor fáustico en medio. Y, claro está, la victoria de la civilización sobre la barbarie (reflejada en esa Garganta del Lobo, del final del segundo acto donde reina Samiel, y donde se entroniza un televisor con llamas en la pantalla y un ridiculo búho mecánico que produce cierta hilaridad) la luz contra las tinieblas y el amor contra el odio y la envidia. Y, naturalmente, la fozosa y definitiva intervención divina para inclinar la balanza hacia el justo lado. En fin...

Otra cosa son las voces y la música que las arropa y define.  Albert Dohmen como Kaspar, un estólido Alex Brendemuhl como Samiel y un Christopher Ventris como Max, poco convincente en sus movimientos en escena pero con una voz pasable, cumplen sus cometidos con acierto, así como una desvaida Agathe de Petra-Maria Schnitzar, a la que roba escena casi siempre la vivaz Ofelia Sala como Annchen.

Así que con ascensor rojo, el televisor llameante y el búho catártico, todo en una acción que se desarrolla tras la guerra de los Treinta años (1618-1648) con lugareños ingenuos (que nos brindan un coro excelente y algún momento mágico) y protagonistas esquemáticos, la opera hace su singladura dejando al espectador satisfecho sobre todo con la música y  más que divertido, demasiado, con la ambigua simbología, seguramente no deseada por el director de escena, de que la tele estuviera siempre en llamas, el diablo Samiel hablara en catalán, el ascensor quedara como una incógnita injustificable y el búho lograra desarmarse con poca convicción, tras una "actuación" lamentable digna de los hermanos Marx. Dirección de actores y movimientos en escena precisos y bien conjuntados, aunque entre los protagonistas no se podía sacar más de lo que podían dar, es decir bastante poco. Con excepciones ya apuntadas.

En resumen, amigos, casi mejor que se compren una buena versión en CD de la ópera y la escuchen en casita. Se ahorraran quebraderos de cabeza con el dichoso ascensor que va de ninguna parte hasta el primer piso de la pretenciosidad inane.

He aquí una película para adolescentes realizada con imaginación y una cierta dignidad. Atiendo la petición de un lector de este blog que me pide que le recomiende una película para jóvenes que no sea una agresión a la inteligencia y/o a la sensibilidad, lejos de vampiros, idiotas bullangueros o cursiladas disneynianas de la vieja escuela. Tras una búsqueda y dos intentos fallidos he dado con esta cinta danesa de 2009 que creo no se ha estrenado en España en cines sino que ha pasado directamente al mercado de dvd, por tanto será fácil de encontrar para lectores interesados con hijos en edades apropiadas (de los ocho a los quince más o menos).

 Se trata de dos hermanos daneses, Valdemar y Sille (de 16 y 12 años), en la época actual.Los chicos se quedan solos en casa pues sus padres se van a Londres unos días.  Valdemar, como suele suceder con los adolescentes, no tarda en meterse en problemas, frente a una juiciosa e inteligente Sille (muy convincente la niña Clara Maria Bahamondes) que trata de ayudar a su taranbana hermano (un inexpresivo y alelado Jonas Wandschneider) que ha destrozado el coche nuevo de su padre saliendo a conducir con sus amigos.

El chico conoce a un físico, Benedict, que va a dar una conferencia en su escuela sobre agujeros negros y viajes en el tiempo. La necesidad de mucho dinero para arreglar el coche dañado hace que Valdemar, y luego su hermana por decisión propia, acepten una oferta del fisico para que retrocedan en el tiempo y busquen un crucifijo determinado. El viaje en la maquina del tiempo les llevará a tres épocas importantes de la historia de Dinamarca, desde el año 936 al 1157 y 1286 y les permitirá conocer a los reyes de la época, en una aventura plena de peligros y encuentros. Y aqui es donde todo se enreda, incluida la imaginación del guionista.

Así que del refrescante y divertido retrato juvenil  actual pasamos a un repaso por la historia de Dinamarca, parece ser que basado en la historia real, pero todo cobra otro aire cuando se nos dice que el  fisico (nacido en el siglo I) es un guerrero inmortal a causa de un hechizo de la bruja que da nombre a la película, que está también hechizada y acompaña por los siglos los avatares históricos daneses. El fisico solo podra tener una vida mortal si se unen las dos piezas de ese crucifijo que buscan los niños: el armazón de la cruz y la efigie de Cristo. Por eso los niños irán a buscar la efigie a todas esas épocas persiguiendo a la bruja que es quien la tiene...y asi hasta la edad actual.

Evitando aplicar mucho la lógica y el sentido común en este peculiar guión, la película es entretenida y muestra cómo se podría acercar la historia de los países a sus jóvenes ciudadanos de una forma divertida (quizá con menos fallos argumentales que en esta).

Está dirigida por Mogens Hagedom y se puede calificar como un producto menor pero digno de cine juvenil de aventuras, con una imagen bien cuidada, unos diálogos fluidos y también inteligentes y unos efectos visuales modestos pero adecuados.

Producida por Jerry Bruckheimer y dirigida por Rob Marshall (el director de "Nine" o "Chicago") la cuarta entrega de la franquicia de Disney "Piratas del Caribe" vuelve a ser un festival Jack Sparrow, el ambiguo e histriónico pirata antihéroe creado por la genialidad interpretativa de Johnny Depp. Nada de lo que se le añade a Depp, ya sea la mismisima "Pe", Penelope Cruz, bastante embarazada en esta filmación y por tanto sin mucha convicción en las escenas de amor con Depp, o a un capitán Barbossa descafeinado-Geofrey Rush-, muy lejos de su acierto en "El discurso del rey" e incluso de este papel en entregas anteriores,(se ve que se está cansando de piratas) o a un guión más literario y menos infantil que en el pasado, o la presencia mítica de unas sirenas muy bien recreadas por ordenador y nada que ver con la marca Disney, nada, repito, de lo "nuevo" hace que el más famoso pirata del mundo sea mejor en esta película  que en el resto de la saga.

¿Qué ha ocurrido? quizá que como el gran Barbossa, Jack Sparrow comienza a estar cansado de sí mismo y lo refleja en la pantalla de una forma sutil.

Ahora la apuesta es nada más y nada menos que la fuente de la eterna juventud, aquél mito histórico que en siglos pasados llevó a la muerte y a la locura a muchísimos hombres. Con la ligereza propia de estos productos, se nos pone en contacto con la expedición de Ponce de León (doscientos años antes de la presunta época de la acción) y con la leyenda -esta original del guionista--de que sólo con los dos cálices del histórico conquistador español Ponce de León y una lágrima de sirena se puede acceder a la fuente mística. Ya está armada, Jack y sus ocasionales aliados, un siniestro capitán Barba Negra (cuya hija es nuestra Penélope), Barbossa esta vez como corsario a la orden del rey inglés y los españoles como terceros en discordia, engrosan una carrera de aventuras y dislates varios hasta dar con la fuente y más o menos destrozarla con la ayudita fanático-religiosa de unos españoles sacados del manual del inquisidor.

La cuarta aventura de los Piratas tiene la garra y la fuerza de las anteriores, pero le falta algo, quizá entusiasmo o quizá le sobran años. La espontaneidad milimitrada y los hallazgos visuales de las dos primeras ya se están haciendo reiterativos en la tercera y mucho más en esta cuarta. Mención aparte es la aprición estelar de Keith Richards, en otro cameo de padre de Sparrow. Una vez más hipnotiza ese rostro inecesariamente maquillado que parece tener en sus arrugas y trazos, en su mirada, toda la convicción de experiencia, maldad ocasional y cansancio de un auténtico caballero de fortuna. Creo que hubiera dado un Capitán John Silver, el de "La Isla del tesoro", que hubiese desbancado a cualquier otro.

En resumen, un poco más de lo mismo, pero con diversión asegurada.

Ciento trece minutos de acción trepidante, en la linea de la saga Bourne pero con Liam Neeson que da madurez y solidez al personaje, aunque no acaba de dar bien en el papel de héroe de acción. Un biólogo llega a Berlin con su esposa para asistir a una conferencia internacional. Olvida un maletín en el aeropuerto y cuando llegan al hotel él decide volver para buscarlo. El taxi en el que viaja sufre un aparatoso accidente y acaba en el río. A consecuencias del golpe pasa unos dias sin sentido en el hospital y cuando despierta descubre que alguien le ha robado la identidad. nadie le reconoce, ni siquiera su esposa y hay otro hombre que ocupa su lugar y su vida. Comienza la paranoia hasta que a mitad de película lo intentan asesinar.

Con un inicio  que recuerda al Polanski de "Frenético" (hay escenas casi calcadas sobre los tejados de Berlin, en lugar de Paris), la película transcurre por vericuetos de intriga bien llevados, con ritmo y bien resueltos técnicamente, pero faltos totalmente de originalidad. Sensación de que has visto muchas secuencias antes, quizá en Hitchcock, quizá en Bourne, pero con un sello personal del español afincado en Los Angeles, Jaume Collet-Serra.

Lástima que el director no aporte nada propio, distinto a la disparatada trama que acaba en un trhiller conspirativo de alcance planetario. Se estira demasiado la verosimilitud y el espectador (que quizá está disfrutando con la película) prefiere dejar en suspenso la lógica y aunque no se cree nada o casi nada de lo que le cuentan, lo hacen con tanto brío que se encoge de hombros y se relaja. Incluso cuando asiste a una conversión que ni la de San Pablo: el trauma cerebral del accidente convierte a un asesino letal en un héroe de alma limpia y sin dudas. Demasiado...

Si además tiene alguna secuencia memorable con un Bruno Ganz alejado de su "Hitler" y metido en la piel de un ex agente de la stasi que trata de ayudar a Neeson y otras, demasiado cortas, con un Frank Langella soberbio que envejece muy bien y se hace cada vez más inquietante, pues eso, disfruten y olviden la verosimilitud.

A pesar de que no lo hace del todo mal Neeson en papeles de acción, a los que dota de una vulnerabilidad psicológica muy creíble, ya sea defendiendo a su hija como en  "Venganza" o componiendo a un ex miembro del IRA que busca la redención... no nos creemos el fulgurante ambio ético y psicológico de su personaje en "Sin identidad". El guionista le ha jugado una mala pasada. 

Collet-Serra sabe mucho de cine y eso se nota en sus referencias continuas. Pronto nos ofrecerá algo más personal, digo yo, una vez que tenga contentos a sus patronos de la industria norteamericana del cine comercial.

Dirigida por  Francis Lawrence, e interpretada por Reese Witherspoon, Robert Pattinson el guaperas de "Crepúsculo" y el soberbio Christoph Waltz (aquí más inquietante si cabe que en "Malditos bastardos"), narra las experiencias dramáticas de un estudiante de Veterinaria llamado Jacob Jankowski que se ve obligado a dejar los estudios tras la muerte de sus padres en un accidente de coche y se busca la vida en el escenario lúgubre, deprimido y violento de la Gran Depresión norteamericana. Casualmente va a dar con un circo dirigido por un complejo personaje que oscila entre la más primaria violencia patológica para defender sus intereses y la aparente suavidad y educación de un hombre entregado a su negocio y a su esposa: sobrevivir con un circo en un país azotado por la miseria y mantener su matrimonio y su amor, igualmente patológico, con la bella muchacha que monta a la gran atracción del espectáculo, una elefanta amaestrada, Louisse.

 Con una ambientación magnífica y certera, el melodrama no tarda en plantear sus cartas: el chico se convierte en indispensable para la presencia de la elefanta, se intuye de lejos que será el tercero en discordia en el matrimonio --que se mueve agónicamente entre raptos de violencia incontrolada del psicotico propietario del circo y sus muestrasembarazosas de amor enfermo por su mujer que, naturalmente, acaba decantándose por el joven y trata de hiuir con él tras un rapto de celos asesinos del gran Waltz.

¿No les suena esta madeja melodramática? Pues si, no hace mucho vimos "Balada triste de trompeta" de nuestro Alex de la Iglesia y es exactamente el mismo argumento con las variaciones que da el hecho de que la pelicula española es durante nuestra guerra civil y su desarrollo se explaya en el tremendismo más agresivo como es propio de Alex. ¿Se inspiró Alex de la Iglesia en la novela de Sara Gruen? No recuerdo haber visto la nota, en los créditos, aunque quizá no me fijé.

Pero bueno, semejanzas aparte, que existen solo en la estructura del relato no en su desarrollo ni desenlace, ni por supuesto en la escritura y el estilo cinematográficos, tan distintos, la película que hoy nos ocupa no acaba de salir de una cierta mediocridad interpretativa (dejando a un lado el recital un poco sobreactuado de Waltz) y de un desarrollo que acaba siendo previsible y que se sustenta en algunas secuencias muy bien resueltas como la estampida de animales en el circo, la presentación del personaje del director o su momento de debilidad confesando su amor enloquecido por su mujer y su miedo a perderla.

Hay una cierta frialdad expositiva que acaba contagiándose a los personajes y a la historia, a pesar del gancho indudable que tiene convivir con las gentes del circo puertas adentro, con sus miserias y sus contradicciones, sus miedos y sus renuncias.

Me gustó más este director con una de sus peliculas anteriores, "Soy leyenda" o en "Constantine" que en esta "Agua para elefantes" que deja la impresión de no llegar al listón debido, a pesar de la fuerza de la historia no por previsible menos atractiva y sugerente, quedándose en media docena de secuencias para el recuerdo. Llega un momento en que uno pìensa que es demasiado larga (120 minutos) y eso es un mal síntoma. ¿O no?